En el marco del Programa de Exposiciones 2025, Arte Es Teatro, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta el simposio internacional Teatrismo, que se propone revisar los vínculos entre arte contemporáneo, teatro y sociedad a la luz de la crisis actual de las democracias, la duplicación digital de la vida y la perturbación de los vínculos producida por la experiencia global de la pandemia.
Renombrados artistas, pensadores y especialistas argentinos e internacionales compartirán su conocimiento y reflexiones durante 3 días en conferencias, charlas públicas, performances y proyecciones de películas.
Participación y obras de: Ana Alvarado, Norman Briski, Alejandro Cruz, Carlos Furman, Víctor García, Emilio García Wehbi, Ricardo Ibarlucía, Tadeusz Kantor, Susanne Kennedy, Brai Kobla, Federico León, Ana Laura Lozza, Barbara Hang, Jarosław Lubiak, Małgorzata Ludwisiak, Juan Carlos Malcún, Victoria Noorthoorn, Mariana Obersztern, Małgorzata Paluch-Cybulska, Alejandro Tantanian
Teatro cívico
En un contexto global en el que la posibilidad de vivir juntos como un cuerpo social está en crisis, ¿cómo se revitaliza el poder del teatro, una forma artística inherentemente colectiva en la se involucra el cuerpo? ¿Puede la ficción teatral asumir el papel de ágora pública? ¿De qué manera la experiencia teatral puede contrarrestar el auge de los discursos de odio y la erosión de las instituciones democráticas? ¿Con qué responsabilidades y oportunidades se enfrentan las instituciones culturales como los museos y los teatros en este clima social y político? ¿Pueden las artes performáticas ofrecer una nueva gramática para la imaginación social? ¿De qué manera una política de la presencia puede reformular la manera en que entendemos lo vivo y lo colectivo en un contexto pospandémico? ¿Están emergiendo nuevas formas rituales en la esfera teatral?
Discurso de bienvenida
13.30 h
Victoria Noorthoorn, Directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Introducción al Simposio
1. Mesa redonda – La tradición de la radicalidad
13.45 a 14.45 h
Alejandro Tantanian, Federico León y Brai Kobla repasan el legado de la experimentación teatral antinaturalista de los años sesenta y ochenta, y reflexionan sobre el sentido y la urgencia de esa radicalidad teatral en el momento actual. ¿Qué formas de experimentación responden de manera más resonante a la crisis de representación del presente? Moderada por Alejandro Tantanian.
2. Entrevista – Norman Briski
15.00 a 15.40 h
El reconocido actor, director y maestro de actores es el testimonio vivo de la escena que se despliega a partir del Centro de Experimentación Audiovisual (CEA) del Instituto Di Tella, presente en la exposición Esto Es Teatro. Su compromiso estético es inescindible de la militancia social que ejerce desde su plataforma escénica: el teatro independiente Calibán. La entrevista estará a cargo de Fernando García.
Descanso: 15.45 a 16.00 h
3. Entrevista – Archivos de la radicalidad: Víctor García
16.00 a 17.00 h
En una entrevista a cargo de Alejandro Cruz, el escenógrafo y arquitecto Juan Carlos Malcún nos guía en una exploración del lenguaje teatral visionario de Víctor García. También reflexiona sobre el rol de los archivos en la documentación del teatro, una forma artística definida por su carácter efímero. ¿De qué manera los archivos simbólicos y materiales pueden llevar un registro de experiencias que son intensas y efímeras? ¿Cómo pueden reimaginarse y exhibirse los archivos para las audiencias del presente?
4. Proyección – Angela, de Susanne Kennedy
17.10 a 19.30 h
Proyección de la pieza de Susanne Kennedy, presentada por Alejandro Tantanian y un video breve de la artista. Susanne Kennedy es una directora teatral y dramaturga contemporánea alemana con un universo escénico poderoso y perturbador que, a través del uso de máscaras, voces pregrabadas y otros modos de producir alteraciones de la percepción, desafía las convenciones del realismo y la presencia actoral en la escena.
Esta actividad cuenta con el apoyo del Goethe-Institut Buenos Aires.
Máquina dramática. El trauma y el cuerpo del teatro
¿Puede el teatro curar las heridas de la historia? ¿Qué significa un término como performance en un contexto en el que los límites de lo humano se ven desdibujados por adelantos tecnológicos como la inteligencia artificial y la bioingeniería? ¿El escenario todavía pertenece a lo humano? ¿Cómo puede la práctica teatral responder a la crisis de sentido acelerada por los fenómenos contemporáneos? ¿El “actor” sigue siendo una figura central o ha emergido una nueva figura de “performer” más que humano? ¿Cómo ilumina la condición contemporánea la experiencia de radicalidad teatral de Tadeusz Kantor? ¿Cómo podemos redefinir el arte contemporáneo y su posible función reparativa si lo observamos a través de un lente kantoriano?
