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Escuchar [Sonidos visuales] 2024
2 y 3 de noviembre
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – Auditorio
Festival de experimentación, investigación, promoción, y reivindicación sonora, musical y audiovisual desde una perspectiva innovadora, ligada a la utilización de tecnologías electrónicas y digitales.
Curaduría: Jorge Haro y Leandro Frías
“Escuchar [Sonidos visuales]” es el festival sonoro del Museo Moderno, un espacio de referencia en su género, que se distingue por la cuidada producción alrededor de las prácticas de escucha concentrada en sus diferentes manifestaciones escénicas y performáticas. Esta edición ofrece una serie de conciertos y performances audiovisuales, un taller de improvisación libre y el estreno de una nueva sección llamada Acousmatique, dedicada a la escucha de obras acusmáticas de notables artistas locales e internacionales.
14 h: Escuchar MINI. Oídos atentos, pequeñas y pequeños artistas sonoros
Espacio de experimentación con la escucha para niñas y niños*
Dirigido a niñas y niños de 5 a 8 años
Coordinan: Vanesa Ruffa, Virginia Barquiza, Celeste Cabré y Alejandro Clemente
Escuchar MINI es la sección del festival “Escuchar [Sonidos visuales]” dedicada a las infancias. Promueve experiencias sonoras participativas para niñas y niños. Se trata de un espacio de aproximación a la escucha y al sonido como experiencia estética y como forma de conocimiento.
Este año, Escuchar MINI propone un divertido paseo sonoro en el Museo.
¿Cómo suenan los espacios que nos rodean? ¿Qué nos cuentan los sonidos sobre el lugar en el que suenan? ¿Nosotros también resonamos en esos lugares?, ¿cómo? ¿Se vincula nuestro propio sonido con los sonidos del entorno?, ¿de qué forma? ¿Y el silencio?, ¿cuál será su función en la escucha?
Se trata de una experiencia de escucha atenta que ayude a percibir el ambiente que nos rodea de forma creativa, a través de un paseo, lleno de desafíos y juegos, por la exposición El aprendizaje infinito. Como cierre, ¡cada participante creará su propia cartografía sonora!
Auditorio – Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
San Juan 350 (CABA)
Entrada sin cargo
Capacidad limitada con inscripción previa en https://bit.ly/4fuQIa0
*Este taller forma parte de las actividades abiertas a la comunidad que se ofrecen desde la Maestría en Arte y Estudios Sonoros y la Especialización en Arte Sonoro de la UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero).
María Vanesa Ruffa (Buenos Aires, 1979) Es compositora, clarinetista, educadora e investigadora, maestra nacional de Música (Escuela Nacional de Música J. P. Esnaola), licenciada en Música Contemporánea por la Fundación Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea (CEAMC), licenciada en Ciencias de la Educación por la Universidad del Salvador (USAL), magíster en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales, y tesista de la Maestría en Políticas y Administración de la Educación, en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Es docente y coordinadora académica de la Especialización en Arte Sonoro y la Maestría en Arte y Estudios Sonoros (UNTREF). Fundó y codirige el espacio cultural Domus Artis. Integra la agrupación de música infantil La Banda de Don Florencio. Coordina talleres de experimentación sonora con la escucha para niñas, niños y adolescentes en museos e instituciones educativas.
Virginia Barquiza (Buenos Aires, 1978) Inició sus estudios musicales a los cuatro años en el Collegium Musicum de Buenos Aires. Es maestra nacional de Música (Escuela Nacional de Música J. P. Esnaola). Continuó su formación como intérprete en organismos sinfónicos y populares. Compuso bandas sonoras para teatro y producciones audiovisuales. Como docente de educación musical, ejerce desde 1998 en diferentes niveles educativos. Realizó diversos talleres para infancias —el último, en Acéfala Galería, en el marco de la muestra La escucha a través, donde presentó una instalación sonoro-textil—. Participó con obras radiofónicas, paisajes y micropiezas en diferentes convocatorias latinoamericanas. En la actualidad, se encuentra culminando la Especialización en Arte Sonoro en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF).
Celeste Cabré (Buenos Aires, 1983) Es maestranda en Arte y Estudios Sonoros por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y profesora y licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Es docente e investigadora. Desarrolló propuestas de educación artística interdisciplinaria para la infancia y la adolescencia en instituciones educativas y culturales (Biblioteca del Congreso de la Nación, Museo Nacional de Bellas Artes, Mediateca de la Alianza Francesa). Trabajó en extensión universitaria vinculada a proyectos de investigación en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Actualmente se interesa por el cruce entre las artes y las tecnologías, el lenguaje y la escucha.
