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Esta pieza pareciera tener varias puntas asombrosas si nos regimos por aquellas obras abstractas de los años treinta, cuarenta y cincuenta que la colección del Museo Moderno posee de Yente. Fue una de las primeras artistas que adhirió a las propuestas de la abstracción, miembro fundador de la Agrupación de Arte No Figurativo y artista destacada en esta línea por la historia del arte, junto a otra mujer, Lidy Prati, quien también utilizaba seudónimo. La figuración, sin embargo, siempre la acompañó.
¿Y la temática religiosa? Curiosamente en la década de los sesenta participó, por un lado, en la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno en nuestro museo; y por el otro, en Arte sagrado de la Argentina, en Roma. Pocos años más tarde exhibió la serie del Antiguo Testamento, realizada con la misma técnica de este particular collage.
Esta obra fue donada por el Fondo Nacional de las Artes en 1966 y nos muestra una técnica que ya venía experimentando desde hacía veinte años. Sin embargo, es durante estos años cuando comienza a utilizar fósforos quemados y papeles de envases, realizados en Italia.
Nicéforo el Patriarca, detractor de los iconoclastas, decía «Dios es un círculo perfecto, cuyo centro está en todos lados y su circunferencia en ninguno». La abstracción, la religión y los iconódulos parecieran poder encontrarse en esta pieza.
Yente (Eugenia Crenovich), Duomo l’annunziata, 1962, madera balsa, fósforos y recorte de papeles sobre chapadur, 119 x 60 cm. Donación Fondo Nacional de las Artes. 1966
Para la reapertura del Museo Moderno, Diana Aisenberg realizó dos obras específicamente concebidas para los espacios de circulación del museo. Zaguán y besos es una gran instalación que asoma desde la puerta de ingreso, en la planta baja. Una forma parecida a un portal recibe a los visitantes y transforma la frontera física entre el adentro y el afuera del
museo. Este zaguán filtra la luz que ingresa desde el patio y la transforma en colores cálidos. También suena el roce de los hilos cuando el viento los mueve: una vibración aguda, una llamada para los cuerpos. La segunda intervención, Totema, en el primer piso del museo, es una entidad de cuatro ojos, una presencia monumental que se alza entre las salas. Con ecos de deidad, vestida de gala, libera corrientes de fuerza viva.
Te invitamos a recorrer Nicanor Aráoz: Sueño sólido junto al artista y la curadora de la exposición, Lucrecia Palacios.
Esta exposición ha sido posible gracias a la generosa colaboración de Eloísa
Haudenschild.
En esta entrevista, Nicanor Aráoz y Lucrecia Palacios recorren el proceso de producción y realización de Nicanor Aráoz: Sueño sólido, la exposición inaugurada en octubre en el Moderno ¿Cómo fue pensada la exposición? ¿Cómo influyó el contexto de aislamiento en el montaje y apertura? ¿Cuáles son los temas e intereses que el artista despliega en Sueño sólido?
¡Mirá el video!
No sabemos con certeza si esta Gran estación de servicio pintada por Bayón a lo Edward Hopper era una YPF, pero podemos imaginar una soberanía energética entregada una vez más a intereses foráneos, allá por 1982, año en que se creó la obra. Si tuviéramos que invocar a una figura de la defensa de la soberanía nacional, sería Enrique Mosconi (1877-1940), ingeniero civil de la Universidad de Buenos Aires e ingeniero militar de la Academia Técnica de Prusia, que fue el promotor y organizador de la explotación integral del petróleo en la Argentina y primer director general de Yacimientos Petrolíferos Fiscales, desde 1922 hasta el golpe militar de 1930. Para Mosconi la soberanía y nacionalidad se construía con el trabajo de los ciudadanos, los principales defensores del patrimonio argentino y sus riquezas naturales. En su libro El petróleo argentino y la ruptura de los trusts petrolíferos inglés y norteamericano, de 1929, expuso sus ideas centradas en una política de “puerta cerrada” y monopolio estatal que, según su palabras, “terminará con la lucha entre los trusts e YPF”.
Jorge Bayón, Gran estación de servicio, 1982, óleo sobre aglomerado, 59 x 82 cm
Sobre las islas Malvinas, Georgias del Sur y Sandwich del Sur y los espacios marítimos e insulares correspondientes a la Guerra de Malvinas
En 1982, Marta Minujín realizó el proyecto para una performance antropofágica, Margaret Thatcher de Corned Beef. La figura de la primer ministro británica estaba representada en una estructura metálica de 17 m de altura, fabricada con el mismo material con que se la caracterizaba: la “Dama de hierro”. La imagen se completaba montando sobre su exterior decenas de latas de corned beef [carne asada] y contenía algodón en su interior para ser quemada luego de repartir al público la carne envasada.