1. Mesa redonda – Reescrituras del mito de Tadeusz Kantor
13.30 a 15.00 h
Tres importantes investigadores y curadores polacos exploran el teatro de Tadeusz Kantor como un espacio asediado por el trauma histórico y preocupado por la continuidad entre el hombre y la máquina, así como su potencial para interpretar el campo del arte contemporáneo. Małgorzata Paluch-Cybulska, directora del Museo Tadeusz Kantor del Centro de Documentación Cricoteka de Tadeusz Kantor en Cracovia, hará una introducción a las características principales de la práctica teatral y artística de Kantor. Jarosław Lubiak, director adjunto del Museo Nacional de Szczecin, y Małgorzata Ludwisiak, ex directora artística del Museo de Arte Moderno de Varsovia y curadora independiente, presentarán dos perspectivas acerca de cómo el teatro de Tadeusz Kantor puede ser reconsiderado desde la perspectiva del arte contemporáneo, y viceversa. Conversación moderada por Małgorzata Ludwisiak.
La obra teatral de Tadeusz Kantor tuvo un impacto notable en el desarrollo del teatro experimental y las artes visuales en la Argentina durante las décadas de 1980 y 1990. Las obras Wielopole, Wielopole y ¡Que revienten los artistas!, representadas respectivamente en 1984 y 1987 en el Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires, tuvieron como resultado directo, entre otras cosas, la creación del grupo El Periférico de Objetos, cuya exposición retrospectiva estará abierta durante la conferencia. Los ecos “post-Kantor” en la Argentina, por un lado, y la ausencia de referencias kantorescas conscientes en el arte y el teatro polacos, por otro, llevaron al equipo curatorial del simposio a plantearse preguntas sobre la posible actualización de los postulados radicales de Tadeusz Kantor, cincuenta años después del estreno de la obra La clase muerta, que revolucionó el teatro mundial, según afirmaron los críticos. ¿Qué pasaría si convirtiéramos el legado teatral de Kantor en un conjunto de herramientas metodológicas y las aplicáramos al campo del arte contemporáneo? O, al revés: ¿Qué pasaría si se aplicara un análisis visual estrictamente formal a las obras teatrales de Kantor?
En el marco de este panel, Małgorzata Paluch-Cybulska presentará la figura del artista y sus conceptos principales, que ponía a prueba sobre el escenario. Tras su introducción, el panel contará con la perspectiva de dos críticos de arte que aplicarán un abordaje de las artes visuales al teatro de Kantor, y viceversa. Jarosław Lubiak se centrará en el análisis de los trabajos de Kantor como obras de medios basados en el tiempo, en busca de las relaciones internas entre los elementos y los ritmos de sus movimientos. ¿De qué manera la propia composición de los espectáculos estructura su significado? Małgorzata Ludwisiak abordará los conceptos teatrales de Kantor, como la materialidad, el cuerpo, la memoria y el bio-objeto u objeto teatral, desde la perspectiva del arte poshumano y como un medio de interpretación de las prácticas artísticas contemporáneas. ¿Qué podría significar el “teatrismo” en las artes visuales? ¿Nos ayudaría a comprender mejor nuestra condición contemporánea?
Actividad en inglés con traducción simultánea al español.
2. Entrevista – Mariana Obersztern
15.10 a 16.00 h
En esta entrevista pública con Fernando García, Mariana Obersztern reflexionará sobre su experiencia con Wielopole, Mezrich, Wielopole, una pieza de 2017 en la que exploró la obra de Tadeusz Kantor.
Descanso: 16.00 a 16.15 h
3. Entrevista – El Periférico de Objetos
16.30 a 17.30 h
El crítico teatral Alejandro Cruz hablará con miembros del colectivo experimental El Periférico de Objetos, Ana Alvarado y Emilio García Wehbi, acerca de la huella que dejó el teatro de Kantor en su dramaturgia materialista.
4. Noche de películas de Kantor #1 – ¿Embrujo? Todos los retornos de Tadeusz Kantor
18.00 a 19.45 h
Selección curada por Jarosław Lubiak
No volveré jamás, declara Kantor en el título de una de sus últimas obras de teatro. Considerémoslo una figura retórica en la que dice lo contrario de lo que quiere decir. Con humor y hasta sarcasmo, amenaza y promete: jamás te dejaré, o siempre te perseguiré, como un fantasma. El artista sabía perfectamente cómo funcionan la memoria y la historia, con su repetición interminable de pérdida y sufrimiento, esperanza y renovación. En su obra teatral, exploró los modos y los efectos de esa repetición. Lo que se pierde regresa como espectro, haciendo posibles los encuentros, incluso la vida juntos.
Desde nuestra perspectiva, el duelo interminable de Kantor puede ser visto hoy como una experiencia similar a nuestra lucha contra la pérdida del mundo en manos de la catástrofe ambiental y sus concomitantes crisis. El “duelo climático” tal vez no tenga fin ni solución, pues la pérdida, en este caso, es un proceso continuo. Por eso debemos aprender a trabajar, una vez más, con el duelo. Quizás el teatro de Kantor y su estrategia de la repetición espectral puedan servirnos de guía.
