Escuchar [Sonidos visuales] [Listening: Visual Sounds] 2022

A festival of experimentation, research, promotion and advocacy of sound, music and audio-visual productions, with an innovative perspective that focuses on the use of electronic and digital technologies.

Curators: Jorge Haro and Leandro Frías

Escuchar [Sonidos visuales] [Listening: Visual Sounds] presents its 2022 programme, which takes a hybrid format between live and digital platforms. On the one hand, at the end of August, we will return to the in-person festival held at the museum’s auditorium, with concerts and audio-visual performances, lectures by artists, and children’s activities. On the other hand, the main body of the program will be offered through digital content provided by the Museo Moderno that will take the form of playlists inspired by some of the exhibitions to be held at the museum this year, as well as new editions of the Flexible podcast and a new release of audio-visual productions by the In-Situ project, which will include the production of ad hoc pieces based on sounds and images captured in the museum building and the San Telmo neighbourhood.

Enjoy the programme, now available on Spotify:


Launched in 2021, IN-SITU is part of the online content that is being offered by our “Escuchar [Sonidos visuales]” [Listening: Visual Sounds] festival.  For the project, two sound artists and an audio-visual producer work together to compose works based on sounds and images recorded in the Museo Moderno building and its urban environment. The artists can work not only in the galleries, passageways and leisure spaces of the museum, but also in other areas that are not publicly accessible but are frequented by museum workers on a daily basis. The result is an audio-visual portrait of the vibrations, architecture, forms, lights and shadows of the building, the people inside of it and the surrounding neighbourhood.

IN-SITU made its first presentation live during the last edition of the “Escuchar [Sonidos visuales]” festival. It was a jam featuring Pablo Reche, María Emilia Pérez and Arturo Marinho, with lighting by Luis Bolster.

We are pleased to present IN-SITU #6, our final edition for the year. For this programme, visual artist Federico Lamas composed a piece based on a field visit to the museum. The piece includes fragments of sound works composed by QOA and Lu Rizzo.

IN-SITU #6. Mano Ve. [The Hand Sees] By Federico Lamas

The artist says: “I approached the proposal of the curators as if it were a longer residency, even though it was only a single short day of recording. I went to the museum with some technical and conceptual tools at the ready, and used processes that allowed me to get closer to the surfaces. I listened to the sound pieces of Lu Rizzo and QOA, and approached the materiality of the museum and its works: all this amplified my senses. And, at the same time, these pieces introduced me to a cinematographic narrative that is somewhat hybrid in nature. It was with all this in mind that I arrived that day, and processes appeared that resulted in scenes which then called for other scenes. It is incredible that even though I had gone to make recordings at the museum while it was closed, without visitors, images appeared which were testaments to the life of the building, its use and its movements, as if it were a living thing that breaks up and moves to support the works, with cracks that open up in the walls to show the works, and vice versa. I was able to create this short film in which, when I watch it, separate from my production, I notice that the senses are altered. Just as the hand is able to see, the eye is able to touch the work of [Eduardo] Basualdo, and the running time also opens up the possibility of touching the work without even approaching it.”

Federico Lamas (Buenos Aires, 1979)
Independent visual artist. He is a graduated of Sound and Image Design from the Universidad de Buenos Aires. Lamas has held residencies in Hanover, São Paulo, Mexico City, Santa Cruz de la Sierra and Quebec. Between 2019 and 2022, he exhibited his work in Buenos Aires, Mexico, Brazil, Canada, Portugal, Germany and Norway. He has shown his experimental videos and installations at five editions of the Videobrasil festival (São Paulo), where prizes were awarded to him twice. He has presented VJ sets at museums, galleries and festivals, including at Mutek Argentina, Museo Moderno and B23 Berlin. “Visión infernal” [“Infernal Vision”], his ever-expanding project, was exhibited at Barrio Joven-arte BA (2010), where it was awarded the EN OBRA Prize. The project has led to the publication of books, exhibitions, silkscreen prints and murals around the world, including at locations such as Lustr (Prague), the Gran Salón (Mexico), the Museo Nacional del Grabado (Buenos Aires), the Drawing Room (Lisbon), Oi Flamingo (Rio de Janeiro), and the Flekkefjord Museum (Norway). He also works as a video designer for theatre, opera and ballet productions at the Teatro Nacional Cervantes, the Teatro General San Martín and the Teatro Colón, where he directed and designed the video for the monodrama The Raven (2017) at that theatre’s Centro de Experimentación (CETC).