Alejandro Clemente (Buenos Aires, 1987) Es músico y docente de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en las áreas de música e informática. Trabaja en proyectos educativos para niños y jóvenes, que integran arte, música, sonido y tecnología. Ha participado en congresos y simposios, y ha realizado publicaciones sobre sus proyectos e investigaciones. Con experiencia en la música popular, ha llevado a cabo producciones musicales para diferentes artistas. Desarrolla contenidos educativos que publica en su canal de YouTube, @profealejandroclemente.
14 h: Taller de improvisación libre dirigido por Cecilia Quinteros y Marcelo von Schultz
Jornada 1
Se explorará la improvisación libre, despojada de referencias estilísticas, con el foco puesto en la escucha profunda, el desarrollo de un criterio propio y el uso de técnicas no convencionales. Los participantes experimentarán con la música como medio de expresión personal, revalorizando el silencio y prescindiendo de estructuras preestablecidas. Así se dará lugar a formas orgánicas, a la vez que se explora la interacción entre intención, azar y error.
Dirigido a músicos con dominio intermedio de su instrumento
Capacidad limitada. Con inscripción previa en: http://bit.ly/4dVSBuy
Cecilia Quinteros (Buenos Aires, 1985) Chelista, improvisadora y compositora argentina, reconocida en el ámbito de la nueva música contemporánea. Su enfoque artístico combina la técnica tradicional del violonchelo con la exploración autodidacta en géneros como el free jazz, el noise y el arte sonoro. Ha integrado grupos como Schmürz, Lo de Martha y The Radiata 5tet, y ha compuesto para cuartetos de chelos. En 2013, se presentó en festivales de jazz en Dinamarca y, en 2015, en el FIME de San Pablo con su propuesta solista Ruido. En 2018, ganó el fondo Ibermúsicas para crear Dimensión híbrida, una obra interdisciplinaria. Su discografía incluye los álbumes Híbrido (2011), dEFYing eRRorS (2013), Sallu (2019) y Narel (2023), entre otros. Ha colaborado con numerosos artistas y su producción refleja una constante evolución y experimentación en la música contemporánea, que la consolida como una figura clave en la escena actual.
https://ceciliaquinteros.wordpress.com/
Marcelo von Schultz (Buenos Aires, 1976) Músico y educador, enfocado en la exploración de la música improvisada, experimental y free jazz. Surgido de la escena musical del oeste de la provincia de Buenos Aires, ha grabado dos discos con Catriel Nievas: Dúo (2014) y Túneles (2016), ambos lanzados por el sello francés Adaptador Records. También formó parte del cuarteto Mokita, que lanzó su primer álbum en el sello Creative Records de Portugal. Colabora con artistas como Cecilia Quinteros, Sergio Merce y Hernán Samá, y ha tocado con los músicos internacionales Dror Feiler y Christian Müller, entre otros. Además, es el impulsor de Impro! Ritual, un sello digital que promueve conciertos y grabaciones de música experimental. Como docente, enseña Percusión Afro latina en la Escuela de Arte de Luján, en la provincia de Buenos Aires.
https://marcelovonschultz.wordpress.com/
19.30 h: Acousmatique. Sesión de escucha profunda*
Francisco López (España), Untitled #385 (2020)
Este nuevo segmento del festival reivindica la escucha concentrada de una obra sin más estímulos que el sonoro, en la oscuridad de la sala. En esta primera escucha se reproducirá Untitled #385, de Francisco López, un referente fundamental del arte sonoro a nivel mundial, reconocido por sus composiciones inmersivas, que transforman las grabaciones de campo –tomadas en ambientes naturales, industriales y otros– en piezas ricas e influyentes, que van desde momentos casi imperceptibles a abismos sonoros de intensidad extrema.
*La sala permanecerá completamente oscura. Una vez iniciada esta sesión de escucha no se podrá ingresar a la
sala.