En esta proyección, Tadeusz Kantor regresa a nosotros en cuatro episodios. La primera película exhibe su arte visual, que le otorga un contexto a su trabajo escénico. La segunda presenta una de sus primeras y más importantes obras. La tercera ofrece un resumen y una original reinterpretación de su obra teatral temprana. La cuarta se enfoca en el cricotage, el experimento de Kantor con la forma teatral. Gracias a estas películas, podemos regresar a un momento en el que se creía que repetir el pasado podía liberarnos de él.
Farbą [Con pintura]
Dirigida por Artur Janicki, con guion de Zofia Gołubiew, 1992, color, 33 min.
Documento de la exhibición Tadeusz Kantor. Pintura y escultura. Museo Nacional de Cracovia, 1991, producida por la Televisión Polaca TVP.
El film cuenta la historia de la obra del artista a partir de la exhibición Tadeusz Kantor. Pintura y escultura, presentada como homenaje en el Museo Nacional de Cracovia en 1991, poco tiempo después de su fallecimiento. La película también incluye fragmentos de declaraciones de Kantor, combinados con su obra. Es una introducción a su obra y un suplemento para la documentación de sus representaciones teatrales.
Umarła Klasa. Seans T. Kantora [La clase muerta: El show de T. Kantor]
Dirigida por Andrzej Wajda, 1976, color, 72 min.
Producida por la Televisión Polaca TVP.
La película de Andrzej Wajda es una interpretación de la obra de Kantor La clase muerta. Se trata de una de sus piezas teatrales más importantes, que permite al público sumergirse en su duelo por el mundo perdido de la infancia y la juventud, cuyo acto final de destrucción fue la Segunda Guerra Mundial. El mecanismo del retorno del pasado como repetición obsesivo-compulsiva se revela aquí con mayor fuerza. A primera vista, el patetismo y el lamento por la irreversibilidad de la pérdida parecen consumir al artista y al público. Pero el humor y el grotesco permiten al artista romper el círculo vicioso de la repetición muerta. Quizá, también puedan ayudarnos a nosotros, que vivimos nuestra propia catástrofe.
Teatro, liturgia y trascendencia
¿De qué manera se conectan la dimensión ritual del teatro con las formas de la liturgia? En una era dominada por la desorientación y el hiperindividualismo, ¿puede el teatro volver a despertar un sentido de “tiempo sagrado” y transformación colectiva? ¿Qué tipo de dramaturgias surgen del anhelo espiritual y cómo pueden resistir los efectos aplastantes del espectáculo, la mercantilización y las falsas certezas de la cultura materialista actual? ¿Puede el teatro experimental contemporáneo, con su aceptación del misterio y la ambigüedad, ofrecer un espacio en el que surjan verdades más profundas, que eludan el ruido de los medios de comunicación convencionales y la crisis de significado de nuestro discurso público?
1. Conferencia – Ricardo Ibarlucía
13.30 a 14.30 h
¿Para qué necesitamos el teatro hoy? A partir de esta pregunta, uno de los pensadores más filosos de la comunidad académica argentina traza una perspectiva histórica-filosófica de las posibilidades contemporáneas del teatro.
2. Conferencia – Carlos Furman
14.30 a 15.30 h
Del San Martín a la Cricoteka, el fotógrafo Carlos Furman, quien documentó todo el trabajo de Tadeusz Kantor en Buenos Aires, revela la historia detrás de su exposición en Cracovia y los lazos con su familia polaca.
Descanso: 15.30 a 15.45 h
3. Performance – Consumation [Consumación]
16 a 17 h
Las bailarinas y performers Ana Laura Lozza y Bárbara Hang cierran el simposio con la performance Consumation [Consumación] (2018), en la que apelan a la dimensión ritual del acto escénico. Actividad con capacidad limitada.
4. Noche de películas de Kantor #2 – ¿Embrujo? Todos los retornos de Tadeusz Kantor
17.30 a 19.30 h
Selección curada por Jarosław Lubiak.
Nigdy już tu nie powrócę [No volveré jamás]
Dirigida por Andrzej Sapija, 1990, 80 min.
Producida por la Televisión Polaca TVP.
Kantor trabajó con su equipo para la obra No volveré jamás en 1987 y 1988. El estreno tuvo lugar en el Piccolo Teatro Studio de Milán. La película es una grabación de la obra en una versión revisada, presentada en Varsovia en 1990. En No volveré jamás, el artista analiza su propia obra y la reinterpreta. Se trata de un resumen original compuesto por autocitas. Kantor hace referencia a las obras Powrót Odysa [El regreso de Odiseo], 1944; Kurka Wodna [La gallina de agua], 1967; Nadobnisie i koczkodany [Formas delicadas y simios peludos], 1973; Umarła klasa [La clase muerta], 1975; Gdzie są niegdysiejsze śniegi [¿Dónde están las nieves de antaño?], 1979; Wielopole, Wielopole, 1980, y Niech sczezną artyści [Que revienten los artistas], 1985. Esta fue la última obra que el artista completó y representó.