We are pleased to present IN-SITU #5, our second instalment of the year, now available on the Museo Moderno’s Spotify profile. The programme includes a sound work by the artist Lu Rizzo, entitled La otra escucha [The Other Way of Listening] and finishes with the premiere of an audio-visual piece created by Federico Lama, based on the sound recordings and images he captured in the museum building. The piece will debut on the Museo Moderno’s YouTube channel.

IN-SITU #5. La otra escucha [The Other Way of Listening]. By Lu Rizzo

On the day Lu Rizzo visited the Museo Moderno to carry out her investigation of the space and make the sound recordings that would provide the raw material for her work, La otra escucha, which we present today, the building was closed to the public. The artist, who was familiar with the museum when its doors were open, felt that the sound environment during that time without visitors produced in her a certain sense of strangeness. In this unusual circumstance, the sounds of the motorway adjacent to the building, the hum of Avenida San Juan, the movements of the staff and the sounds produced by the building itself became apparent. These sounds, which are usually masked by activity during visiting hours, now took centre stage. In the resulting work, based on those internal and almost secretive sounds of the building, Rizzo asks, “What does the museum become when it is closed?”

Lu Rizzo (Buenos Aires, 1990)
Sound artist. Lu Rizzo lives and works in Buenos Aires. She studied Electroacoustic Composition at the Universidad Nacional de Quilmes. A drummer since the age of 16, she found her niche in the language of experimentation and improvisation. She has played for several different group projects while, at the same time, developing her own solo set using hybrid drums, samples and field recordings, producing works that range from songs to ambient sounds and improvisations. Recently, she has focused on producing audio-documentaries, pieces for the radio and video-poetry.

We now present IN-SITU #4, featuring an audio work by artist QOA titled Modulando el silencio [Modulating Silence]. It is the first 2022 edition of IN-SITU that is available at the museum’s Spotify profile.  The programme will continue with the launch of a second piece, composed by Luciana Rizzo, and will end with two audio-visual pieces created by Federico Lamas based on the aforementioned sound recordings and image captures. It will be released on the Moderno’s YouTube channel.

IN-SITU #4. Modulando el silencio [Modulating Silence] By QOA

“Walking through the halls of the Museo Moderno, through Delcy Morelos’ earth and cinnamon passageways. I go up to the works to ask them, “What do you hear? What do the murmurs and footsteps reflected on the textual drawings of Ana Gallardo sound like? How does the sound resonate in the space around the wax sculptures of Mónica Girón? How does the giant painting by Florencia Rodríguez Giles sound? How does the air vibrate as it passes through the pipes of Martín Legón’s Carillón? And what about Julia Padilla’s Espiras [Coils]? The dimensions and materialities of the works affect how sound particles travel through the halls. How do these sounds expand in the streets of the neighbourhood? How do urban vibrations seep into the museum? Modulando el silencio seeks to listen to the minute frequencies that run through the rooms of the museum”. QOA

QOA. Nina Corti (Buenos Aires, 1996)
She is an audio-visual artist and arts researcher at the Universidad Nacional de las Artes (UNA). She studied Expanded Music at the Universidad Nacional de San Martín (UNSAM) and Electronic Arts at the Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Her music has been published by different international music labels (fluere tapes, Aural Canyon, STUDIO94) and presented live at important events and festivals, such as MUTEK (Argentina, United States and Japan), the Centro Cultural Kirchner (CCK), Tecnópolis, the Buenos Aires Planetarium and at the Oi Futuro museum (Brazil). In 2022, she carried out a sound research project in the yunga bioregion of Jujuy, with the support of the Instituto Nacional de la Música (INAMU). She is currently showing her work Hidrontes at the Fundación Andreani, together with new media artist Joaquina Salgado. She was one of eight Latin American artists selected by Nicolas Jaar’s project “Ladridos” for a residency in Chile in 2023.


Playlist #1. Superficies de placer [Pleasure surfaces]

Inspired by the ideas and works that are included in the Cuerpos contacto [Contact Bodies] exhibition, the curators of the Escuchar [Sonidos visuales] [Listening: Visual Sounds] festival, Jorge Haro and Leandro Frías, present a selection of underground and overground pop-rock and electronic music from the 1980s. It is a playlist that helps visualize the bodies in movement that were driven by the sounds of that mythical era of liberation and artistic openness.

