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“Y se abrirá todo el cielo” [“And the whole sky will open up”]
The sky as paradise, as the home of gods and the abode of angels. The sky as salvation, a place for eternal life. The sky: a scientific challenge, an instrument for divination, a tool to accurately navigate the oceans, a symbol of freedom. The sky has always been there, as an answer, as hope. And it has also been there, in one sense or another, as a great metaphorical reference.
This year, the programme of “El cine es otra cosa” [“The cinema is something else”] will accompany the themes of the exhibition A 18 minutos del sol [18 Minutes from the Sun]. It will take you on journey through different skies in order to access, in each, a dissonant view that will allow you to contemplate, through a different lens, some of the fundamental questions of contemporary life.
In addition, and in line with the central theme of the museum’s digital programme – dedicated to commemorating 40 years since the return to democracy of Argentina – our online programme, titled “Y se abrirá todo el cielo” [“And the whole sky will open up”], will be dedicated to the dichotomy between dictatorship and democracy.
Curators: Gabriela Golder and Andrés Denegri
Presenting Fragmentación de un paisaje patagónico (2023), by Ernesto Baca.
In editing a Super 8 film that he found in the street, Baca has made cuts in the film so that the landscape becomes increasingly divided, until even the usual becomes strange.
Materials used: A Super 8 film found in the street, labelled “Trip to Port Stanley, 1981”.
Descanso del Batallón 601 [Battalion 601 at Rest], filmed by Ernesto Baca. 9 July, 1999, Florencio Varela, province of Buenos Aires.
“Verbo irregular” [“Irregular Verb”], poem by Roberto Santoro (1939 – disappeared 1977).
“Étnica Cruce de los Andes” [“Ethnic Crossing the Andes”], a song by Gabriel Lococo.
Temas unidos [United Themes], a conceptual anti-war album about the war in the Malvinas by Gabriel Lococo (Argentina) and Mark Slater (UK). Selection.
Ernesto Baca, Fragmentación de un paisaje patagónico [Fragment of a Patagonian Landscape] (2023), 2 min 35 s
Ernesto Baca (Buenos Aires, 1969) is a film and video director, and a graduate of the Centro de Investigación y Experimentación Cine y Video (CIEVYC). Baca has shot several feature films, including: Cabeza de palo [Stickhead] (2002), Samoa (2005), Música para astronautas [Music for Astronauts] (2008), Vrindavana (2010), Jardines [Gardens] (2012), Réquiem para un film olvidado [Requiem for a Forgotten Film] (2017) and Israel (2022). He has also made several short films, including Locomoción [Locomotion] (2015) and Atrapado en el sueño del otro [Trapped in Each Other’s Dreams].
In-person events at the Museo Moderno’s Auditorium
“Cielo prohibido” [“Forbidden Sky”]
Censorship and repression. Resistance and counterculture. Police control, bodies resist. The films on show this month as part of “El cine es otra cosa” [The Cinema Is Something Else] explore different tactics of resistance. One is set during the Onganía dictatorship and the other in a fledgling democracy. The tactics range from a forbidden sky to a cry for freedom.
Friday 4, at 7 pm.
Parakultural: 1986-1990, by Natalia Villegas and Rucu Zárate (Argentina)
2020, 1 h 45 min
In 1986, Omar Viola and Horacia Gabin decided to take on a monumental task: to find a space for artistic creation in a Buenos Aires still battered by the civil-military dictatorship that had ruled Argentina. This led to the opening of the Centro Parakultural, an anarchic, surrealist and explosive space that would become the centre of counter-cultural production for an entire generation that needed to express itself freely after years of repression. During its four years of existence, the Parakultural – located at 336 Venezuela Street in Buenos Aires – was home to numerous theatre, rock and punk artists, as well as poets and performers, many of whom have gone on to become leading figures in the art world. It also provided a space for a curious public that was eager to participate in everything that was taking place at the centre. When it closed its doors in 1990, the Centro Parakultural left an indelible mark on the art and culture of Buenos Aires. It is time to reopen its doors, and this film and its protagonists invite us to see and remember everything this magical place represented for the country’s culture.
