MANIFIESTO
1
El poema se afirma en el borde de sí mismo, se llama y se trae de vuelta, para poder persistir, incesantemente, desde su Ya-no-más a su Siempre-todavía.
Paul Celan
Paul Celan escribe “El meridiano” en ocasión de la concesión del premio Georg Büchner, en 1960. En ese discurso, Celan lee la obra de Büchner no como ajena, sino que la hace propia. Celan, poeta –desde el borde de sí mismo– lee a Büchner, dramaturgo. Las reflexiones sobre la poesía abren el campo de percepción de quien lee (o supo escuchar aquel discurso pronunciado el 22 de octubre de 1960 en la ciudad de Darmstadt, Alemania): ya no se habla de poesía sino de poema. Esa manera de nombrar, ese nuevo bautismo permite pensar ya no solo en la poesía: el poema, entonces, es toda expresión artística.
Este ciclo procurará leer el poema del otro como propio.
2
Las artes visuales, desde el borde de sí mismas, leen el teatro; el teatro, desde el borde de sí mismo, lee las artes visuales. Desde la propia mismidad, desde los propios límites se percibe un otro territorio: se ensaya, se experimenta, se prueba ese otro territorio.
Este ciclo propone, entonces, ensayar –desde el borde de sí mismo– territorios aparentemente ajenos, espacios vírgenes, zonas inexploradas, pero entrevistas desde la propia experiencia.
3
La experiencia es una lámpara tenue que solo ilumina a quien la sostiene.
Louis-Ferdinand Céline
Compartir la experiencia, compartir el tiempo, compartir el proceso, la construcción de la obra: imaginar aquello que no tiene forma aún, y permitir el error y alentar el fracaso; convivir con el público en un espacio-tiempo al cual no suele ser invitado.
La experiencia del público iluminará –ojalá– el sendero de la obra.
Este ciclo invita al público a ser parte de la obra.
Este ciclo invita al artista a asomarse al borde de sí mismo para mirar al público a la altura de los ojos.
4
Desacelerar el tiempo, abandonar la búsqueda del resultado: entregarse a la duración del tiempo, al aroma del tiempo.
Que la obra encuentre un cauce en el tiempo, que el público sea parte de ese cauce, le dé forma, construya la temporalidad junto a la obra.
Que la experiencia compartida rija el tiempo.
Intentar pensarse ya no efímero.
Dejar de tenerse solo a sí mismo. La obra y el público, entonces, pueden encontrarse. Y unirse.
Desde el borde de mí mismo percibir que hay algo más allá de mí.
Este ciclo alienta esto que se escribe.
5
Para que en el vacilante intervalo,
para que en lo oscuro haya algo aferrable.
Friedrich Hölderlin
(…)
Alejandro Tantanian
Idea y curaduría: Alejandro Tantanian
Artistas participantes: Martín Flores Cárdenas, Valeria Conte Mac Donnel, Agostina Luz López e Ignacio Bartolone
DEL 11 DE ABRIL AL 4 DE MAYO DE 2025
FUNCIONES REGULARES:
VIERNES, 20 H
SÁBADOS Y DOMINGOS, 16 Y 18 H
SEMANA 1 - viernes 11 al domingo 13 de abril de 2025
Martín Flores Cárdenas
Capítulo I
Si todo lo que evocamos es ficción, ¿qué pasa con aquello que no sabemos o no recordamos? ¿Qué hay de los antecedentes latentes u ocultos, esos que, aun desde las sombras, nos vuelven quienes somos? A partir de una investigación sobre sus antepasados, Flores Cárdenas se propone habitar esos interrogantes y, una vez más, crear su pasado.