Playlist #2: El mundo suena

En el mes de agosto, Escuchar [Sonidos visuales] regresa al formato presencial, y también suma contenidos al programa digital del museo, que acompañan esa propuesta nuclear. “El mundo suena” es la Playlist #2, que dialoga con la exposición Vida abstracta, dedicada a la colección de arte abstracto del Museo Moderno. Es una selección de música y arte sonoro que pretende ampliar la experiencia de un movimiento que fue más allá de los formatos tradicionales en las artes visuales.


PODCAST #4: Flexible
Gustavo Álvarez Núñez interviews Richard Coleman

In August, the festival of the “Escuchar [Sonidos visuales]” [“Listening: Visual Sounds”] cycle returned to the Moderno auditorium and had a resounding response from the public. This centre of our live programming includes several digital pieces in dialogue with the exhibitions currently on show at the museum.

Since 2021, our festival programme has grown to include a podcast, Flexible, which is a space for conversation and the exchange of ideas. In this fourth episode, the journalist and poet Gustavo Álvarez Núñez interviews musician Richard Coleman. Inspired by the ideas contained in the exhibition Cuerpos contacto [Contact Bodies], currently on display at the Museo Moderno, Álvarez Núñez and Coleman discuss the cultural and artistic transformation that took place in Argentina in the 1980s.

Gustavo Álvarez Núñez
He is a journalist, musician, poet and DJ. He has published five volumes of poetry. In 2015, he published his first book of fiction, Vidas epifánicas [Epiphanic Lives]. In 2012, he released a book of conversations with Daniel Melero: Ahora, antes y después. Por una biografía posible  As the frontman of Spleen, he was part of the Argentinean rock underground of the second half of the nineties. In 2016, he released his first album, Tierra baldía [Wasteland], using the stage name GAN. In 2020, he published a book of essays on rock music, Éramos tan modernos.

Richard Coleman is a guitarist, singer, composer and producer. He began his career in the 1980s underground scene of Buenos Aires, with his band Fricción. He was also a member of Charly García’s band Las Ligas between 1985 and 1986, alongside Andrés Calamaro, Daniel Melingo, Fito Páez, Pedro Aznar, Fernando Samalea and Christian Basso. In the 1990s and up to 2009, he was the frontman for Los 7 Delfines and a guitarist for Gustavo Cerati on his Ahí vamos and Fuerza natural tours. In 2010, he went solo and continues to actively produce music, having launched five albums and several singles. F-A-C-I-L, his 2017 album, was nominated for the 2018 Carlos Gardel Award in the “Best Rock Album” category, while the track “Días futuros” was nominated for “Best Rock Song” at the 2018 Latin Grammy Awards. In 2021, he released “Humanidad”, a single he composed and recorded during lockdown. In 2022, he performed throughout Latin America and the United States together with Soda Stereo on the Gracias totales tour. He is currently working on new material while touring with his solo band, the Trans-Siberian Express.

PODCAST #5: Flexible
Norberto Cambiasso interviews Alberto Novello a.k.a. Jestern (Italy)

In August, the “Escuchar [Sonidos visuales]” [“Listening: Visual Sounds”] festival returned to the Moderno auditorium and received a resounding response from the public. This is the core of our live programming, which includes several digital pieces that create a dialogue with the exhibitions currently on show at the museum.

Since 2021, our festival programme has grown to include the Flexible podcast, a space for conversation and exchange of ideas. In this fifth episode, writer and music critic Norberto Cambiasso interviews Italian audio-visual composer Alberto Novello. Also known as Jestern, Novello investigates the technical and aesthetic connections between light and sound, bringing them to life through audio-visual performances and installations. This edition of the podcast is inspired by the Vida abstracta [Life in the Abstract] exhibition, on view at the Museo Moderno.

Alberto Novello (Italy) holds a degree in nuclear physics from the University of Trieste. He completed a Master’s in Art and Technology with Jean-Claude Risset and earned a PhD from the Eindhoven University of Technology, studying under Armin Kohlrausch. His works have been presented at Centre Pompidou in Paris, Museo Reina Sofia Madrid, Amsterdam Dance Event, Venice Biennale, New York Computer Music Festival, Bozar Bruxelles, BOA Biennale Porto, Rewire Festival Den Haag, Glasgow Contemporary Art Center, Dom Moskow, Seoul International Music Festival, Rome University of Fine Arts, among others.  

