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Moderno Federal es un programa creado por el Museo Moderno gracias al apoyo del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que busca fortalecer una red de diálogo e intercambio entre el museo y las diversas escenas artísticas del país con el fin de ampliar la base de sus investigaciones, programas y adquisiciones, reafirmando la construcción de un patrimonio cada día más representativo del arte argentino.
A través de este programa, el Museo Moderno viaja para realizar investigaciones exhaustivas de las distintas escenas del país, que son guiadas y organizadas por curadores locales de las diversas provincias.
Durante estos viajes, se realizan entrevistas a diversos actores del campo artístico, material que integrará el archivo audiovisual de acceso público del Programa Federal del Moderno, que aspira a convertirse en una rica fuente de información de consulta en línea que fortalecerá los saberes y las investigaciones sobre la escena nacional. A su vez, el programa nutre las investigaciones curatoriales en curso del museo, ampliando la base de referencia para futuras exposiciones, adquisiciones, publicaciones y programas educativos.
Durante este primer año, hemos recorrido más de 10.000 km, entrevistado a más de doscientos artistas en doce ciudades de cinco provincias, visitado más de cincuenta museos, galerías e instituciones artísticas e incorporado más de 245 obras al patrimonio del museo, entre adquisiciones, donaciones y comodatos de obras, tanto históricas como contemporáneas.
El Programa Federal afirma la vocación federal del actual equipo del Museo Moderno, cuyo interés en ampliar la base de sus investigaciones ha dado como resultado exposiciones de relevancia, tales como Una historia de la imaginación en la Argentina (2019), Adentro no hay más que una morada (2021), Carla Grunauer: Los oferentes (2021), Adriana Bustos, Claudia del Río y Mónica Millán: Paisaje peregrino (2021), La Chola Poblete: Ejercicio del llanto (2022), Florencia Sadir: Ofrenda al Sol (2022) y las actuales Sofía Torres Kosiba: Bravaria y A 18 minutos del Sol, exposición con más de cien artistas de todo el país.
¡Bienvenidos al Moderno Federal!
Fernanda Aquere es artista, curadora, docente y gestora cultural. Trabaja en distintas áreas de las artes visuales y escénicas, entendiendo al arte como un campo generador de conocimiento, un lugar donde la praxis creativa y la mirada crítica habilitan la posibilidad de operar en otros campos. A partir de un soporte conceptual e ideológico genera estrategias, imagina y crea las condiciones propicias para el hacer artístico colectivo. El sello constante de su praxis creativa es la producción artística mediante la experimentación con nuevos lenguajes y recursos tecnológicos.
Fernanda Aquere (San Gregorio, Santa Fe – 1968. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de Santa Fe) licenciada en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Rosario. Realiza proyectos curatoriales, pedagógicos y de gestión cultural. En 2005 co-fundó el grupo de gestión y producción independiente Germina Campos, con el que realiza hasta 2010 curadurías de muestras, publicaciones y generó espacios de formación. Curadora Anfitriona para el Programa Moderno Federal en la Ciudad de Santa Fe y curadora en Conversación Rosa, activación de la artista visual Ana Gallardo en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe Capital. En 2020 obtuvo el Premio Máscara otorgado por la Municipalidad de la Ciudad de Santa Fe, por su labor en las Artes Escénicas. Participó como jurado en Salones Nacionales, Premios y Concursos. Productora, diseñadora del vestuario y de la escenografía de la obra de teatro La Jauría de las Damas-, de Adrián Airala – seleccionada en 2018 para el Festival Internacional de Artes de Armenia- Colombia.
Ramiro González Etchagüe concibe el vacío como disparador, como una sensación que lo acompaña y se propone en sus producciones como la posibilidad de interpretar potencialidades vinculadas al paradigma de la incertidumbre, impulsándolo a nuevas búsquedas desde propuestas que se establecen como excusas del paisaje para la representación de ideas o sensaciones. Utiliza elementos simples para construir complejidades que piensan y traducen contrapuntos entre espacio y tiempo, lugar y “no lugar”, sujeto y objeto, con el anhelo de materializar lo imposible sobre un fondo de ausencia. Condensación y desplazamiento, metáfora y metonimia son conceptos que rondan y constituyen los efectos de esta incompletud que intenta saldar o explorar.