Intérprete: Pablo Ragoni
Diseño espacial: Ruslan Alastair Silva
Iluminación: Matías Sendón
Diseño sonoro: Diego Vainer
Diseño de vestuario: Lara Sol Gaudini
Producción audiovisual: Pablo Camaití
Texto y dirección: Martín Flores Cárdenas
Duración: 40 minutos
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Martín Flores Cárdenas es director y dramaturgo. Sus textos han sido traducidos a distintos idiomas y estrenados en teatros y festivales de la Argentina, Alemania, Austria, Bélgica, Francia, Suiza, Polonia, Italia, Estados Unidos, Grecia, España, Portugal, Brasil, México, Uruguay, Chile y Perú. Ha sido reconocido con los Premios Teatro del Mundo y nominado a los premios ACE, Florencio Sánchez y Trinidad Guevara. Suele colaborar en proyectos de otros artistas en diferentes áreas. Trabajó como dramaturgo en Fuck me y Kill me, de Marina Otero. Junto con ella, además, escribió y dirigió la obra Love me. A fines del 2021 estrenó No hay banda —pieza que ha recorrido distintos teatros y festivales nacionales e internacionales— y, en el 2023, La fuerza de la gravedad. Los tres últimos espectáculos se estrenaron en Casa Teatro Estudio, sala que cura y administra junto al escenógrafo brasileño Ruslan Alastair Silva.
SEMANA 2 - viernes 18 al domingo 20 de abril de 2025
Valeria Conte Mac Donell
La medusa, el hilo, la espiral y la araña
Una performance en blanco y negro. Una operaria con mameluco negro, una patinadora, una bailarina y fantasmas construyen cuadros vivos que se desplazan por el espacio oscuro de la sala, entre líneas blancas de alambre, manos alargadas y máscaras ambiguas. Esta investigación propone espacios invertidos, desplazamientos hacia atrás, caídas en diagonal, sonidos sugerentes con voces alteradas que transmiten un cuento imposible de contar. Una visión que despega del presente y se instala en la oscuridad de la ilusión.
Intérpretes: Antonella Destéfano, Nadia Cymeryng, Horacio Villa, Valeria Conte Mac Donell y María Lugones
Diseño sonoro: Horacio Villa
Diseño de iluminación: Leonor Bedel
Idea y dirección: Valeria Conte Mac Donell y Círculo inusual
Duración: 30 minutos
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Valeria Conte Mac Donell nació en Buenos Aires, en 1977. Vive en San Martín de los Andes, provincia del Neuquén. Es Profesora Nacional de Bellas Artes. Ha formado parte de residencias y clínicas en diversas ciudades, como Seúl, Valdivia, Paraná, Córdoba y Neuquén. Su práctica cuestiona los límites del dibujo; desde hace unos años, trabaja con obras de gran formato realizadas mediante acciones performáticas. Entre sus obras más importantes se cuentan Palomo (2012), El frío va a pasar (2013), Que el cielo sea el fondo (2015) y Cómo abandonar un barco (2020). Desde mediados de los años 2000, participó en numerosas exhibiciones en instituciones nacionales e internacionales, y obtuvo, entre otros reconocimientos, el Premio a las Artes Visuales de la Fundación Santander (2025), el Premio Konex (2022), la Mención Especial en el 111o Salón Nacional en Espacio no Disciplinario (2023), el 3er Premio en el 101o Salón Nacional en Nuevos Soportes (2012), la Mención del Jurado en el XV Premio Fundación Klemm (2011) y el Premio Rioplatense de Artes Visuales de la Fundación OSDE (2004). Formó parte de exhibiciones en espacios como el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo (Seúl, Corea del Sur), Museo de las Américas (Washington DC, Estados Unidos), Consulado de la Argentina en Nueva York (Nueva York, Estados Unidos), Museo de Imagen y Sonido (San Pablo, Brasil), Centro Cultural Kirchner (Buenos Aires, Argentina), Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, Argentina) y Museo Castagnino+Macro (Rosario, Santa Fe, Argentina).
SEMANA 3 - viernes 25 al domingo 27 de abril de 2025
Agostina Luz López
Un gigante rojo
A medida que desprenda radiaciones y se expanda hasta llegar a ser un gigante rojo, nuestra estrella agonizante brillará como no lo ha hecho nunca antes. En su luminosidad, el Sol generará un calor inmenso, que hará hervir y evaporar los océanos de la Tierra, destruyendo la atmósfera y fundiendo la superficie granítica y las rocas basálticas. Es de suponer que, entonces, a nuestro Sol se le acabará el combustible. En sus últimas fases, se encogerá hasta un tamaño centenares de veces inferior al actual por efecto de la gravedad hasta convertirse en una densa enana blanca, un minúsculo rescoldo ya consumido en el vasto y ardiente universo.