Gdzie są niegdysiejsze śniegi [¿Dónde están las nieves de antaño?]
Dirigida por Andrzej Sapija, 1984, 32 min.
Producida por Wytwórnia Filmów Oświatowych, Łódź.
Kantor utilizó por primera vez el término cricotage (a partir del nombre de su teatro Cricot 2) para describir su primer happening, en 1965. Más tarde, a partir de la obra ¿Dónde están las nieves de antaño? (1979), lo utilizó para referirse a formas teatrales breves, representadas al margen de los grandes espectáculos, o para experimentos escénicos con estudiantes. En este cricotage, el artista continúa su reflexión sobre si es posible recuperar el pasado perdido, un tema que se desarrolló aún más en la obra Wielopole, Wielopole (1980).
Producido por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y co-financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional de la República de Polonia.
Con especial gratitud:
Embajada de la República de Polonia en Argentina
Centro de Documentación Cricoteka de Tadeusz Kantor, Cracovia, Polonia
Goethe-Institut Buenos Aires
Más información sobre el Adam Mickiewicz Institute y Culture.pl
Crédito:
Still del film Gdzie są niegdysiejsze śniegi [¿Dónde están las nieves de antaño?]
Dirigida por Andrzej Sapija, 1984, 32 min.
Producida por WFO, Łódź.
Ana Alvarado
(Buenos Aires, Argentina)
Directora y autora teatral. Sus obras están dirigidas tanto al público infantil como al adulto, y se caracterizan por ser el resultado de la investigación en el campo de la escena expandida y del teatro de actores, objetos y títeres en relación con las artes visuales y multimediales. Ha participado en festivales y eventos de América, Oceanía y Europa, como BAM (Nueva York), el Kunsten Festival (Bruselas), el Cervantino de México, Porto Alegre em Cena, Theatre der Welt (Berlín), el Festival de Avignon, el Melbourne Festival, el Festival de Bogotá, el Festín de Títeres de Guadalajara y el Festival Iberoamericano de Teatro de Mar del Plata. Además, integró y codirigió el grupo teatral El Periférico de Objetos y el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín.
Ha ganado menciones y premios, como el Premio Fondo Nacional de las Artes, el Premio Argentores, el Premio Ciudad de Buenos Aires, el Konex de Platino, el premio Teatro del Mundo, el ACE, el María Guerrero, el Primer Premio del Festival de Edimburgo, el Premio del Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de las Américas, y el premio Siripo de Córdoba. Se desempeña también como docente en universidades nacionales. Dirige la carrera de posgrado Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios de la Universidad Nacional de las Artes y formó parte del cuerpo docente de la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad Nacional de San Martín, Argentina. Sus obras para público infantil se editaron en las editoriales Jacarandá Editoras, Aique, Atuel, Estrada, CELCIT, Centro Cultural de la Cooperación y Biblioteca Nacional, entre otras.
Norman Briski
(Santa Fe, Argentina)
Actor, dramaturgo, director de cine y teatro, Briski es una leyenda de la escena argentina desde su irrupción, en 1966, en el Instituto Di Tella con la obra El niño envuelto. En 1969, el nombre de Norman Briski alcanzó el público masivo y atravesó las barreras de la crítica especializada con su modélico papel en La fiaca, versión cinematógrafica de la obra teatral de Ricardo Talesnik, en la que fue dirigido por Fernando Ayala. En su trayectoria en el cine se destacan Psexoanálisis, La Guita, Mamá cumple cien años, Elisa, vida mía (dirigido por Carlos Saura), La cruz (competencia oficial en Cannes) y Argentina, 1985, entre más de 70 filmes. Su trabajo en televisión atraviesa varias generaciones de audiencias diversas, con hitos como Tiempo final, Mujeres asesinas, Botines, Vulnerables y ¡Socorro! Quinto año. Como director teatral, dejó una marca indeleble en la escena, con Gurka (Vicente Zito Lema), Señor Galíndez (Eduardo Pavlosvski) y obras de su propia autoría como Rebatibles y Con la cabeza bajo el agua. Briski ha dejado plasmado su método y experiencia en libros como Teatro del actor, Teatrobrik: cinco obras de teatro y un guion televisivo, Norman Briski: Mi política vida y Teatro necesario. A lo largo de su extensa, carrera ha manifestado un compromiso social indeclinable, con el escenario como plataforma de transformación política. Este compromiso se expresa particularmente en la gestación de teatros populares como Octubre, Argenta (Nueva York), Teatro Popular y Brazo Largo, además de su sala independiente, Calibán, donde sigue estrenando sus propias puestas y dando lugar a nuevos creadores.