Norberto Cambiasso (Argentina) has served as editor and director of the magazine Esculpiendo milagros and is a trailblazer in the Spanish-speaking world in terms of disseminating experimental music and European rock. He teaches music, communications, aesthetics and cultural criticism at the Universidad de Buenos Aires and the Universidad Nacional de Quilmes. He is the author of Vendiendo Inglaterra por una libra. Una historia social del rock progresivo británico and co-author, together with Alfredo Grieco, of the book Días felices. Los usos del orden: de la escuela de Chicago al funcionalismo. He also co-edited, with Julián Ruesga, Más allá del rock. He has written numerous articles on a range of topics – from contemporary art and theatre, to social theory and international politics – for publications in Argentina, Peru, Spain, and the United States. He is primarily interested in examining the relationships between art, music and socio-political contexts.

Festival Escuchar [Sonidos visuales]

26, 27 y 28 de agosto

Festival de experimentación, investigación, promoción y reivindicación sonora, musical y audiovisual desde una perspectiva innovadora ligada a la utilización de tecnologías electrónicas y digitales.

“Escuchar [Sonidos visuales]” regresa al auditorio del Museo Moderno en su formato de festival. Con más de veinte años de trayectoria, este espacio de referencia en su género presenta una edición que concentra lo medular de sus líneas históricas de programación. Jams de improvisación, conciertos audiovisuales y audiolumínicos, sesiones de escucha, conferencias y una propuesta para la infancia.

Curaduría: Jorge Haro y Leandro Frías

Auditorio – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350, CABA

Viernes 26 de agosto

18 h. Conferencia.
Sebastián Verea: “La voz del amo. Un ensayo poético sobre la necesidad de confundir las disciplinas”.

20 h. Concierto.
Fantasías Animadas.

Durante los últimos años, las presentaciones en directo fueron el soporte para mostrar la producción ininterrumpida de Fantasías Animadas, en la que confluyen la composición, la improvisación, la interpretación de pequeños instrumentos y procesadores, y las grabaciones de campo. En este concierto, se interpretarán composiciones actuales y de los inicios de este proyecto, intercalando y haciendo coexistir algunas estructuras sonoras espontáneas de organización electrónica, bocetos que pueden vivir solo efímeramente en una presentación, registros de piano, ambientes y microsonidos para activar la escucha.

21 h. Jam IN-SITU.
Pablo Reche y María Emilia Pérez (audio) + Arturo Marinho (visuales).
IN-SITU es una de las líneas de trabajo de “Escuchar [Sonidos visuales]” que comenzó en 2021. Consiste en invitar a artistas sonoros y realizadores audiovisuales a componer obras a partir del registro de sonidos e imágenes del edificio del Museo Moderno, de sus espacios de exposición, circulación o recreación y de aquellos menos visibles para el público. Estos registros incluyen el barrio de San Telmo, donde se encuentra el museo. Los artistas componen un retrato, un perfil sonoro-visual figurativo o abstracto de las vibraciones, de los sonidos, de la arquitectura, de las formas, luces y sombras de un edificio, de su gente y del barrio que los contiene.
Pablo Reche, María Emilia Pérez y Arturo Marinho trabajaron en este proyecto el año pasado y las obras resultantes de la experiencia se publicaron en los canales digitales del museo. Este concierto de improvisación es una forma de continuar y ampliar la experiencia. A partir de esos sonidos e imágenes registrados y su combinación con otros insumos externos (grabaciones, instrumentos, etcétera), los artistas ofrecerán una jam audiovisual.

Sábado 27 de agosto

Argenlive en Escuchar [Sonidos visuales]

18 h. Territorio-Comunidad-Comunión.
Mesa redonda con los administradores de Argenlive, la comunidad de usuarios de Ableton Live de habla hispana más grande del mundo.

Live es un software integral de producción y performance producido por Ableton, empresa fundada por Gerhard Behles, Robert Henke y Bernd Roggendorf en Berlín, Alemania. Algunos lo llaman DAW (Digital Audio Workstation), pero es mucho más que eso: es un sistema modular, un instrumento que se ha establecido como una de las aplicaciones más populares para el diseño sonoro y la producción musical basada en computadoras.
Participan: Joe Design (músico, productor, diseñador gráfico, cofundador de Argenlive), Santo Domingo Devia (baterista, productor, live performer y cofundador de Argenlive), Iris Saladino (música, livecoder, gestora cultural, miembro de Argenlive), Pape Fioravanti (músico, productor, rec, mix & master tech y administrador de Argenlive).
Modera: Jorge Haro.