Francisco López (Madrid, 1964) Reconocido internacionalmente como una de las principales figuras de la escena del arte sonoro y la música experimental. Durante casi cuarenta años ha desarrollado un universo sonoro absolutamente personal e iconoclasta, basado en una profunda escucha del mundo. Ha realizado cientos de conciertos, proyectos con grabaciones ambientales, talleres e instalaciones sonoras en más de setenta países de los seis continentes. Su extenso catálogo de piezas sonoras –con colaboraciones en directo y en estudio de artistas internacionales– ha sido editado por casi 400 sellos de todo el mundo. Ha sido galardonado cuatro veces con menciones honoríficas en el concurso del Festival Ars Electronica y ha recibido el Premio Qwartz 2010 a la mejor antología sonora.
https://www.franciscolopez.net/
20 h: Nodos resonantes. Performance audiovisual
irisS + Zaih Bonetti + Patricia García + Edu Cabrera
Esta propuesta participativa integra al público en el desarrollo de la pieza mediante interfaces web para celulares, que evolucionan junto con el discurso sonoro. En esta versión, tendremos piezas visuales algorítmicas en TouchDesigner, ejecutadas por Zaih Bonetti; flautas, ejecutadas y procesadas en directo por Patricia García; audio livecodeado por irisS, y música electrónica generativa en Ableton Live, a cargo de Edu Cabrera.
irisS (Buenos Aires, 1986) Iris Saladino es música y desarrolladora creativa. Ha realizado livecoding (con música y elementos visuales) durante los últimos seis años, mediante el uso de lenguajes de programación de código abierto y sistemas P2P para mezclar tecnologías, con el objetivo de encontrar nuevas estéticas audiovisuales controladas por el sonido. Además, produce eventos locales, tanto presenciales como digitales, que incluyen presentaciones colectivas y reuniones de livecoding en hacklabs. Ha difundido el livecoding en meetups de tecnología y eventos académicos, mientras viaja por diferentes provincias argentinas para actuar, enseñar y compartir tecnologías y valores del livecoding. Ha participado en festivales de arte electrónico, tanto locales como internacionales, entre ellos: Mutek Argentina y España, Domo Lleno, Piksel, Overkill y Network Music.
https://www.instagram.com/1ri5.5/
Patricia García (Mendoza, 1974) Música. Completó una Maestría en interpretación de la música latinoamericana del siglo XX y una Licenciatura en flauta, ambas en la Universidad Nacional de Cuyo. Está comprometida con la enseñanza y la promoción de la música contemporánea para flauta a través de clases, conciertos y su canal de YouTube.
https://www.instagram.com/pat_fl_/
Zaih Bonetti (Buenos Aires, 1996)
Diseñadora multimedia interesada en el arte generativo y el mundo digital. Se especializa en la creación de experiencias inmersivas mediante TouchDesigner, Blender y otras herramientas de medios digitales, con énfasis en la programación basada en nodos y el diseño multimedia. Su enfoque fusiona formas 2D y 3D a través de secuencias computadas, y combina la síntesis de sonido y la producción musical para lograr productos visuales abstractos y poco complejos. Ha dado charlas sobre TouchDesigner en diversos espacios. Ha presentado su trabajo más reciente, Infomorphism, en el Festival Mutante. Actualmente trabaja como instructora de TouchDesigner y exploran nuevas formas de expresión y el uso innovador de la tecnología para expandir los límites de la creatividad visual y sonora.
https://www.instagram.com/enne.agrama/
21 h. Radiantes. Jam IN SITU
Nicolás Varchausky
En 2023, Nicolás Varchausky fue invitado a participar del segmento “Escuchar [Sonidos visuales]”. IN SITU, donde los artistas componen una obra sonora a partir de grabaciones de campo en el edificio del museo. Esta presentación está inspirada en la obra que compuso el artista en esa ocasión, publicada en el perfil de Spotify del Museo Moderno el año pasado.
Radiantes es una pieza electrónica que propone una escucha del paisaje institucional museístico desde una perspectiva inaudita, al trabajar sobre los campos electromagnéticos captados en diversos espacios de trabajo, salas de exhibición y áreas de mantenimiento del Museo Moderno. La versión en vivo de la pieza utiliza tres transformadores como fuentes sonoras y emplea la electricidad como un oscilador que es procesado digitalmente para reconstruir, variar y expandir la pieza original.