Saturday 5 at 6 pm.
Danubio [Danube] by Agustina Pérez Rial (Argentina)
Documentary fiction
2021, 1 h 02 min
1968. The Cold War. The intelligence services monitor how “communism has infiltrated culture”. In Mar del Plata, a Slavic immigrant woman works as an interpreter for the country delegates from Eastern European, translating the agenda of a film festival that is troubled by actors strikes and censored films. The archives used in the making of the film – declassified files, photographs, television and film clippings in different formats and from different sources – show a city of Mar del Plata that becomes a theatre of operations for increased militarisation, with the Danube Cultural Society at the centre of police paranoia.
BIO
Agustina Pérez Rial (Mar del Plata, 1982) Audiovisual producer and director. Holds a Degree in Communication Sciences (FSOC-UBA), a Diploma in Cultural Management (IDAES-UNSAM) and a Master’s in Discourse Analysis (FFyL-UBA). Since 2017, she has been Co-Director of the Fiørd Studio and specialises in audiovisual archival work. She directed the short film Los arcontes [Archons] (2020), with Natalia Labaké. Danubio is her first feature length film as director and producer. She is co-editor of the book Tránsitos de la mirada. Mujeres que hacen cine [Transitions of the Gaze: Women Who Make Films] (Libraria, 2014).
En articulación con la propuesta central del programa digital del museo, dedicada a la conmemoración de los cuarenta años de democracia en la Argentina, este año el programa online del ciclo “El cine es otra cosa” estará orientado a pensar la dicotomía dictadura/democracia a través de materiales audiovisuales.
La democracia es, sin dudas, un proceso en constante evolución y construcción. Y se abrirá todo el cielo –título que identifica a esta programación– propone un ejercicio de memoria, conformado por obras de artistas argentinos y de otros países de la región que plantean, desde diferentes enfoques, reflexiones en torno a los logros alcanzados en estas cuatro décadas, a las amenazas negacionistas y, fundamentalmente, a los desafíos que aún persisten.
En julio, presentamos La Internacional, obra audiovisual de Tatiana Mazú.
“Filmo a mi hermana discutiendo con mi mamá mientras preparan la cena de Navidad. La filmo en un acampe obrero, en un piquete, cantando. Descubro en un VHS que venía filmándola desde que éramos chiquitas. Al parecer, según algunos versos de ‘La Internacional’, el socialismo sería algo así como un paraíso lleno de hermanos”.
Tatiana Mazú
La Internacional, 2015
HD (DSLR), VHS, Color, Estéreo
13 min
BIO
Tatiana Mazú (Buenos Aires, 1989) Realizadora documental experimental y artista visual, miembro del colectivo Antes Muerto Cine. Dirigió, junto con Joaquín Maito, El estado de las cosas (2012) y, en solitario, La Internacional (2015), Caperucita roja (2019) y Río Turbio (Prix Georges de Beauregard FIDMarseille, 2020).
“El cielo protector (el cielo como testigo)”
A veces, vivir a cielo abierto resulta lo opuesto a padecer la intemperie. El vínculo cotidiano con la naturaleza, de manera permanente o temporal, permite desarrollar una actitud diferente de la que marca el ritmo acelerado de una humanidad cada vez más frenética y urbanizada. Aceptar la lluvia como una bendición que nutre y renueva. Apreciar los vientos que susurran secretos ancestrales y traen la promesa de nuevos horizontes. Encontrar consuelo en la tormenta, reconocerla como un espectáculo sublime y saber que la calma regresará. Crecer en la resiliencia y la adaptabilidad.
Desde el documental de observación y su cruce con el cine experimental, las dos películas que integran el programa de julio de “El cine es otra cosa” reflejan, a través de situaciones diferentes, las delicias de vivir al amparo del cielo.