20 h. Concierto.
Esteban González (audio) y Fernando Molina (visuales).
A partir de la confluencia de proyectos personales, este dúo de experimentación y búsqueda sonoro-visual nace en 2017 en busca de una identidad que interpele la forma lineal del discurso de sonido e imagen en la performance de procesamiento en tiempo real, a través de la deconstrucción y la fragmentación, que generan un juego de improvisaciones. Se parte del sonido y se obtiene como respuesta espontánea la proyección de estímulos visuales reactivos.

21 h. Concierto.
Paula OS (audio). Visuales por Anormal.
El programa dedicado a la comunidad Argenlive cierra con el concierto de Paula OS, quien presenta un set de variabilidad estilística. En una propuesta que parte de la música con patrones rítmicos, logra conciliar el house con momentos experimentales en los que toman forma el ambient y el deep techno. El resultado es un ensamble que también se alimenta de aportes vocales emotivos e hipnóticos. La experiencia se completa con los visuales de Anormal.

Domingo 28 de agosto

16 h. Escuchar MINI.
Concierto didáctico para niños. Sami Abadi.
En esta edición del Festival, regresa Escuchar MINI, un espacio pensado para que los niños y las niñas puedan tomar contacto con el sonido de una manera más amplia y creativa, más allá de las canciones. En esta oportunidad, Sami Abadi ofrece un concierto de violín, loops, procesos electrónicos en tiempo real y Tenori-On –secuenciador lumínico de modos múltiples–. El artista dividirá su presentación en dos momentos: primero detallará los componentes de su set, con explicaciones y demostraciones de sus técnicas, para luego poner cada uno de ellos en juego en su concierto. En palabras de Abadi: “Es como si un mago revelara todos sus trucos antes del show… Sin embargo, aquí no se perderá la magia”.

19 h. DJ set. 
Propuesta de escucha en el Auditorio. Daniel Nijensohn.
Para continuar con el arte de la magia, en esta última fecha del festival, el legendario DJ, que supo ser residente de la Fiesta ¡B.U.M.! del Moderno, participa con una de sus especialidades menos conocidas. Un poco más allá de la función social de la figura del DJ –animar una fiesta y poner los cuerpos en movimiento–, Daniel Nijensohn ofrece una selección de “música para escuchar”. El artista que inspiró a cuatro generaciones de músicos, DJ y melómanos propone sencillamente sentarse a escuchar sus descubrimientos musicales. Según el mismo lo expresa: “Durante mi set en Escuchar [Sonidos visuales], solo espero captar sus imaginaciones”.

20 h. Jam electrónica.
Bruno De Vincenti, Bárbara Togander, Sebastián Verea y Sami Abadi.
Como cierre del festival, se ofrece a la audiencia una segunda jam session con importantes nombres de la escena musical de la ciudad. Cuatro artistas de diferentes corrientes musicales se encuentran en el auditorio del Museo Moderno para un momento de improvisación libre, en el que la experiencia de cada uno se pondrá en juego para interactuar con los demás. Luis Bolster realizará una puesta lumínica especial.


Sami Abadi (1965, Buenos Aires).
Violinista, multiinstrumentista, performer electrónico, compositor y pedagogo musical. Con su violín, arriba a una sonoridad personal al integrar improvisación pautada y conceptos compositivos diversos a través de la técnica del real time looping y el manejo de múltiples dispositivos. Además de violín, toca instrumentos de teclado, cuerdas punteadas y frotadas, vientos y percusión. Se ha especializado en el manejo de sequencers, interfaces táctiles e instrumentos electrónicos nuevos. Su álbum Escuela de vuelo para anfibios fue realizado con instrumentos de juguete procesados electrónicamente, y Noche Niño Remolino, fue producido íntegramente en el Tenori-On. El trabajo de Sami Abadi ha sido ampliamente presentado en vivo y editado en América Latina, Estados Unidos, Europa y Japón. Su interés por acercar la música a múltiples públicos lo ha llevado a desarrollar técnicas pedagógicas operativas hacia la creación musical integral. Se desempeña como docente de violín, composición, improvisación, armonía y lenguaje musical en ámbitos de enseñanza institucional y en su propio estudio.