Escuchá Radiantes en Spotify https://bit.ly/4h0cwLt
Nicolás Varchausky (Buenos Aires, 1973) Compositor, artista sonoro y docente-investigador. Realizó un doctorado en Digital Arts and Experimental Media (DXARTS-University of Washington, USA) y es Licenciado en Composición con medios electroacústicos por la Universidad Nacional de Quilmes. Actualmente se desempeña como profesor asociado en esa institución y en la Universidad Nacional Tres de Febrero. Su producción artística incluye instalaciones, performances, proyectos de archivo sonoro y sitio específico y obras electroacústicas e instrumentales. Su obra investiga las relaciones posibles entre sonido, espacio, memoria y palabra hablada en contextos tecnológicos. Dirige el sello de música experimental Inkilino Records. Ha realizado música original para teatro, danza y cine. Recibió la Mención Honorífica en el Prix Ars Electronica y la Beca IBERMÚSICAS; encargos de 48º Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt y el Festival Nueva Ópera Buenos Aires. Recientemente fue artista en residencia en la Cité des Arts de París. https://www.varchausky.com.ar/
14 h: Taller de improvisación libre dirigido por Cecilia Quinteros y Marcelo von Schultz
Jornada 2
Dirigido a músicos con dominio intermedio de su instrumento
Capacidad limitada. Con inscripción previa
Cecilia Quinteros (Buenos Aires, 1985) Chelista, improvisadora y compositora argentina, reconocida en el ámbito de la nueva música contemporánea. Su enfoque artístico combina la técnica tradicional del violonchelo con la exploración autodidacta en géneros como el free jazz, el noise y el arte sonoro. Ha integrado grupos como Schmürz, Lo de Martha y The Radiata 5tet, y ha compuesto para cuartetos de chelos. En 2013, se presentó en festivales de jazz en Dinamarca y, en 2015, en el FIME de San Pablo con su propuesta solista Ruido. En 2018, ganó el fondo Ibermúsicas para crear Dimensión híbrida, una obra interdisciplinaria. Su discografía incluye los álbumes Híbrido (2011), dEFYing eRRorS (2013), Sallu (2019) y Narel (2023), entre otros. Ha colaborado con numerosos artistas y su producción refleja una constante evolución y experimentación en la música contemporánea, que la consolida como una figura clave en la escena actual.
https://ceciliaquinteros.wordpress.com/
Marcelo von Schultz (Buenos Aires, 1976) Músico y educador, enfocado en la exploración de la música improvisada, experimental y free jazz. Surgido de la escena musical del oeste de la provincia de Buenos Aires, ha grabado dos discos con Catriel Nievas: Dúo (2014) y Túneles (2016), ambos lanzados por el sello francés Adaptador Records. También formó parte del cuarteto Mokita, que lanzó su primer álbum en el sello Creative Records de Portugal. Colabora con artistas como Cecilia Quinteros, Sergio Merce y Hernán Samá, y ha tocado con los músicos internacionales Dror Feiler y Christian Müller, entre otros. Además, es el impulsor de Impro! Ritual, un sello digital que promueve conciertos y grabaciones de música experimental. Como docente, enseña Percusión Afro latina en la Escuela de Arte de Luján, en la provincia de Buenos Aires.
https://marcelovonschultz.wordpress.com/
18.30 h. Acousmatique. Sesión de escucha profunda*
Beatriz Ferreyra (Argentina), Esprits de la Terre (2022)
En esta segunda sesión de escucha, presentamos a Beatriz Ferreyra, compositora argentina radicada en Francia, pionera de la música acusmática desde su paso por la escuela de la Musique Concrète, en la que se formó junto a Pierre Schaeffer. Ferreyra es reconocida por su innovador trabajo con cinta magnética para crear complejas texturas sonoras, así como también por sus composiciones más recientes en el dominio digital.
*La sala permanecerá completamente oscura. Una vez iniciada esta sesión de escucha no se podrá ingresar a la
sala.