En 1982, la Argentina estaba gobernada por una dictadura bajo el mando del teniente general Leopoldo Fortunato Galtieri. Días antes del desembarco argentino en Malvinas, el 2 de abril, el movimiento obrero había convocado una marcha hacia la plaza de Mayo, donde se agolparon cincuenta mil personas que coreaban el lema “paz, pan y trabajo”, entre insultos al dictador. El llamado patriótico a la recuperación de las islas, ocupadas ilegalmente por el Reino Unido desde 1833, fue una clara estrategia neutralizadora de cualquier reclamo popular. La Argentina sigue ratificando su soberanía conforme al derecho internacional y afirmando que la recuperación de las islas constituye un objetivo permanente e irrenunciable.
Marta Minujín, Margaret Thatcher de Corned Beef (proyecto), 1982, tinta sobre papel, 100 x 69 cm. Donación Asociación Argentina de Críticos de arte, 1988
Ricardo Carpani desarrolló una iconografía que toma al obrero como protagonista. Participó del Movimiento Espartaco y luego se relacionó con los sindicatos, realizando murales, diseño gráfico, afiches, talleres, publicaciones obreras y militantes, además de una profusa producción escrita y una activa participación política en espacios cercanos a la izquierda nacional y el peronismo revolucionario.
Uno de sus intereses centrales era el debate que se daba sobre la oposición entre un arte latinoamericano soberano y popular o uno dependiente y colonizado. Carpani diría: “¿Por qué, si son las masas quienes cotidianamente elaboran con su lucha política descolonizadora nuestra cultura nacional, no habrán de ser ellas mismas las encargadas de objetivar en imágenes esa su cultura? ¿Por qué dicha tarea debe necesariamente correr por cuenta exclusiva de especialistas (los artistas) formados como tales al margen de ese proceso en las colonizadas academias y círculos del propio sistema que las masas con su lucha intentan destruir y superar?”
Ricardo Carpani, Arte y militancia, Buenos Aires, Ediciones Continente/ Peña Lillo, 2010, p. 82.
Ricardo Carpani (1930-1997), Manifestación, sin fecha, calcografía aguafuerte, 40, 5 x 49,5 cm. Edición 14 de 75
En el Consejo de los niños y las niñas del Moderno nos reunimos a pensar y compartir los deseos y necesidades de las infancias. En nuestros encuentros anteriores trabajamos a partir de las siguientes preguntas: ¿Con qué objeto darías la vuelta al mundo y por qué? ¿Cuál es tu espacio favorito y a cuál no volverías? ¿Qué tipo de museo te gustaría inaugurar?
En esta oportunidad te invitamos a que respondas en una hoja de tu color favorito: ¿Qué consejo les darías a los adultos para mejorar el presente y el porvenir? Podés pensar en aquello que te gustaría transformar en tu barrio, en tu escuela o en tu ciudad. Si te animás, también podés grabar un breve video.
Subilo a tus redes con tu nombre y edad: vamos a crear un “Mosaico de la infancia” y, con el aporte de cada uno, vamos a componer la voz de los niños y las niñas del Moderno. ¡No olvides arrobar al museo! Si querés ser parte de El Consejo de niños y niñas del Moderno, inscribite en www.museomoderno.org
Obra: Marta Minujín, Imaginando estupor, 2003, venecitas pegadas sobre vidrio con marco de hierro, 210 x 110 x 7 cm. Donación de la Asociación Amigos del Museo de Arte Moderno, 2009
Tutorial creativo a cargo de Gonzalo Prieto
Te invitamos a dibujar una superheroína o superhéroe del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Imaginá que sos un personaje de historietas que tiene el museo como su base de operaciones, ¿Cuál podría ser tu súper poder? ¿Cómo sería tu enemigo? ¿De qué peligros podrías proteger a las obras de arte o a los visitantes del museo?
No te olvides de compartir tu personaje en historias y etiquetarnos. ¡Los estaremos compartiendo durante el fin de semana!
Contaba Mildred Burton que su padre volaba con gallinas bajo el brazo desde el techo de su casa, que su hijo nadaba con cocodrilos, que en plena ciudad de Buenos Aires había chocado contra un animal gigante y que su abuela había ahorcado al gato de su infancia. Más allá de lo verídico o verosímil de estas historias, la vida y la obra de Mildred Burton siempre estuvieron repletas de una presencia inquietante de los animales. Ya sea agazapados detrás de la forma humana, en armónica convivencia, o reptando amenazantes dentro nuestro, las obras de Burton traen del pasado moderno un debate entre cultura y naturaleza que aún nos perturba en pleno siglo XXI. Las imágenes mutantes de Burton vuelven a confirmar la debilidad de las fronteras construidas entre el animal humano y los otros animales. Sin embargo Mildred no entendía la potencia de estos préstamos como un vínculo puramente tierno y pacífico. Por el contrario, sus imágenes cargan con distintas dosis de ironía, crueldad y fantasía, y en esa combinación produjo una lectura del país que le tocó vivir.