Diego Vainer (1967, Buenos Aires) Fantasías Animadas.
Compositor, productor musical y diseñador sonoro. Desde 1993, se ha dedicado al trabajo musical basado en medios electrónicos, a partir del que creó Fantasías Animadas, proyecto personal de música electrónica que identifica sus composiciones y presentaciones en nuestro país y en el exterior, y con el que editó cinco álbumes. Paralelamente colaboró con Daniel Melero en los discos Piano y Dejaré que el tiempo me alcance, y con Gustavo Santaolalla para los proyectos Bajofondo Tango Club y Terraplén. A partir de 1998, comenzó a trabajar intensamente en la composición musical y el diseño sonoro en el ámbito del teatro, la danza, el cine y las instalaciones con diferentes artistas; entre ellos, Mariano Pensotti, El Descueve, Julio Chávez, Martín Rejtman, Agustín Alezzo, Federico León, Andrés Di Tella, Vivi Tellas y Alfredo Arias.

Esteban González (1974, Buenos Aires).
Artista polifacético, investigador, performer y luthier. Trabaja con tecnología aplicada al arte y la música en diversos proyectos en los que confluyen la luthería, la experimentación y el arte sonoro como parte de un discurso único. Sus obras estudian los espacios y los fenómenos acústicos a partir de la exploración de la tecnología y su obsolescencia en objetos que manipula en tiempo real, una metáfora del sonido expresada en su activa acción performática.

Arturo Marinho (1963, Buenos Aires).
Director de Fotografía / DF, psicólogo diplomado en la Universidad Nacional de Rosario y realizador audiovisual. A lo largo de su trayectoria, sus proyectos audiovisuales fueron apoyados por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), la Televisión Digital Abierta (TDA), la Fundación Antorchas, el Fondo Nacional de las Artes, The Rockefeller Foundation (EE. UU.) y The John D. and Catherine T. Mac Arthur Foundation (EE. UU.), entre otros. Algunas de sus obras forman parte de las colecciones permanentes de la Fundación Amalia Lacroze de Fortabat (Buenos Aires), la Universidad de Campinas (Brasil), el Museo Castagnino-MACRO (Rosario) y Freewaves (EE. UU.). Ha recibido múltiples premios en la Argentina y en el extranjero.

Fernando Molina (1966, Buenos Aires).
Arquitecto y artista audiovisual. Como artista, investiga y desarrolla proyectos audiovisuales de carácter performático y audio-reactivo. A través del uso de máquinas, medios digitales e informática, emprende una exploración de la visualización, el diseño y la morfología que atraviesa aristas plurales y hasta diametralmente opuestas.

Daniel Nijensohn (1951, Buenos Aires).
DJ profesional. Desde pequeño, comenzó a escuchar la música que tenía su padre en un “superequipo estéreo hecho a medida”. De más grande, se hizo cargo de pasar música en las fiestas de sus amigos y, literalmente, nunca dejó de hacerlo. Buscar todos los días nuevas músicas es su trabajo y la motivación de su enorme carrera profesional. Es una influencia insoslayable para el mundo del rock y, fundamentalmente, para el universo de la música electrónica en la Argentina. Desde las bandejas o el mostrador de la disquería El Agujerito, ejerció durante todos estos años una sutil influencia y contagió su devoción por los nuevos sonidos.

Paula OS (1990, Los Ángeles, Chile).
Vocalista y productora. Realizó sus primeras colaboraciones como vocalista con productores como Jos & Eli, Madloch, Kamilo Sanclemente e Interaxxis, entre otros, en diferentes sellos: FSOE UV, Sudbeat, Einmusika Recordings, Dopamine Music, Or two strangers y Magician On Duty. En 2017, elaboró su proyecto en solitario como artista, Live, y comenzó a presentarlo en diferentes clubes y ciclos de Buenos Aires y otras ciudades argentinas en 2018. En 2019, lanzó su primer EP como productora y cantante bajo el sello discográfico Sound Avenue, con remixes de Powel y Adam Nathan. Ha trabajado con artistas como Mike Griego, Hernán Cattaneo, Landhouse, Mariano Mellino, Ezequiel Arias y Emi Folgar. Vive y trabaja en Buenos Aires.