Alejandro Cruz
(Buenos Aires, Argentina)
Analista en Comunicación Social, graduado en la Universidad del Salvador. Desde hace más de treinta años, su labor periodística está enfocada en las artes escénicas y otros temas de gestión cultural. Trabajó en las revistas La Maga, Rolling Stone, El Picadero y La Nación Revista, entre otras. Fue coconductor y creador del programa Nuevas tendencias, de Canal á, emisora en donde presentaba una columna teatral semanal. En la Televisión Pública y también en Canal á, fue integrante del programa Todo teatro, que dependía del Instituto Nacional del Teatro (INT). Fue curador de diversas ediciones del Festival de Nuevas Tendencias/La Movida, que organizó el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, y del programa Proyecto Cruce, que tuvo lugar en dos ediciones del Festival Internacional de Buenos Aires. Fue jurado de la Fiesta Nacional de Teatro, del INT, y del Mercado de Industrias Culturales Argentinas. Es coautor, junto con Gabriela Ricardes, del libro Circo expandido, publicado por el Ministerio de Cultura de Buenos Aires y la Embajada de Francia, y coeditor, junto con Carlos Pacheco, del libro Ponete el antifaz, basado en el archivo de Alberto Ure, que editó el INT. En 2011, ganó el Primer Premio de la Asociación de Entidades Periodísticas Argentinas, en la categoría Información General y Espectáculos. Desde 1997 trabaja en la sección “Espectáculos” y en la sección “Cultura” del diario La Nación.
Carlos Furman
(Buenos Aires, Argentina)
Fotógrafo con más de treinta años de trabajo en el Teatro General San Martín, se ha destacado por su particular abordaje de la fotografía de las artes escénicas. Participó en numerosas muestras individuales y colectivas en la Argentina (Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Museo Moderno, Fotogalería del Teatro San Martín, Centro Cultural Ricardo Rojas, entre otros espacios) y realizó exposiciones en Cuba, Uruguay, Chile, Italia, Polonia, Brasil, España y Colombia. Entre sus exposiciones principales se destacan Feliz viaje, Tesoros y Tango. Algunas de sus obras pertenecen a museos nacionales y a coleccionistas privados. En 2006, expuso la muestra fotográfica Que revienten los artistas en la Cricoteka de Cracovia, Polonia, una revisión de la presencia del gran director teatral polaco Tadeusz Kantor en el Teatro General San Martín. En 2007, publicó su libro Tango, que ganó el Premio Accésit al mejor libro impreso y editado en la Argentina. Obtuvo el Primer Premio Banco Nación Artes Visuales (2016), el María Guerrero en Fotografía (2023) y el Premio Teatro del Mundo (2023).
Ese mismo año, realizó la exposición Sobre lugares lejanos y un sueño escondido, curada por Florencia Qualina, en la Galería Gachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano, con notables repercusiones de la prensa nacional. Prepara una nueva exposición fotográfica para fin de año.
Emilio García Wehbi
(Buenos Aires, Argentina)
Artista interdisciplinario y autodidacta, que trabaja en la combinación de distintos lenguajes artísticos. Se ha destacado en sus actividades como director teatral, régisseur, performer, escritor, artista visual y docente. Su poética confronta con las categorías estéticas establecidas, fusionando las disciplinas de manera que sus creaciones no puedan ser sometidas a ninguna definición precisa. Su búsqueda formal pretende establecer siempre una dialéctica con el espectador o lector, considerándolo parte activa de la obra. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas han sido presentados en América, Europa, Oceanía y Asia. Ha obtenido premios nacionales e internacionales.
Algunos de sus trabajos como director son: ¡Escucha, ángel medio muerto, soy semejante a ti! (2025), Fritzl agonista (2025), La nuda vida (2024), Operativo Libertad Total (2024), Orlando. Una ucronía disfórica (2017), Trilogía de la Columna Durruti (2017), En la caverna de Paltón / la cabeza de la Medusa (2017), 65 sueños de Kafka según Guattari (2016) y El grado cero del insomnio (2015). Como parte del grupo El Periférico de Objetos, participó en obras como La última noche de la humanidad (2002), Monteverdi método bélico (2000), Zooedipous (1998), Máquina Hamlet (1995), Cámara Gesell (1994) y El hombre de arena (1992).
Además, ha publicado los libros Dafne sobre fondo de monte Fují, El periférico de objetos. Un testimonio, Trilogía de la Columna Durruti, Artaud: lengua madre, entre otros.
Ricardo Ibarlucía
(Buenos Aires, Argentina)
Filósofo e historiador de las ideas especializado en estética, es investigador principal del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas, profesor de la Universidad Nacional de San Martín y miembro del Centro de Investigaciones Filosóficas. Formó parte del Consejo de Dirección del Diario de Poesía (1986-2012). Tradujo a Paul Celan, Louis Aragon, Allen Ginsberg y Werner Herzog, entre otros autores. Incursionó en la dramaturgia con la traducción de una versión no expurgada de la Noche de Walpurgis (1999), de Goethe. Junto con Alejandro Tantanian, adaptó La ópera de tres centavos (2004), de Bertolt Brecht, para la versión dirigida por Betty Gambartes. En 2006, presentó Woyzeck por Woyzeck, inspirada en la obra de Georg Büchner, bajo la dirección de Emilio García Wehbi, con quien colaboró también en El matadero 5: Aullido (2008) y en la adaptación de Dolor exquisito, de Sophie Calle (2008-2009). En 2014, dio a conocer la obra Velada Fantomas. Opereta radiofónica, basada en un radioteatro de Robert Desnos, cuya puesta en escena estuvo a cargo de Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu. Entre sus libros más recientes, se cuentan Belleza sin aura. Surrealismo y teoría del arte en Walter Benjamin (2020) y ¿Para qué necesitamos las obras maestras? Escritos sobre arte y filosofía (2022).