Ramiro González Etchagüe (Tostado, Santa Fe. Actualmente vive y trabaja en Sunchales, Santa Fe) es artista visual y director del Museo Municipal Basilio Donato y Archivo Histórico Municipal de la ciudad de Sunchales, fue docente en el Liceo Municipal de la ciudad. Se forma con artistas, curadores y especialistas de arte de reconocida trayectoria en clínicas y talleres; fue becario del Fondo Nacional de las Artes, la Fundación NBSF y el Programa Art Boomerang. Sus obras son reconocidas en salones y concursos de nivel provincial y nacional, varias de ellas son parte de colecciones públicas y privadas. Cuenta con varias muestras individuales y grupales. Se especializó en la gestión de proyectos culturales por la Universidad Provincial de Córdoba, la Universidad Nacional del Litoral y en Curaduría por Node Center, Berlín- Alemania.
La obra de Florencia Sadir nace de su mirada atenta y sensible sobre el territorio y pone particular atención en los saberes desarrollados históricamente por las comunidades de los Valles Calchaquíes; en particular, por aquellas del pueblo de San Carlos, donde vive, el más antiguo de Salta y cuna de artesanos. Su práctica destaca las maneras en que los materiales naturales son transformados mediante tecnologías ancestrales de modo tal que, al entrar en contacto con el calor, la humedad o el viento, se convierten en alfarería, adobe o tierra fértil para el cultivo. Su elaboración contribuye a la construcción del hogar, a la conservación y cocción de alimentos, al traslado del agua o al abrigo.
El trabajo de Sadir, sin embargo, busca desviar estos procesos de su funcionalidad y exhibir las formas de estos objetos al desnudo: con actitud minimalista y fiel a su formación conceptual, Sadir viene creando, en su corta pero poderosa trayectoria, instalaciones despojadas que descubren órdenes, texturas, patrones y métodos. Las formas son sometidas a una fuerte síntesis a partir de la cual, al desplegarse, multiplicadas, deslumbran con la sencillez e integridad de su presencia.
Florencia Sadir (Cafayate, Salta – 1991) actualmente vive en San Carlos, un pequeño pueblo cercano a Cafayate. Se formó en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán y asistió al Taller C en esa Facultad. Realizó el Programa de Artistas 2020-21 en la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires y, en 2019, el programa de estudios en la Escuela Flora Ars + Natura en Bogotá, Colombia. En julio de 2022, participó en la Trienal de Aichi en Tokoname, Japón, titulada Still Alive, dirigida por Mami Kataoka y en noviembre de ese mismo año inauguró Florencia Sadir: Ofrenda al sol, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, siendo ésta la primera exposición individual en un museo de Buenos Aires. En 2021 realizó la exposición Todavía las cosas hacían sombra en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta y en 2018, Un lugar sin nombre en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires y ha participado también en exposiciones colectivas como Trazar sobre el suelo el contorno de la polvareda (2021) en el Museo Jallpha Kalchakí, San Carlos, Salta; Adentro no hay más que una morada (2021) en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Gualicho (2022) en Galería Revolver, Buenos Aires. Sus obras forman parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Arte Moderno de Bogotá y de colecciones privadas en la Argentina, Chile y Colombia.
Analía Solomonoff (Rosario, 1972) desde 2016 es directora por concurso del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez en Santa Fe. Durante su gestión el Museo Rosa Galisteo obtuvo el Premio Ibermuseos de Educación (Mención Honorífica, Museo Tomado) en 2019, el Premio Konex 2022: Artes Visuales (Diploma al Mérito), y ese mismo año el Comité Internacional de Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAM) distinguió al Museo con el reconocimiento Outstanding Museum Practices poniendo en valor la innovación en la gestión de la institución. Ha sido convocada como jurado en diversas instancias destacando el concurso abierto para seleccionar el proyecto que representó a Argentina en el 59ª Bienal de Venecia. Fue subdirectora de los museos Sala de Arte Público Siqueiros y Proyecto Siqueiros: La Tallera. Coordinadora del Foro de Ediciones Contemporáneas en el Museo de Arte Carrillo Gil y del proyecto Radicante. Intercambio de prácticas culturales México-Argentina. Es gestora cultural, curadora y docente.
Marcela López Sastre (Salta, 1975) termina sus estudios secundarios en Nueva York. Estudia Comunicación Social en la Universidad Nacional de Córdoba y realiza allí diversos proyectos de autogestión relacionados a las artes visuales. Estudia fotografía y trabaja en una galería de arte en Barcelona desde el 2001 al 2003. En 2008 recibe el Premio Híbrido y Puro por los 10 años del CCEC- Centro Cultural España Córdoba y es nombrada curadora del Museo de Arte Contemporáneo MAC de Salta donde trabajó hasta el 2015. Cohorte 2018 del Doctorado en Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, actualmente está terminando su tesis sobre prácticas artísticas y curatoriales en proyectos de autogestión. Desde el 2019 es Directora del Museo Provincial de Bellas Artes de Salta.
