En el año de su 70 Aniversario, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta las Jornadas Habitando el futuro, una serie de encuentros con artistas, investigadores, diseñadores y curadores argentinos e internacionales, con la intención de abordar las preguntas de la humanidad ante el futuro.
Las jornadas se inscriben en el eje que organiza el Programa Anual 2026 Habitando el futuro, una invitación a imaginar, en comunidad, maneras de hacer de nuestra Tierra un lugar mejor. En este marco, el Museo Moderno propone abrir un espacio de intercambio y reflexión en torno al arte como forma de producción de conocimiento: un campo desde el cual revisar las imágenes heredadas del mundo, imaginar otras relaciones entre cultura y naturaleza, y abrir interrogantes sobre los modos en que habitamos la Tierra. ¿Cómo contribuyen las prácticas artísticas a repensar nuestras formas de vida en un momento de profundas transformaciones sociales, tecnológicas y ambientales?
Estos interrogantes se abordarán en conferencias, entrevistas, mesas redondas y recorridos guiados por artistas, en diálogo con las exposiciones, donde se revisarán las narrativas propias de la modernidad y se explorarán nuevas relaciones entre naturaleza, ciencia y poéticas del arte.
Participantes: Alfredo Aracil, Jonathas de Andrade (Brasil), Joaquín Aras, Erica Bohm, Grupo Bondi, Franco Chimento, Ariel Cusnir, Marta Minujín, Victoria Noorthoorn, Patricio Orellana, Leonardo Puppo, Valentina Quintero, Deon Rubi, Cristina Schiavi, Max Hooper Schneider (Estados Unidos), Felix Shumba (Zimbabue), Paulo Tavares (Brasil).
16.30 h | Bienvenida
Palabras a cargo de Victoria Noorthoorn, Directora del Museo Moderno.
17 h | Conferencia: Jonathas de Andrade (Brasil)
Presenta Patricio Orellana, Jefe del Departamento de Curaduría del Museo Moderno.
En esta conferencia, Jonathas de Andrade recorrerá hitos de su trayectoria. Hará foco, especialmente, en obras incluidas en nuestra exposición Naturaleza arquitecta: desde trabajos emblemáticos, como O peixe, hasta su más reciente proyecto, Jangadeiros e Canoeiros, realizado con pescadores del nordeste de Brasil, en el que explora el color y la abstracción, y establece resonancias entre el movimiento neoconcreto brasileño y las tradiciones populares de los pescadores nordestinos.
18 h | Conversación: Marta Minujín (Argentina) y Victoria Noorthoorn, Directora del Museo Moderno
Marta Minujín repasará su vínculo histórico con el Museo Moderno a través de una evocación de los orígenes, algunos episodios fundacionales y su relación con los primeros directores, como Rafael Squirru y Hugo Parpagnoli. Abordará también la gira de La Menesunda según Marta Minujín y su participación en Darkness Visible: The Long Shadow of Dictatorship [Oscuridad visible: La larga sombra de la dictadura], exposición del Moderno en Venecia, a partir de sus monumentos a la democracia y sus prácticas de memoria política. Finalmente, se referirá a aquellas obras pioneras que articulan arte y naturaleza, en diálogo con el programa Habitando el futuro.
17 h | Mesa redonda: Diseño argentino contemporáneo en la Colección del Moderno
Participan Grupo Bondi, Deon Rubi y Leonardo Puppo. Modera Franco Chimento, Curador de Diseño del Museo Moderno.
Tres diseñadores jóvenes abordarán la producción del diseño argentino contemporáneo como un campo de tensiones entre diseño, industria, arte, oficio y artesanía. La conversación propone una lectura sobre los desafíos del trabajo actual, las condiciones de producción, los modelos de circulación y las economías híbridas, a través de la exploración de las nuevas formas de pensar el objeto en la escena contemporánea.
18 h | Conferencia: Paulo Tavares (Brasil)
Presenta Alfredo Aracil, Jefe del Departamento de Educación del Museo Moderno.