Susanne Kennedy
(Friedrichshafen, Alemania)
Directora y dramaturga, es una de las voces más distintivas del teatro europeo. Sus piezas son una invitación radical a incluir lo real como parte de la representación, para lo cual explora las interacciones posibles entre el actor y la máquina. Los intérpretes en sus obras teatrales llevan máscaras y hablan con voces pregrabadas. Es así como Kennedy cuestiona la representación estable de la realidad a través de cambios perceptivos y la constante confusión de imágenes hipnóticas. Su trabajo desafía los límites del teatro y recurre a las raíces rituales arcaicas del medio para plantear preguntas profundas, a veces confrontativas: ¿quiénes somos? ¿Cuál es nuestra razón de existir en este mundo? ¿Cómo nos relacionamos con nuestros propios demonios? Kennedy estudió teatro en Alemania y Francia. Completó el curso de dirección en Ámsterdam, en 2005. Junto con el artista visual Markus Selg, diseña espacios que se asemejan a pasillos virtuales de videojuegos o a coloridas alucinaciones psicodélicas. Su adaptación de Las tres hermanas, de Anton Chejov, es un hito del teatro contemporáneo europeo. Angela (a strange loop) es la primera puesta de Kennedy que se verá en la Argentina.
Brai Kobla
(La Plata, Argentina)
Es dramaturgo y director. Se formó en dramaturgia con referentes del Royal Court Theatre de Londres, como Ella Hickson, Simon Longman, Simon Stephens y Matías Feldman. Participó en residencias internacionales y distintas masterclasses de teatro documental y creación multidisciplinar con Stephan Kaegi, Mohamed ElKhatib y Rimini Protokoll, entre otros. Obtuvo las becas Creador.ES (Valencia), Director’s Lab/ Lincoln Center (New York), Fundación Williams, Beca Nueva Ópera del Teatro Mayor de Bogotá, Casa de América (Madrid), Fondo Nacional de las Artes (Buenos Artes) y fue seleccionado por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires como artista residente para el Obrador Internacional de Dramaturgia, en la Sala Beckett (Barcelona). Sus obras fueron estrenadas en Argentina, España, Colombia, Portugal, Cuba, Brasil, Panamá, México y Chile. Su obra Oveja fue premiada como mejor dramaturgia por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y recibió el Premio Godot (Madrid) como mejor obra de la temporada 2024. Dirigió y realizó la adaptación cinematográfica de la ópera La voix humaine, de Jean Cocteau, estrenada en el Teatro Mayor de Bogotá, en coproducción con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y el British Council, durante la temporada 2021. Fue creador y docente de Motín experimental, espacio de creación multidisciplinar dentro del Pabellón de Identidades Disidentes de la Unidad Penitenciaria nº 1 de Lisandro Olmos. Es parte de Nélida underground, colectivo de artistas de la ciudad de La Plata.
Federico León
(Buenos Aires, Argentina)
Dramaturgo, director y actor. Escribió y dirigió las obras teatrales Cachetazo de campo (1997), Museo Miguel Ángel Boezzio (1998), Mil quinientos metros sobre el nivel de Jack (1999), El adolescente (2003), Yo en el futuro (2009), Las multitudes (2012), Las ideas (2015), Yo escribo. Vos dibujás (2019), Los tiempos (2023) y El trabajo (2025). Escribió, dirigió y actuó en su primera película, Todo juntos (2002). En 2007, escribió y dirigió junto con Marcos Martínez, su segunda película: Estrellas. En 2009, junto a Martín Rejtman, escribió y dirigió el telefilm Entrenamiento elemental para actores. En 2014 y 2019 realizó La última película, una serie de intervenciones en ex cines transformados en estacionamientos de autos.
Por su trabajo obtuvo diversas distinciones, como el Primer Premio de dramaturgia del Instituto Nacional de Teatro, el Premio Konex 2004 en Letras por la producción del quinquenio 1999-2003, el Premio Fondo Nacional de las Artes y el Primer Premio Nacional de dramaturgia 1996-1999. Sus obras y películas han sido exhibidas en teatros y festivales de Alemania, Francia, Holanda, Austria, Italia, Dinamarca, Escocia, Canadá, Bélgica, España, Brasil, Estados Unidos, Australia, Suiza, Grecia, Portugal, el Líbano y Japón. Como docente, ha ofrecido talleres en Argentina, España, Francia, Bélgica, Costa Rica, Bolivia, Grecia, Chile y el Líbano. Algunas de sus obras, el guion de Todo juntos, como también críticas, entrevistas y textos del autor sobre el proceso creativo de sus obras, fueron publicados en el libro Registros-Teatro reunido y otros textos.