Viernes 7, a las 19 h
Las delicias, de Eduardo Crespo (Argentina)
2021, 1 h 5 min
En el verde campo argentino, los alumnos del internado agrotécnico Las delicias viven el final de su niñez y el comienzo de su juventud. El cuarto largometraje de Eduardo Crespo sigue la vida cotidiana de estos personajes mientras estudian, se meten en problemas y se esfuerzan por cumplir las expectativas de sus profesores, que quieren verlos convertirse en “la sociedad del mañana”. Más allá de las presiones de la edad adulta, Las delicias busca celebrar a los jóvenes y las comunidades que estos crean cuando están lejos de sus familias.
BIO
Eduardo Crespo (Crespo, Entre Ríos, 1983) Director, productor y director de fotografía. Ha dirigido los documentales Tan cerca como pueda (2012) y Crespo (La continuidad de la memoria) (2016). Nosotros nunca moriremos (2020), su tercera película, se estrenó en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (España, 2020). Ganó el premio Nueva Visión en el Santa Bárbara International Film Festival (Estados Unidos, 2021) y el premio Cóndor de Plata al mejor guion original (Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, ACCA, 2021). Las delicias (2021), su cuarta película, tuvo su estreno mundial en la competencia International Documentary Filmfestival Amsterdam (IDFA, Países Bajos, 2021). Luego, se presentó en el True/False Film Fest (Estados Unidos, 2022), el Frames of Representation Film Festival (Institute of Contemporary Art, Reino Unido, 2022), el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (México, 2022) y el Festival de Biarritz (Francia, 2022). Obtuvo el premio a mejor película del DOCBHI (Festival Internacional de Cine Documental de Bahía Blanca, 2022). Actualmente, desarrolla un nuevo proyecto de ficción llamado La gruta del viento, con el cual participó de la Residencia Ikusmira Berriak y ganó el premio Irusoin (Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España).
Sábado 8, a las 18 h
Al amparo del cielo, de Diego Acosta Hernández (Chile)
2021, 16 mm, color y blanco y negro, 1 h 10 min
Un arriero y su grupo atraviesan ríos y acantilados, con más de mil ovejas, para llegar al corazón de la cordillera de los Andes. Una vez arriba, en un pequeño valle inundado, el grupo se despide y el arriero queda solo. Poco a poco, se va perdiendo entre las montañas, mientras los sueños surgen como fantasmas.
BIO
Diego Acosta Hernández (Machalí, Chile, 1990) Director audiovisual por la Pontificia Universidad Católica (PUC, Chile) y magíster en Cine Documental por la Universidad de Chile. Ha dirigido los cortometrajes Huaso chileno, estrenado internacionalmente en el Clermont-Ferrand Short Film Festival (Francia, 2016), y Ñachi, presentado en la sección “Nuevos caminos” del Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile, 2019). Ha escrito, dirigido y montado Al amparo del cielo, su primer largometraje documental experimental, estrenado en el Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile, 2021), donde obtuvo el premio al mejor largometraje chileno. Forma parte del colectivo de experimentación fílmica CEIS8 (Santiago de Chile), donde realiza investigación, talleres, muestras y obras.
En esta ocasión, presentamos Jugando a morir (2008), de Marcelo Brodsky, video realizado a partir de una secuencia tomada del video Un espacio al olvido. Buena Memoria (1997).
“Estamos en Yeiporá, la quinta de Billy, yo con un pulóver rojo, Fernando con uno oscuro. Jugamos a matarnos con arco y flecha. Las flechas se dirigen al blanco con precisión. Caemos al suelo aparatosamente y morimos casi juntos: yo primero, aunque parecía que iba a morir antes él. No podíamos pensar que faltaban apenas diez años para que uno de los dos muriera de verdad.
”Veintidós años no es una edad para morir.
”Cuando, a los doce, jugábamos a hacerlo, creíamos que éramos inmortales.”