El arquitecto y escritor brasileño Paulo Tavares, quien ha sido una importante inspiración para el desarrollo de la exposición Naturaleza arquitecta, recorrerá su trayectoria: en particular, sus investigaciones sobre la Amazonía, sus reflexiones en torno al bosque como territorio cultural y a la naturaleza amazónica como arquitectura, y sus trabajos en pos de la descolonización de la tradición modernista brasileña.
16 h | Recorrido junto a los artistas participantes de la exposición Naturaleza arquitecta
Participan Ariel Cusnir (Argentina) y Felix Shumba (Zimbabue).
Los artistas compartirán los procesos detrás de sus obras, y se referirán a la relación entre imagen, espacio arquitectónico y experiencia pública en Buenos Aires y en el sur de África.
17 h | Recorrido junto a los artistas integrantes de la exposición Océano interior
Participan Max Hooper Schneider (Estados Unidos) y Erica Bohm (Argentina).
En un recorrido minucioso por sus obras, los artistas compartirán sus investigaciones en torno a los océanos, el arte y la ciencia.
18 h | Recorrido junto a los artistas integrantes de la exposición Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario
Participan Cristina Schiavi, Joaquín Aras y Valentina Quintero.
El recorrido propone una aproximación a Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario, la exposición de la Colección del Museo, a partir de la voz de artistas cuyas obras dialogan con grandes figuras de la historia del arte desde una perspectiva contemporánea.
Jonathas de Andrade (Maceió, 1982) vive y trabaja en el noreste de Brasil, en Recife, una ciudad costera rica en contrastes, donde antiguos edificios coloniales se acurrucan entre rascacielos modernos y donde el fracaso de la utopía modernista tropical es una realidad tangible. La antropología, la pedagogía, la política y la moral son las líneas de investigación que sigue para relatar las paradojas de la cultura modernista. De Andrade utiliza la fotografía, la instalación y el video para atravesar la memoria colectiva y la historia, a la vez que hace uso de estrategias que mezclan la ficción y la realidad. Recopila y cataloga imágenes, textos, historias de vida y materiales relacionados con la arquitectura con los que recompone una narrativa personal del pasado. Vive y trabaja en Brasil.
Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) es una artista visual argentina pionera, conocida por su trabajo vanguardista, lúdico y participativo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano y la Escuela Nacional Prilidiano Pueyrredón, en Buenos Aires. En 1961, recibió una beca para estudiar en París, donde creó su primera performance, La destrucción (1963). A su regreso a Buenos Aires, ganó el Premio Nacional del Instituto Torcuato Di Tella por Revuélquese y viva (1964), su primera instalación interactiva. En 1965, co-creó La Menesunda —una innovadora experiencia multisensorial— con Rubén Santantonín. Una beca Guggenheim la llevó a Nueva York en 1966, donde colaboró en importantes proyectos mediáticos como Simultaneity in Simultaneity (con Allan Kaprow y Wolf Vostell) y Minuphone (1967). A lo largo de la década de 1970, vivió entre Estados Unidos y Argentina, y presentó icónicos acontecimientos y performances como Interpenning (1972), Kidnappening (1973), La academia del fracaso (1975) y Comunicando con tierra (1976). Su obra, marcada por el color, el humor, la crítica social y el uso de materiales efímeros como colchones o inflables, se ha exhibido en todo el mundo, y ha consolidado su lugar como una figura clave del arte latinoamericano contemporáneo. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Grupo Bondi es un estudio/taller de diseño con base en Buenos Aires, dirigido desde el 2008 por Iván López Prystajko y Eugenio Gómez Llambí, ambos diseñadores industriales de FADU-UBA. El grupo se especializa en diseño industrial —sobre todo, en mobiliario urbano— como forma de intervención artística en el espacio público. Diseñan y producen a partir del rescate del universo poético de los objetos cotidianos. Bondi es una palabra del lunfardo que se usa para denominar a los transportes públicos urbanos en la Argentina. Bondi es la confirmación de que es posible pensar el mundo desde el margen y que, a la vez, sea leído desde el centro como contemporáneo. Viven y trabajan en Buenos Aires.