María Emilia Pérez (1992, Venezuela).
Artista sonora y visual, grabadora de campo y productora sonora. Cursó la Diplomatura en Artes Sonoras (UNSAM) y se formó como artista visual y diseñadora gráfica en Venezuela. En su trabajo como artista, articula el paisaje sonoro, las grabaciones de campo, el archivo audiovisual, la producción sonora y bioacústica, desde una perspectiva enfocada en la naturaleza y la conciencia ecológica. Trabaja en diferentes proyectos en simultáneo, entre los que se destaca Vermillion, en el que utiliza medios electroacústicos y objetos sonoros creados por ella misma. Sus búsquedas creativas y conceptuales se orientan hacia sonoridades de diversas culturas asiáticas y latinoamericanas, con sus cosmovisiones y tradiciones. También forma parte de proyectos colectivos; entre ellos, Interspecies (Argentina, 2020), Gwykqll (Ecuador, 2017) y Epidemia (México, 2010). Ha presentado su trabajo en países de Sudamérica, como Ecuador, Perú, Chile y la Argentina. Actualmente vive y trabaja en Mar del Plata, Argentina.

Pablo Reche (1970, Buenos Aires).
Músico experimental. En sus puestas sonoras, alterna piezas basadas en grabaciones de campo junto a la manipulación de distintas fuentes sonoras, utilizando el ruido como principal elemento estético-expresivo. Ha editado varios CD en distintos sellos musicales de la Argentina, Latinoamérica y Europa. Tiene piezas editadas en más de treinta compilados de la Argentina y Europa. Realizó conciertos en la Argentina, España, Portugal, Chile, Perú, Uruguay, Canadá y Holanda. Participó en prestigiosos festivales internacionales, como Sónar (Barcelona), Mutek (Montreal) y Festival Vibra (Lima). Ha formado parte con instalaciones sonoras en distintos centros culturales, como el Centro Cultural España en Buenos Aires y el Centro Cultural San Martín (Buenos Aires), y en la instalación del proyecto Subsonic (Metro de Valencia, España). Compuso música para obras de danza, y piezas y conciertos en colaboración con prestigiosos músicos como Zbigniew Karkowski, Günter Müller, Jason Kahn, Christof Kurzmann y Alan Courtis.

Bárbara Togander (1964, Uddevalla, Suecia).
Compositora, improvisadora y artista vocal. Sueca de nacimiento y residente en la Argentina desde su adolescencia, inició su formación y carrera musical con el bajo eléctrico en el jazz. A comienzos de los años noventa, incursionó en el free jazz, la música experimental y la improvisación libre, momento en el que profundizó en las posibilidades sonoras de la voz, la electrónica y la bandeja giradiscos. Sus ediciones discográficas hasta la fecha son ¿.? Perccontrvozcorn (2001), MBM Trio (2004), Lovemanual (2007), The MuniMuni Xperience (2009) y Discado Internacional (2015) a dúo con Enrique Norris, Come Ranas, FOTO (2014), NANCY (2019) y Cinco, ett, två (2021). Ha realizado múltiples colaboraciones con una gran cantidad de músicos tanto en la Argentina como en el extranjero. Desde 2001, es entrenadora de la voz, da clases de experimentación e improvisación vocal, y, desde 2017, coordina talleres de improvisación para voces y otros instrumentos. En la actualidad, está trabajando en un nuevo proyecto audiovisual y en su próximo disco solista.  

Sebastián Verea (1976, Buenos Aires).
Artista transdisciplinario. Su trabajo e investigación se enfoca en la intersección entre la composición musical y sonora, la ciencia y la tecnología. Ha presentado sus obras en exhibiciones, festivales y salas de Buenos Aires, Berlín, Edimburgo, México, Roma y Turín. Dirige el programa de Música Expandida en la Escuela de Arte y Patrimonio de la Universidad Nacional de San Martín.

Bruno De Vincenti (1964, Buenos Aires).
Productor y músico electrónico. Desde 1995, participó en diversos proyectos, como Acum23, Ivan Johnson, Cubecatz y la banda Miranda!, creó el sello Zensible Rec, y llevó adelante el grupo Argensynth, un espacio para el intercambio de información y conocimientos relacionados con la producción de música con instrumentos electrónicos. En la actualidad, se encuentra desarrollando diferentes producciones de música electrónica tanto experimental como ambient y dentro de los estilos house y minimal.