Marcelo Brodsky
Marcelo Brodsky, Jugando a morir, 31 s
Grabado en loop, enero de 2008
Imagen: Mauricio Brodsky, 1967
BIO
Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) Artista y activista por los derechos humanos, debió exiliarse en Barcelona como consecuencia del golpe militar de 1976. Estudió economía en la Universidad de Barcelona y fotografía en el Centro Internacional de la Fotografía de la misma ciudad. Su maestro fue el fotógrafo catalán Manel Esclusa. Situadas en el límite entre la instalación, la performance, la fotografía, el monumento y los memoriales, sus obras combinan texto e imagen. En 1984 regresó a la Argentina, donde realizó su primera exposición fotográfica individual (Palabras, 1986). Luego expuso su trabajo en la Argentina y en gran cantidad de países. En 2008 recibió el Premio por los Derechos Humanos (B’nai B’rith Argentina) y, en 2014, el Jean Mayer Award (Tufts University Global Leadership Institute, EE. UU.). Entre su vasta producción artística se cuenta Buena memoria (1996), un ensayo visual que trata sobre la memoria colectiva durante los años de la dictadura, inspirado en las emociones y experiencias personales de quienes la vivieron. Sus obras forman parte de las colecciones del Museum of Fine Arts (Houston), la Tate Collection (Londres), el Metropolitan Museum of Art y el Jewish Museum (Nueva York), el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno (Buenos Aires), el Museo MAR (Mar del Plata) y el Museo de Arte Moderno (Río de Janeiro), la Pinacoteca do Estado de São Paulo (San Pablo), el Museo del Banco de la República (Bogotá) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), entre otras colecciones públicas y numerosas colecciones privadas. Es miembro de la organización de derechos humanos Asociación Buena Memoria y del Consejo de Gestión del Parque de la Memoria (Buenos Aires), en homenaje a las víctimas del terrorismo de Estado. En 2014 fundó Visual Action/Acción Visual, organización dedicada a incorporar la cultura visual en campañas de derechos humanos y a trabajar en la educación visual. Ha publicado diversos libros; entre ellos, Parábola (La Lira Argentina, Barcelona, 1982), Nexo (La marca, Buenos Aires, 2001), Tiempo de árbol (La Luminosa, Buenos Aires, 2016) y Traces of Violence (Artco, Berlín, 2021). Vive y trabaja en Buenos Aires.
El cielo es gris. La niebla y el humo de la usina eléctrica cubren el pueblo. Sobre minas y ruinas hay aire negro y blanco por efecto de las máquinas. Hay agujeros de codicia y de extractivismo en la tierra, que rompe los límites del silencio para clamar a gritos.
Un escenario de deterioro ambiental y social, consecuencia de la actividad industrial intensiva y de la explotación de recursos naturales sin una consideración adecuada por el medio ambiente y las comunidades locales.
En las dos películas que se verán en junio, son las luchas de las comunidades organizadas las que hacen ver y dicen; las que nos permiten vislumbrar otra posibilidad.
Jueves 8, a las 19 h. Río Turbio, de Tatiana Mazú (Argentina)
2020, color y blanco y negro, 1 h 21 min
Según el mito aún vigente en los pueblos carboneros de la Patagonia, si una mujer entra a una mina, la tierra se pone celosa. Entonces, hay derrumbe y muerte. Río Turbio parte de una oscura experiencia personal para transformarse en una película sobre el silencio de las mujeres que habitan pueblos dominados por hombres. ¿Cómo filmar donde nuestra presencia está prohibida? ¿Cómo grabar las resonancias de lo que no suena? Mientras la niebla y el humo de la usina eléctrica cubren el pueblo, las voces de las mujeres de Río Turbio se abren paso con fuerza entre el blanco del hielo y los zumbidos de las máquinas perforadoras, hasta hacer saltar por los aires la coraza del silencio.