Lucila Garcia de Onrubia (Buenos Aires, 1986) trabaja bajo el alias Deon Rubi desde 2014. Estudió Comunicación en Artes Audiovisuales en la Universidad del Cine y Artes Visuales, en la Universidad Internacional de Florida. Su obra abarca distintos medios, como la joyería, el diseño y la escultura, lo que resulta en obras híbridas de disciplinas diversas. Realizó exposiciones en galerías, museos y ferias tanto en la Argentina tanto como en el exterior; entre ellas se destacan Central Fine Gallery, Design Miami, Museo Malba, NADA Miami, ArteBA y Sight Unseen. Deon Rubi es también la co-directora y fundadora del proyecto Mueble Escultura. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Leonardo Puppo (Chaco, 1984) es diseñador y productor de mobiliario. En 2012 fundó en Córdoba la marca Mestizo, especializada en el diseño y producción de piezas que combinan madera y metal, con una fuerte impronta artesanal. En 2016 recibió el Primer Premio Basilio Uribe al Diseño Industrial, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, por su perchero desmontable Saburáu, construido en madera maciza. Su trabajo ha sido presentado en distintos contextos vinculados al diseño contemporáneo argentino; en 2018 participó en la muestra Santa Fe Polo de Diseño como parte de la 13 edición de la Barcelona Design Week, en calidad de representante del diseño argentino en un evento internacional. En 2021 fue beneficiario de la Convocatoria de Fomento a la Producción Nacional del Fondo Nacional de las Artes, lo que le permitió iniciar una nueva línea de exploración en diseño en colaboración con artesanos; a partir de esta experiencia desarrolló la colección Kaylla (2022), que integra materiales contemporáneos con técnicas de cestería tradicional. Por esta colección obtuvo el Premio Oro en el Salón del Mueble Argentino (SMA) en 2023. En 2024 participó en la exposición colectiva Asentados. Sillas en Tierra Argentina, curada por Franco Chimento y Andrea Chaine en el Museo Municipal de Arte Decorativo Firma y Odilo Estévez de Rosario. Vive y trabaja en Córdoba.
Paulo Tavares (Campinas, 1980) es arquitecto, escritor y docente. Su ámbito de estudio comprende la arquitectura, las culturas visuales y la defensa de derechos. Se dedica a proyectos que abarcan múltiples medios y que se han presentado en varias exposiciones, bienales y publicaciones. Es autor de libros que cuestionan los legados coloniales de la modernidad, entre ellos: Des-habitat (2019), Memória da Terra (2020) y Derechos no-humanos (2022). Su proyecto curatorial Terra, en colaboración con Gabriela de Matos, recibió el León de Oro a la mejor participación nacional en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2023. Ese mismo año, Tavares fue seleccionado por ArchDaily como una de las Mejores Prácticas de Arquitectura. Fue co-comisario de la Bienal de Arquitectura de Chicago de 2019 y formó parte del consejo asesor curatorial de la Bienal de Sharjah de 2023. Actualmente da clases en Columbia GSAPP y en la Universidad de Brasilia, y dirige Autónoma, una agencia que utiliza las herramientas del diseño como instrumentos para la justicia y la reparación socioespacial y medioambiental. Vive y trabaja en Ecuador y Brasil.
Max Hooper Schneider (Los Ángeles, 1982) obtuvo su título de Maestría en Arquitectura del Paisaje en la Harvard Graduate School of Design y sus licenciaturas en Diseño urbano y Biología en la Universidad de Nueva York; cuenta con estudios adicionales en Biología Marina y Entomología en la Universidad de Hawaii en Mānoa y el Santa Monica College. Ha realizado exposiciones individuales en destacados museos e instituciones a nivel internacional, como el UCCA Center for Contemporary Art, el MO.CO Montpellier Musée Contemporain y el Hammer Museum. Sus exposiciones colectivas en museos incluyen el Aldrich Contemporary Art Museum, el Akron Art Museum, el Centre Pompidou-Metz, el Schinkel Pavillon, el Leeum Museum of Art, el Kistefos Museum y el Musée d’Art Moderne de París. Ha sido incluido en diversas bienales internacionales, entre ellas: la 12 SITE Santa Fe, la 15 Bienal de Gwangju, la 16 Bienal de Estambul, la 13 Trienal del Báltico y la Bienal de Land Art de Mongolia. Vive y trabaja en los Estados Unidos.