Cuando la Tierra se destruya, hirviendo sus océanos por los últimos estallidos de un Sol decadente, solamente se salvarán aquellas formas de vida que hayan ido más allá del propio planeta o que se hayan protegido de alguna manera.
La última sobreviviente de esta Tierra se encuentra con un ser de otro planeta, e intercambian gestos, lenguajes y emociones en una transacción hipnótica.
Intérpretes: María Alché y Paula Trama
Dirección de arte: Endi Ruiz
Producción: Giuliana Migale Rocco y Emilia Cortelletti
Idea y dirección: Agostina Luz López
Movimiento: Manuel Attwell
Duración: 50 minutos
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Agostina Luz López es escritora y directora de teatro. Sus obras dan cuenta de los vínculos entre los seres humanos, atravesados por lo salvaje y la vulnerabilidad. La singularidad de sus proyectos reside en ritualizar espacios liminares, como estar entre la vida y la muerte, la infancia y la adultez, la Tierra y otros planetas, la ficción y la realidad. Escribió y dirigió Mi propia playa, La laguna, Los milagros, Animal romántico, Animal anterior y Jardín fantástico. En la Argentina, sus obras se presentaron en lugares como El Camarín de las Musas, Elefante Club de Teatro, El Extranjero, Timbre 4, el Centro Cultural San Martín y el Teatro Sarmiento (del Complejo Teatral de Buenos Aires). Y, fuera del país, en los festivales Zürcher Theater Spektakel (Zúrich, Suiza), el festival de artes performáticas Noorderzon (Groningen, Holanda), el festival Dois Pontos (Río de Janeiro, Brasil), el Royal Court Theatre (Londres, Inglaterra) y el FITEI-Festival Internacional de Teatro de Expressão Iberica (Oporto, Portugal). Recibió el premio Florencio Sánchez y el premio S a la creación. Fue nominada al ZKB Patronage Prize. Participó de una residencia de escritura en el Centro de Arte Camac (París, Francia), donde terminó de escribir su primera novela, Weiwei (NoTanPuan, 2017). Es autora, además, del libro de relatos Otro planeta (Rosa Iceberg, 2021). Sus obras de teatro se publicaron en Como un espejo (Mansalva, 2021). Desde el 2022 trabaja en el proyecto Jardín Fantástico. En Buenos Aires, dirige el espacio interdisciplinario Zelaya, donde distintos artistas realizan experimentos que los apartan del quehacer habitual de sus prácticas.
SEMANA 4 - viernes 2 de mayo al domingo 4 de mayo de 2025
Ignacio Bartolone
Bailan como muñecos mis anhelos por volver a la escuela
Unos niños viejos con delantales negros se abren paso en una noche de blanca oscuridad.
La voz macabra de un maestro enigmático los guía hacia el inimaginable país de la educación pública.
Intérpretes: Gogó Maldini, Eugenio Schcolnicov, Jorge Eiro y Manuel Attwell
Asistencia y producción: Malena Schnitzer
Escenografía y vestuario: Merlina Molina Castaño
Asistencia técnica de escenografía: Jorge Sesán
Música en vivo y composición: Sebastián Sonenblum
Asistencia en escena: Violeta Sofia Postolski
Texto y dirección: Ignacio Bartolone
Duración: 40 minutos
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Ignacio Bartolone es director, autor y profesor de Dramaturgia. Algunas de sus obras son Piedra sentada pata corrida, La piel del poema, La madre del desierto y La obra pública, que llevan ya varias temporadas y han obtenido premios como el Germán Rozenmacher y el de la Bienal de Arte Joven, y menciones en los Premios Teatro del Mundo. Sus obras también han participado de festivales internacionales. Desde hace años, dicta talleres de escritura dramática y de teoría estética aplicada a la dramaturgia.