El límite es una exposición de obras del patrimonio del Museo Moderno en diálogo con obras de artistas invitados, que inaugura el programa de exposiciones 2022 Un día en la Tierra. Este programa despliega un discurso holístico dedicado a la necesaria y urgente reflexión sobre el presente de la humanidad y su relación con el planeta.
La exposición se despliega en dos salas. En la primera, los artistas abordan el dolor ante vivencias traumáticas. Las obras buscan señalar y reparar: denuncian la presencia monstruosa de las dictaduras militares y las guerras, los femicidios y la agresión patriarcal y colonial ejercida sobre los cuerpos y las poblaciones racializadas.
En la segunda sala, a partir de una ecología artística ligada al territorio, a sus recursos naturales y a los saberes que surgen de estos, los artistas denuncian la devastación humana y territorial y ponen su atención en los modos más sensibles de vincularse con el territorio y en los conocimientos ancestrales sobre la naturaleza.
Curaduría: Victoria Noorthoorn, Javier Villa, Marcos Krämer y Violeta González Santos
La Fábrica: El límite
Te invitamos a descubrir un nuevo episodio de La Fábrica, el ciclo en el que los trabajadores de cada área del museo nos cuentan su aporte para concebir y realizar las exposiciones. En esta oportunidad, conocemos El límite, una de las 11 exposiciones que conforman el programa del Museo Moderno 2022, Un día en la Tierra, a través del testimonio de Marcos Krämer, curador; Ivan Rösler, jefe de Diseño y Exposiciones, y Alejandra Aguado, jefa de Patrimonio.
Retrato - Lucrecia Lionti
Lucrecia Lionti (Tucumán,1985) participa en el programa Un día en la Tierra con dos obras incluidas en las exposiciones Vida abstracta y El límite. Su producción artística se compone de bordados textiles e instalaciones que muestran palabras y frases relacionadas con el contexto político, social y cultural de nuestro continente. En su obra Exaltar la economía, Lionti combina referencias a las formas y discursos representativos de la Asociación Arte Concreto-Invención y del movimiento Madí con preocupaciones personales y pictóricas. Sobre una gran forma que toma como punto de partida la técnica del marco recortado, se superponen las frases Exaltar la óptica –una de las líneas fundamentales del Manifiesto Invencionista publicado en 1946– con Exaltar la economía, un tema que la inquietaba en un momento de profunda intranquilidad e inestabilidad financieras. Por otro lado, Piedrazo y escala de negros, se centra en los casos de gatillo fácil ocurridos entre el 2017 y el 2018 en la Argentina. La artista, conmovida por estas situaciones, decidió realizar esta obra donde la materialidad áspera de la arpillera se une al fieltro para representar la fragilidad de las personas civiles ante la violencia policial.
Retrato - Tomás Espina
Tomás Espina (Buenos Aires, 1975) participa del programa Un día en la Tierra con su obra Haití, incluida dentro de la exposición El límite. Espina estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su producción se desarrolla en diferentes medios –como intervenciones, acciones, videos, dibujos o pinturas– y está influenciada por las tradiciones del romanticismo negro, el expresionismo alemán, la obra de Goya, Brueghel el Viejo, la iconografía alquimista y algunos experimentos de las vanguardias históricas. Ha sido becado por la Secretaría de Cultura de la Nación y por el Atlantic Center for the Arts, de Estados Unidos (2004), y recibió premios en diferentes certámenes e instituciones del país. Haití está conformada por un conjunto de cabezas de arcilla exhibidas en estantes de madera, de modo que evocan el montaje característico de los museos de arqueología. Las piezas, deformadas, generan una atmósfera mortuoria y ritualista, en la que tanto la idea de ofrenda como la de transmutación se ven reforzadas por el uso del barro. Al imitar objetos de las culturas primitivas, el artista se apoya en las representaciones del pasado para establecer una identificación extraña con los objetos. De este modo, guía al espectador hacia el imaginario de lo originario y lo chamánico, pero también el de la violencia infligida hacia el cuerpo y hacia el territorio.
Retrato - Gabriel Baggio
Gabriel Baggio (Buenos Aires, 1974) participa del programa Un día en la Tierra con su obra Matar y morir incluida dentro de la exposición El límite. Su producción artística se compone tanto de obra objetual como de proyectos performáticos que reflexionan sobre la recuperación y la transformación de los relatos culturales, el lugar que ocupan los oficios y los símbolos que están involucrados en procesos sociales, emocionales, identitarios e históricos. Durante su carrera fue invitado por Urra/Yaxs para una residencia artística en la Ciudad de Guatemala; por la Universidad Nacional Autónoma de México para participar en Performagia´07, México DF; becado por TriangleArt Trust para participar del Hong Kong International Artist´s Workshop, China y por Unesco-Aschberg. Ha recibido distintas distinciones a lo largo de su carrera, entre las que se encuentran el Primer Premio en Cerámica del Salón Nacional (2019), el Segundo Premio del Concurso de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes (2016). Su obra integra colecciones públicas y privadas y ha sido expuesta en instituciones tanto en Argentina como en otros países del mundo.
La obra Matar y morir surge a partir de un minucioso estudio de la Historia del arte en fascículos que coleccionaba su familia. Aquellas publicaciones de divulgación lo inspiraron para construir un friso escultórico compuesto por figuras agonizantes, trágicas y cadavéricas, que citan obras emblemáticas del arte europeo desde la antigüedad clásica hasta la pintura colonial. A partir de este recorrido por la presencia de la muerte en imágenes que responden intencionalmente al canon occidental de la belleza, Baggio pone el foco en la capacidad de las imágenes artísticas de transmitir el sufrimiento y las traduce a la cerámica esmaltada, material recurrente en su trabajo.
Gabriel Baggio
Buenos Aires (Argentina), 1974 – donde vive
Matar y morir, 2020
Cerámica esmaltada con lustre de oro
Colección privada. Cortesía Fundación ArtHaus.