Erica Bohm (Buenos Aires, 1976) es artista visual. Sus intereses proponen otros modos de interactuar con la luz y el tiempo, en una búsqueda relacionada con la observación de la energía emitida por distintos fenómenos astronómicos. En 2015 viajó al continente Antártico y, en 2018, al Polo Norte, al archipiélago de Svalbard. En ambos casos se dedicó a investigar diferentes fenómenos geológicos, meteorológicos y geomagnéticos. Lleva más de quince años realizando cristales en su taller. Es egresada de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Recibió la Beca de Creación Fondo Nacional de las Artes (2008, 2015 y 2021) y la Beca Trama (2004-2005). En 2009 fue becaria del Programa de Artistas y, en 2012, del Laboratorio de Cine, Universidad Torcuato Di Tella. Fue seleccionada para participar de las Residencias Artísticas en Parques Nacionales, Parque Nacional El Leoncito, San Juan (2023), de la Residencia de Arte en Antártida (2015), de la Residencia San Martín-Móvil, San Martín de los Andes (2014) y del Mapping Exchange: Artists Residency Programs, Jack S. Blanton Museum of Art, U.S.A. (2009). Recibió, entre otras, las siguientes distinciones: Premio adquisición 8M, Ministerio de Cultura de la Nación (2023); Segundo Premio Adquisición XXII Premio Klemm (2018); Mención Premio FNA (2018). Ha participado como invitada del colectivo La Intermundial Holobiente en documenta fifteen, Kassel, Alemania (2022). Su obra se ha exhibido en A 18 minutos del Sol, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires; Simbiología. Prácticas artísticas en un planeta en emergencia, CCK (2021); Mundos alternos, Art and Science Fiction in the Americas, Queens Museum, N.Y. (2019); Ecologías, Museo Sívori (2018), La mirada en el límite, Fundación Federico Jorge Klemm (2017), entre otras. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Ariel Cusnir (Buenos Aires, 1981) es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Lola Mora con el título de Maestro Nacional de Dibujo, y luego realizó el Profesorado de Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Asistió a talleres y clínicas de obra con Pablo Siquier, Ernesto Ballesteros, Leopoldo Estol, Viviana Blanco, Fernanda Laguna y Roberto Jacobi, entre otros. Realizó talleres de acuarela oriental y sumi en la Escuela Yamada Ryu de Tomás Yamada. En el año 2000 creó la galería de arte Vanguardia en un barrio periférico de la Ciudad de Buenos Aires, y más tarde formó parte del proyecto y galería Appetite, en Buenos Aires. Fue becario del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA), y actualmente es profesor de Arte en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Sus obras integran colecciones públicas y privadas en Argentina, Estados Unidos, Suiza, Francia, Brasil, Ecuador, España, Perú, México y Reino Unido. Entre sus exposiciones se cuentan Rara felicidad la de los tiempos, Cabildo de Buenos Aires (2021-2022); Los Rojos, Pasto Galería (2019); Trago largo, junto a Máximo Pedraza, Centro Cultural San Martín (2015); Vidas ajenas, Galería Fernando Pradilla, Madrid (2008); Río abajo, Centro Cultural Recoleta (2007), entre otras. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Felix Shumba (Bulawayo, 1989) es un artista multidisciplinario cuya práctica abarca dibujo, pintura, video, texto e instalación. Deconstruye espacios reales e imaginados, a los que se refiere como Fold Fields Space (FFS), áreas habitadas por la muerte, el trauma, el daño ecológico y el uso de la fuerza militar como herramienta de control. Su obra se relaciona con el enmascaramiento y la ocultación, y usa imágenes distópicas para abordar los rituales del poder que han perpetuado la extracción capitalista racial. A través de sus obras, examina la historia de la Rodesia colonial y ayuda a los espectadores a comprender los desafíos contemporáneos en Zimbabue. Sus exposiciones recientes incluyen: Panorama Pozzuoli, Italics Art, Pozzuoli, Nápoles, Italia (2025); Felix Shumba and Martin Seeds: Nervous Lines, Koop Projects, Brighton, Reino Unido (2024); Untitled, Edition Verso, Feria de Arte FNB, Johannesburgo, Sudáfrica (2023); Thinking Historically In The Present, Sharjah Biennial 15, Sharjah, EAU (2023); Felix Shumba vs. Kiluanji Kia Henda: Memories From The Poisoned River, Museum of Natural History y Jahmek Contemporary Art, Luanda, Angola (2023); On the Edge, Kalashnikovv Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica (2022). Vive y trabaja en Masvingo, Zimbabue.