Ana Laura Lozza & Bárbara Hang
(Buenos Aires, Argentina)
Dúo de artistas que trabajan desde la danza contemporánea y la coreografía experimental, extendiendo su práctica hacia la performance, la educación, la escritura y el trabajo interdisciplinar. A lo largo de más de 15 años de colaboración, han investigado la poética y la ética del accionar común. Su práctica indaga en las dimensiones materiales e inmateriales del cuerpo en el encuentro con los demás, utilizando el movimiento, el lenguaje, las partituras y las acciones cotidianas como medios para crear obras. Su investigación actual sobre estados relacionales radicales comenzó en 2023 con el dúo Commitment y el taller Las manos en la boca. Detrás de todos sus proyectos se encuentra la pregunta recurrente de cómo hacer cosas juntxs, una pregunta que se abre a otros cuerpos y al mundo más que humano, sintonizando con lo frágil, lo incierto y lo inesperado del entrar en relación.
Jarosław Lubiak
(Polonia)
Profesor académico, teórico del arte y curador independiente, es director adjunto del Museo Nacional de Szczecin, Polonia. Entre 2014 y 2019, fue director artístico del Centro de Arte Contemporáneo del Castillo Ujazdowski en Varsovia. Trabajó en el Muzeum Sztuki de Łódź como curador y jefe del Departamento de Arte Moderno entre 1996 y 2014. Recientemente curó Angelika Markul: Time Formula en Openheim, Wrocław, Polonia (2021); The Plasticity of the Planet, un programa a largo plazo que aborda la catástrofe climática en diversas actividades, como las exposiciones paralelas Human-Free Earth y Forensic Architecture: Centre for Contemporary Nature, en U-jazdowski, y la publicación Becoming Earth y Plasticity of the Planet: On Environmental Challenge for Art and Its Institutions (2019). Entre muchos otros proyectos, curó The State of Life: Polish Contemporary Art within the Global Context, en el Museo Nacional de Arte de China, Beijing (2015), y co-curó, con Małgorzata Ludwisiak, Correspondences: Modern art and Universalism, en el Muzeum Sztuki de Łódź (2012). Como curador y teórico del arte, se centra en los cruces entre el arte contemporáneo, la filosofía y la sociedad, los choques entre la estética y la política, y las fricciones entre las instituciones artísticas, la economía política y las crisis medioambientales.
Małgorzata Ludwisiak
(Łódź, Polonia)
Historiadora y crítica de arte, curadora, experta en gestión museística y docente universitaria. Se graduó en historia del arte en la Universidad de Łódź, donde obtuvo su doctorado en 2006. Fue directora de la Bienal Internacional de Łódź (2006) e impulsora y directora del Festival de Diseño de la misma ciudad (2007); vicedirectora del Muzeum Sztuki de Łódź (2008-2014) y jefa de curaduría del Departamento de Arte Moderno del Museo Nacional de Gdansk, en Polonia (2021-2022). También se desempeñó como directora del Centro de Arte Contemporáneo del Castillo Ujazdowski de Varsovia (2014-2019) y, en 2023-2024, fue directora artística del Museo de Arte Moderno de Varsovia.
Entre otras exposiciones, fue curadora de El Hadji Sy. At First I Thought I Was Dancing (CCA de Varsovia, 2016), que reflexionaba sobre temas vinculados a la comunidad y a la performatividad vistas a través de la lente de Dakar, y de Correspondences. Modern Art and Universalism (junto con Jaroslaw Lubiak, Muzeum Sztuki de Łódź, 2012-13), en la que dialogaban dos colecciones de arte de los siglos XX y XXI: la del Kunstmuseum de Berna y la del Muzeum Sztuki de Łódź. Desde el año 2001 en adelante, ha publicado varios textos críticos en revistas de arte polacas, en catálogos de exposiciones y en publicaciones teóricas. Es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (sección polaca) y del Comité Internacional de Museos de Arte Moderno, en el que participa como miembro de la junta directiva por un segundo mandato (2023-2025).
Juan Carlos Malcún
(Tucumán, Argentina)
Arquitecto y escenógrafo, de vasta trayectoria en diseño y realizaciones escenográficas en teatros independientes, oficiales y comerciales. Mediante una beca del Fondo Nacional de las Artes, estudió con los maestros Mario Vanarelli y Germen Gelpi. Fue docente titular en la cátedra de diseño arquitectónico (Taller) y profesor titular en la disciplina “escenografía” de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán (UNT). Ha dictados talleres y participado en congresos, jornadas y festivales teatrales nacionales, internacionales y locales, centrados en la especialidad del Espacio Escénico. Como investigador y expositor, cuenta con publicaciones en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Córdoba, la Universidad Nacional de Río Negro y la Universidad Nacional de Tucumán. Fue jurado en los Premios ARTEA (Tucumán) y en las Fiestas Provinciales de Teatro (INT). Recibió numerosos, premios, menciones y reconocimientos de carácter nacional y provincial por su labor escenográfica. Fue director de diversos proyectos de investigaciones teatrales y arquitectónicas, en particular sobre la estética del director tucumano Víctor García, objeto primordial de su estudio. Así, llevó adelante Víctor García: trayectoria, pensamientos y creación de un revolucionario del teatro, entre otros proyectos. Su pasión por la estética y la teoría de este director inclasificable fue también plasmada en textos como el libro Los muros y las puertas en el teatro de Víctor García, que recibió el premio Teatro del Mundo en 2012.