BIO
Tatiana Mazú (Buenos Aires, 1989) Realizadora documental experimental y artista visual, miembro del colectivo “Antes Muerto Cine”. Dirigió, junto con Joaquín Maito, El estado de las cosas (2012) y, en solitario, La Internacional (2015), Caperucita roja (2019) y Río Turbio (Prix Georges de Beauregard FIDMarseille, 2020).
Sábado 10, a las 18 h. Lavra, de Lucas Bambozzi (Brasil) 2021, 1 h 40 min
Tras un desastre ecológico en Minas Gerais, una geógrafa brasileña regresa a su tierra con el objetivo de revelar cómo la minería ha moldeado y dañado su región natal y a sus habitantes. Lavra es una película híbrida, donde el personaje ficcional principal interactúa con situaciones y personas reales. Una reflexión sobre la pertenencia y la identidad, sobre la experiencia de perder el mundo propio y luego tratar de recuperarlo.
BIO
Lucas Bambozzi (San Pablo, Brasil, 1965) Artista multimedia, produce obras en una variedad de formatos, como instalaciones, videos monocanal y proyectos interactivos. Ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en más de cuarenta países, en diversas instituciones; entre ellas: el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), Zentrum für Kunst Und Medien (ZKM), Frankfurter Kunstverein y ISEA-Ruhr (Alemania), Laboral and Arco’s Expanded Box (España), Http Gallery (Reino Unido), Bienal de la Habana (Cuba), Š KUC Gallery (Eslovenia), WRO Media Art Biennale (Polonia), Centre Georges Pompidou (Francia) y una gran cantidad de espacios en Brasil. Ha participado en los festivales de cine Sundance, FID Marseille, Videobrasil, It’s All True Festival, Impakt, Festival do Rio y FILE, entre otros.
In keeping with the central theme of the museum’s digital programme for the year, which is dedicated to commemorating 40 years since the return to democracy of Argentina, the online programming of the “El cine es otra cosa” series will be dedicated to contemplating the dichotomy between dictatorship and democracy, as seen through audiovisual materials.
Democracy is, without a doubt, a process that is constantly evolving and under construction. The programme, titled “Y se abrirá todo el cielo” [“And the whole sky will open up”, is an exercise of remembrance that, through works by artists from Argentina and other countries in the region and their different perspectives, reflects on the achievements of the last four decades as well as the threats of naysayers and, fundamentally, the challenges that still persist.
In this first portion of the programme, we present Algunas mujeres [Some Women] a video by Sabrina Farji that is based on the story of Dolly Scacheri, whose niece was returned to her after having been abducted during Argentina’s last military dictatorship. Algunas mujeres provides a voice for all women: we are all one in this story which impacts all of us.
Sabrina Farji, Algunas mujeres, 1992, 14 min.
This audiovisual work has won national and international awards, including the Franco Latinoamericano and, recently, the 8M 2023 Acquisition Award. Farji’s work can be found in the collections of the Museum of Modern Art of New York (MoMA), the Fundación Fortabat and the Palais de Glace.
Sabrina Farji (Argentina)
Director, screenwriter, showrunner, producer. Farji is the founder of Zoelle Producciones (2003), the first vice-president of the Academia de Cine Argentina and a member of the board of the Asociación La Mujer y El Cine [Women & Cinema Association]. She is also a member of DAC [the Argentine Film Directors Association] and CAPPA [the Argentinian Chamber of SME Audiovisual Producers], as well as being the Ibero-American Audiovisual Women’s delegate to CIMA, the Spanish Association of Women Filmmakers. She teaches scriptwriting and audiovisual direction for film and television, and is a consultant and tutor for audiovisual projects. She participates as a jury member at national and international festivals on a regular basis, including: Cineposium (Bogotá, 2022), Cinemateca Bogotá, Ibermedia, Proimagenes and Fondo Panamá. She won the 8M 2023 Acquisition Award for her work Algunas mujeres. She is currently preparing for the premiere of her feature-length documentary Mariquita, mujer revolución [Mariquita, A Revolutionary Woman].