Joaquín Aras (Buenos Aires, 1985) es artista visual y realizador audiovisual. Sus obras se concentran en la distancia afectiva entre el público y los medios, y en la manera en que la narración puede preservar la memoria y desafiar la historicidad. Es licenciado en Comunicación (UCA) y realizó una maestría en Philosophy, Art and Critical Thought en EGS (Suiza). Participó del Programa de Artistas 2012 y del Laboratorio de Cine 2013 de la Universidad Torcuato Di Tella. Asistió a los talleres de Martín Bonadeo y Diana Aisenberg. Realizó muestras individuales en Isla Flotante (2012, 2013), Museo La Ene (2014), Móvil (2016), Cine York (2018) y Piedras (2019, 2021). Participó de muestras colectivas en Museo Moderno (Argentina), MAC-Niterói (Brasil), MNAV (Uruguay), Lund Konsthall (Suecia), Taipei CAC (Taiwán), Grand Union (UK). Sus obras fueron seleccionadas para el Premio Braque, Bienal de Arte Joven de Bs. As., Bienalsur, Salón Nacional. Recibió una Mención en el XXI Premio Klemm. Obtuvo becas del FNA, Fundación Telefónica, colección Oxenford, el premio Plataforma Futuro y el premio CIFO-Ars Electronica 2023. Fue seleccionado para el CCA Kitakyushu Fellowship Program 2018/2019 (Japón). Ganó la residencia Gasworks + URRA 2019/2020 con el apoyo de Érica Roberts y en alianza con arteBA. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Valentina Quintero (Mendoza, 1997), también conocida como Valentine, es artista visual, cantante y performer. Realizó la Tecnicatura Superior en Diseño Multimedial en el IES Manuel Belgrano y la Licenciatura y el Profesorado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de Cuyo. Ha transitado instancias de formación en artes visuales y teatro junto a Marisa Rossini, Silvio Lang, María Godoy, Mario Scorzelli, Constanza Giuliani, Pilar Altilio y Diana Aisenberg. Comenzó a desarrollar su obra en 2015, junto al colectivo artístico Ricarda Espinosa, y luego continuó su propio camino con performances, instalaciones y happenings. Realizó numerosas muestras individuales: Chicos confundidos y yo, ECA, Mendoza (2023), Templo II, Valerie’s Factory, Buenos Aires (2023), Miro la vida pasar, Casa Colmena, Mendoza (2019), Vesti la Giubba, Proyecto Galería, Buenos Aires (2019), Scary Mostra, Imagen Galería, Mendoza, (2018); Templo, Imagen Galería, Mendoza (2017), Red Carpet, Museo Municipal de Arte Moderno, Mendoza (2016) y Un día en la vida, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2025). También formó parte de distintas exposiciones colectivas: Casi Ángeles, Galería Barro, Buenos Aires (2023), Twinks vs Dolls, Galería Hipopoety, Buenos Aires (2023) y Arte, género y política, Biblioteca San Martín, Mendoza (2018), entre otras. Vive y trabaja en Buenos Aires.