Mariana Obersztern
(Buenos Aires, Argentina)
Es autora, directora teatral, performer, curadora y docente. Su teatro, situado en las márgenes de la representación, pone en jaque la idea de argumento y concibe la obra como resultado de la fricción entre los elementos escénicos. Ha escrito y dirigido numerosas obras, entre las que se encuentran Dens in dente (proyecto Museos), Lengua madre sobre fondo blanco, El aire alrededor (Ciclo Biodrama), Inspiratio, Si el destino viene a mí (Proyecto Manual), Kantor (Ciclo Invocaciones), Para el pueblo lo que es del pueblo (en colaboración con Agustina Muñoz), El gran ensayo, Oberek y Blow, una asamblea, por las que ha recibido diversas distinciones. Entre las instituciones que han comisionado y albergado su trabajo se encuentran el Teatro Nacional Cervantes, la Bienal de performance, el Festival Internacional de Buenos Aires, el Complejo Teatral de Buenos Aires, el Teatro Colón, el Malba, el Festival Nueva Opera Buenos Aires, el Hebbel Theatre y el Goethe-Institut. Como curadora, realizó los ciclos Inversión de la carga de la prueba (Centro Cultural Rojas), Una teoría sobre el espacio (Prisma-KH), En el nombre del nombre (Centro Cultural Kirchner), El mundo del espectáculo de Lolo y Lauti (Casa Nacional del Bicentenario), Dreams by Jane Brodie (Centro Cultural Kirchner) y Pintura Inhumana, de Leila Tschopp (Arthaus). Dirigió el área de programación de teatro del Centro Cultural Ricardo Rojas y el Programa Impulso Cazadores de obras en residencia. En la actualidad, tiene a su cargo la dirección artística de la Fundación Cazadores. Sus obras y ensayos han sido publicados por Editorial Teatro Vivo, Libretto, Excursiones y Caja Negra Editora.
Małgorzata Paluch-Cybulska
(Polonia)
Historiadora de arte y especialista en la obra de Tadeusz Kantor, dirige el Museo Tadeusz Kantor, que funciona del Centro de Documentación del Arte de Tadeusz Kantor CRICOTEKA en Cracovia. Paluch-Cybulska ha sido curadora de importantes exposiciones en Polonia y en el extranjero, en las que explora las intersecciones entre el arte visual y el teatro de Kantor. Asimismo, ha sido la curadora de todas sus exposiciones permanentes. Fue la creadora del concepto del museo biográfico de Tadeusz Kantor en Wielopole Skrzyńskie, su lugar de nacimiento. Es autora de textos académicos y estudios sobre la obra visual de Tadeusz Kantor. Museóloga especializada en la conservación de colecciones relacionadas con la obra de Tadeusz Kantor y en el desarrollo de su legado utilizando metodologías contemporáneas. Es profesora en el Programa de Posgrado en Museología del Instituto de Etnología y Antropología Cultural de la Universidad Jagellónica de Cracovia. Participa en conferencias académicas y proyectos de investigación.
Alejandro Tantanian
(Buenos Aires, 1966)
Director, autor, actor, cantante, docente y gestor cultural. Es curador de artes teatrales del Museo Moderno de Buenos Aires desde el año 2015. Ha participado en un centenar de espectáculos de teatro, teatro musical y ópera en la Argentina y el mundo. Sus obras han sido estrenadas en Argentina, Brasil, Uruguay, México, Colombia, Noruega, Francia, Italia, Suiza, España, Bélgica, Austria y Alemania, y traducidas a diferentes idiomas. Ha obtenido diversos premios. Fue cofundador de Panorama Sur, integró el grupo El Periférico de Objetos, fue miembro del Caraja-jí y director general y artístico del Teatro Nacional Cervantes. Entre sus últimos trabajos se encuentran: Máquina teatro (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2025), En mitad de tanto fuego (Buenos Aires, 2025), Esto es teatro. Once escenas experimentales del Di Tella al Parakultural (Museo Moderno, Buenos Aires, 2025), Dulce pájaro de juventud (Montevideo, 2025), El trágico reinado de Eduardo II, la triste muerte de su amado Gaveston, las intrigas de la reina Isabel y el ascenso y caída del arrogante Mortimer (Teatro San Martín, Buenos Aires, 2024-2025), Ernest y Victoria (Ginebra, 2024), Tengo miedo torero (Milán, 2024), El corazón del daño (Madrid-Buenos Aires-Angers, 2023-2024-2025), L7L – Die sieben Irren (Múnich, 2022) y Theodora (Teatro Colón, Buenos Aires, 2021).