The central theme of the museum’s digital programme this year is dedicated to commemorating the 40th anniversary of the return to democracy in Argentina and therefore the online programming of El cine es otra cosa [The cinema is something else] will be dedicated to reflecting on the dichotomy between dictatorship and democracy, as seen through audiovisual materials.
In this series of interviews, “Decir” [“Say”], artists Sabrina Farji, Marcelo Brodsky, Tatiana Mazú and Ricardo Pons reflect on their works that are included in the online programme and how they relate to this important anniversary of uninterrupted democracy.
On this occasion, we present an interview with Sabrina Farji about her work Algunas mujeres [Some Women] (1992).
Curators: Gabriela Golder and Andrés Denegri
Coordination, production and interviews: Valeria Orsi
Audiovisual production: Federico Sande Novo and Rosario Cabred
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
San Telmo, 2023
The expression “black sky” refers to the dark, starless appearance of the night sky in areas without light pollution. In these areas, the lack of artificial light allows our eyes to adjust until they perceive the true darkness of space, which makes the stars, planets, galaxies and other celestial objects appear even more brilliant and brighter.
It is a concept that is also applied in astronomy and astrophotography to describe the quality of the night sky at a specific point, which can be measured using a dark-sky scale that indicates the amount of background light in the sky.
However – as if it could be otherwise – art tends to cloud the meaning. In science fiction, “black sky” is also used to describe a gloomy and threatening appearance in the night sky, and is often associated with apocalyptic or post-apocalyptic scenarios. In this sense, the works shown in this first programme of this year’s edition of “El cine es otra cosa” take us on a journey through skies full of satellites, radio waves, bizarre spacecraft, dubious metaphysical theories, and an exhaustive dig through popular archive images.
Friday 12, at 7:00 pm.
Siete años terrestres, un año humano [Seven Earth Years, One Human Year], by Adrián Quetzal Randall (Honduras-United States)
2021, 1 h 19 min
Siete años terrestres, un año humano [Seven Earth Years, One Human Year] is a critical experimental documentary that examines the effects of the last hundred years of telecommunications on the human psyche. It connects historical accounts with personal anecdotes in order to explore the relationship between radio waves and brain waves. The film raises questions about the psychological weight of the US empire and its quest to create a global military communications system.
BIO
Adrián Quetzal Randall (1989)
Honduran-American filmmaker and video essayist. Quetzal Randall focuses on the aesthetic and narrative intersections between social policy, mental health and spirituality. He works as a professional video editor in Brooklyn, New York, and has participated in numerous projects related to social justice that have been both experimental and commercial in nature.
Saturday 13, at 6:00 pm.
La misión del comandante Ashtar Sheran [The Mission of Commander Ashtar Sheran], by Ernesto Baca (Argentina)
2012, 70 min
A group of beings claim they are “aliens” from galaxies far away. They have come to Earth to collaborate in a series of tasks that must be completed in order for the human species to undergo a certain degree of evolution. The leader of the group, Commander Asthar Sheran, has a large fleet of spaceships and, from space, gives instructions to begin the evacuation of select human souls before the imminent cataclysms begin.
BIO
Ernesto Baca (Buenos Aires, 1969)
A graduate of the Centro de Investigación y Experimentación en Cine y Video (CIEVYC), as a film and video director. Baca has shot several feature films, including: Cabeza de palo [Stickhead] (2002), Samoa (2005), Música para astronautas [Music for Astronauts] (2008), Vrindavana (2010), Jardines [Gardens] (2012), Réquiem para un film olvidado [Requiem for a Forgotten Film] (2017) and Israel (2022). La misión del comandante Ashtar Sheran [The Mission of Commander Ashtar Sheran] (2012) is his first ‘found footage’ film, made using images from the internet. He has also made several short films, including Locomoción [Locomotion] (2015) and Atrapado en el sueño del otro [Trapped in Each Other’s Dreams].