Ratona Colectivo nace en Santa Fe en septiembre de 2018 en el marco de encuentros donde el debate y la reflexión en torno al arte ocupaban un lugar principal. Quienes integramos el colectivo provenimos de diferentes áreas que construyen conocimiento de formas diversas: Sociología, Artes Visuales, Fotografía, Museología, Cine, Arquitectura, y Educación. Nuestra unión resulta de compartir la experiencia como residentes y mediadores culturales en el MPBA Rosa Galisteo de Rodriguez. La pluralidad de miradas que constituyen y caracterizan nuestro colectivo permite ampliar el cuestionamiento acerca de lo que sucede actualmente en el campo del arte y la cultura en general, y particularmente en la escena artística santafesina. Producimos desde el deseo de expresar aquello que nos interpela, plasmándolo en expresiones artísticas, inicialmente desde el formato instalación. Integrado por Francisco Bergallo (1995), María Belén Garófalo (1993), Antonella Mecchia (1992), Juana Rondina (1998) y Pamela Silva (1993).
Damián Santa Cruz (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, 1984). Estudió Artes Visuales en la Escuela Superior de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, Córdoba y diplomado en Gestión y Conservación de Archivos de Arte por la UNSAM en diálogo con la Fundación Espigas. Desde el año 2009, ha recibido diversas becas de perfeccionamiento participando en muestras/Ferias provinciales y nacionales.
En 2009 participa de Demolición, Construcción: Clínica de Procesos Artísticos junto a Graciela De Olivera, Luis González Palma y Soledad Sánchez Goldar, con quien continúa trabajando hasta el 2010 en la muestra y montaje del festival Arte Afuera, bajo el marco de Demolición/Construcción en el Archivo Provincial de la Memoria de Córdoba. En el 2012 participa en la Clínica de Arte Contemporáneo Puesta en Órbita dictada por Anibal Buede, en el 2015 participa en el Taller de Análisis y Seguimiento en Yungas dictado por Raúl Flores y en el 2021 en el Programa ABELE, dictado por Carla Barbero y Javier Villa. Actualmente trabaja en el sector de gestión, archivo y conservación de la colección de HAB. de Hipólito Atilio Bugliotti en la ciudad de Córdoba.
Itamar Hartavi (Tel Aviv, Israel, 1984) creció en Buenos Aires y se formó en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) en la cátedra Bissolino de Pintura en la que fue ayudante entre el 2007 y el 2013. Entre sus exposiciones individuales se destacan Los cerros, Galería Sendrós (2021) y Hola soy yo, Galería Inmigrante (2012). De las exposiciones colectivas en que participó se destacan Neo Futurismo Ancestral de Post Apocalipsis Vol. 1, Galería Remota (2022) y Bellos Jueves, Museo Nacional de Bellas Artes (2012). Desde el 2015 reside en Tilcara, Jujuy.
Sofia Torres Kosiba (Córdoba, 1974) es artista transdisciplinar, curadora independiente, investigadora y docente de posgrado, Especialista en Estudios de performance por la Universidad Nacional de Córdoba (UNC).
Expone y realiza acciones performáticas en museos y galerías de diferentes ciudades de Latinoamérica y Europa. Dentro de las que se destacan Y si pudiera… Lo invadiría todo, 2016 MEC Museo Emilio Caraffa, Extraños. Un profundo resonar, 2016 Museo Genaro Pérez, La momia se levanta Opera performática, 2016 Teatro del Libertador San Martin, Una vida toda, 2016 EAC espacio de arte contemporáneo , Montevideo , Uruguay, Estado de Dicha, 2017 Pabellón México, UNC Universidad Nacional de Córdoba, Vuelta 2018 Local arte contemporáneo , Santiago de Chile, Bravaria, Barroca, Barracuda, 2018-2019 en Galería Selva Negra, Buenos Aires, Bavaria. El reino inexistente, 2019 en MUMU Museo de las mujeres, Córdoba, La esperanza es mi enemiga, 2019 en MAMAMA espacio de arte contemporáneo, Lima, Perú, Las Olas del Deseo Casa nacional del Bicentenario, 2022, Tecno Araña Ideal, Museo Basilio Donato, Sunchales, 2022, Tesoro Fundación Fortabat, Buenos Aires año 2022-2023. Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas de Argentina y Estados Unidos. Tiene su base operativa en Hotel Inminente, Estudios de artistas de la ciudad de Córdoba (donde reside) y en el barrio de Boedo.