Beatriz Ferreyra (Córdoba, 1937) Compositora. Estudió piano con Celia Bronstein en Buenos Aires. Posteriormente, se trasladó a París para continuar sus estudios de música con la prestigiosa Nadia Boulanger (profesora de Astor Piazzolla). Estudió asimismo con Edgardo Canton, Earle Brown y György Ligeti en Alemania. En 1963, aceptó un puesto en el departamento de investigación de la Office de Radiodiffusion de la Télévision Française (ORTF), donde trabajó con el Groupe de Recherches Musicales (GRM), dirigido por Pierre Schaeffer. Asistió a Henri Chiarucci y Guy Reibel en la investigación titulada Rapport entre la hauteur et la fondamentale d’un son musical, publicada en 1966 en la Revue Internationale d’Audiologie, así como al trabajo de Pierre Schaeffer sobre Solfage de l’Objet Sonore. Durante este tiempo, también impartió clases en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Trabajó con Bernard Baschet y sus Structures Sonores en 1970, y se desempeñó en el campo de la música electrónica en la Universidad de Dartmouth en 1976 y en 1998. Entre sus obras más destacadas se encuentran Mansiones acuáticas (1967), Siesta blanca (1972) y La rivière des oiseaux (1998), las cuales desarrollan climas únicos que evocan la riqueza de paisajes sonoros naturales. Vive y trabaja en Francia. https://beatrizferreyra.odexpo.com/
19 h: Nòmos. Jam IN SITU
Marcelo de la Fuente
En 2023, Marcelo de la Fuente fue invitado a participar del proyecto IN SITU para componer una obra audiovisual a partir de materiales captados en el ámbito del museo. El artista utilizó esos espacios para dar forma a la pieza Nòmos, ensayo sonoro y visual acerca del Poème symphonique for 100 metronomes, de Györgi Ligeti, que puede verse en el canal de YouTube del Museo Moderno.
Poème Symphonique for 100 metronomes es una obra de 1962, creada por György Ligeti durante su breve paso por el movimiento Fluxus. La pieza original consiste en la instalación de cien metrónomos que, activados simultáneamente, se detienen progresivamente hasta que el último deja de funcionar. El título Nòmos, proveniente del griego antiguo, significa “ley” o “norma”, en referencia a la división justa del tiempo efectuada por un mecanismo. En su versión para concierto, Nòmos se presenta como una ilusión sonora, donde la interacción de ritmos, ahora controlados por un pulso digital, genera efectos de aceleración y desaceleración ficticia.
Mirá Nòmos en YouTube
Marcelo de la Fuente (Buenos Aires, 1962) Artista visual y sonoro, curador e investigador, es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En 1996, recibió el Stipendium des Ludwig Forum für Internationale Kunst en Aachen, Alemania, y en 2002 fue becado para el Taller de Investigación en Gestión Cultural (Proyecto TRAMA). En 2007, obtuvo una residencia en el Taller Experimental de Gráfica (TEG) en Ciudad de México. Desde 2000 hasta 2008 se desempeñó como curador del Centro de Exposiciones de Arte Contemporáneo La Casona de los Olivera. En 2010, recibió la beca Courants du Monde, del Ministerio de Cultura Francés. Fue coordinador de programas en la Dirección de Artes Visuales del Ministerio de Cultura de la Nación (2006-2015) y coordinador del área visuales de la Dirección Nacional de Gestión y Programación (2015 – 2017). Desde 2017, es Responsable del Área de Investigación del Museo Casa de Yrurtia. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y grupales en la Argentina y en el extranjero, así como performances sonoras en el Museo de Arte Moderno y otros espacios destacados. https://marcelodelafuente.bandcamp.com/music
20 h. Megamix Aniversario. Performance audiovisual
ANTIPLAN
La primera performance en vivo de ANTIPLAN, el proyecto audiovisual de Ian Kornfeld, tuvo lugar hace diez años en el Auditorio del Museo Moderno, en el marco de “Escuchar [Sonidos visuales]”. En esta edición aniversario, ANTIPLAN ofrece una performance audiovisual basada en piezas producidas en esta década, en versión remix, en una presentación única e irrepetible.
ANTIPLAN Ian Kornfeld (Buenos Aires, 1977) Artista audiovisual dedicado a la experimentación en video, artes visuales y sonido, especialmente en la intersección de esos lenguajes. En 2000, cofundó la agrupación músico-visual Pornois y presentó su obra en destacados museos y festivales. En 2014, inició ANTIPLAN, su actual proyecto de performance audiovisual, que exhibió en Buenos Aires, Nueva York, Reikiavik y Berlín. Ha colaborado con numerosos artistas, como Juana Molina y Bernhard Reiss. Su obra ha sido exhibida en reconocidos espacios, como Roulette Intermedium (Nueva York), HKW (Berlín), La Gaîté Lyrique (París) y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, entre otros.
https://www.youtube.com/iankornfeld
Festival Escuchar [Sonidos visuales]
Auditorio Museo Moderno
Av. San Juan 350, San Telmo
Capacidad limitada
Entrada (Residentes): $2500
Entrada (Extranjeros Mercosur): $5000
Entrada (Extranjeros): $10000
