Kilometer 1

Kilometro 1 is the Museo Moderno’s new proposal to connect with the San Telmo neighbourhood. Its objective is to make visible, single out, value and promote the artists and studios, and the creative, social and cultural proposals of the community in our neighbourhood.

The Museum reaches out to our neighbours through a series of actions and it connects – through its educational, artistic and editorial programs – with San Telmo’s institutions, markets, temples, park, square, and with its specific audiences: children, youth, adults, the economically and socially vulnerable, educators and health personnel, and their desires and needs.

KM1 en Palacio México

Taller Pólvora
Taller Pólvora
Taller Pólvora
Taller Pólvora
vista de la exposición Artillería, 2021
Vista de la exposición Equinoccio, 2020
Vista de la exposición Equinoccio, 2020
Taller de Josefina Labourt
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Fotografía: Agustina Puricelli

KM1 presenta Palacio México, un espacio para talleres de artistas que funciona en México 1308, una gran casa del siglo XIX en la que residió el embajador de Brasil hasta 1917.

Desde hace veinte años, Palacio México es utilizado como espacio de talleres. En las habitaciones ornamentadas con vitrales azules y rojos traídos de Inglaterra, techos altos y molduras de madera, se ubican los espacios en los que trabajan ceramistas, restauradores y artistas.

En todos estos años han trabajado muchos artistas, entre ellos Pablo Siquier y Jorge Macchi. Actualmente, los talleres son autogestionados por artistas de diferentes generaciones y oficios, como Hernán Rojo, Amparo Viau, Fernando Lancelloti, Daniela Raggio, Calipso Cerámicas y Tomás Vidal, junto con Julia Padilla, Antonella Agesta y Aurora Castillo, quienes participaron recientemente del programa KM1.

KM1 en Pólvora

Taller Pólvora
Taller Pólvora
Taller Pólvora
Taller Pólvora
vista de la exposición Artillería, 2021
Vista de la exposición Equinoccio, 2020
Vista de la exposición Equinoccio, 2020
Taller de Josefina Labourt
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Fotografía: Agustina Puricelli

KM1 presenta Pólvora, un espacio para talleres de artistas situado en Venezuela 720, en un gran edificio que anteriormente fue utilizado como pista de baile de milongas y como fábrica de bañeras.

Pólvora es uno de los espacios nacidos en el contexto de la pandemia para satisfacer la necesidad de crear un lugar de encuentro y diálogo entre artistas. En una gran sala de arquitectura fabril se ubican uno junto al otro los espacios de dieciséis artistas que trabajan allí en la actualidad. Los artistas Nadia Martynovich, Ivan Enkin y Alfio Demestre impulsaron este proyecto en 2020 con la intención de convertir las salas del edificio en un espacio de producción, exposiciones, estudios abiertos, presentaciones de libros, ciclos de cine y charlas. Desde su apertura, se realizaron tres exposiciones colectivas: Equinoccio y Solsticio, en 2020, y Artillería, en 2021.

Artistas que producen en Pólvora: Gaspar Acebo, Eugenia Hernández, Julián Matta, Ailen Ibarra, Hernán Kacew, Lukas Rimsky, Johanna Borchardt, Amelia Barros, Mariana Bersten, Agustina Puricelli, Micaela Iribarren, Lucas Barrer y Ernesto Alli, quien participó recientemente en el Programa KM1.

KM1 en La Verdi

Taller de Magdalena Petroni
Espacio de usos comunes
Taller de Alfredo Dufour
Taller de Carlos Cima
Encuentro con artistas y Mónica Mayer (residente de México), 2018
Taller de Agustina Leal
Taller de Rocío Englender
Taller de Josefina Labourt
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Todas las imágenes pertenecen al archivo de La Verdi.

KM1 te acerca a la obra de artistas de la ciudad a través de sitios que forman parte del mapa artístico y cultural de San Telmo.

Presentamos La Verdi, un espacio de talleres y actividades culturales que funciona desde 2014 en Av. Almirante Brown 726, en la primera planta del centenario Teatro Verdi, pleno barrio de La Boca.

La Verdi es un proyecto colectivo, un espacio de residencias y talleres de artistas, coordinado por Ana Gallardo y Magdalena Petroni. Es un espacio en el que se realizan también actividades públicas como muestras, lecturas, festivales de cine y música, y encuentros de intercambio, debate y construcción de comunidad.

En 2017, La Verdi comenzó un programa de residencias internacionales que derivó en la apertura de una sede en Ciudad de México, donde realizan actividades culturales y residencias que generan un intercambio entre artistas argentinos y mexicanos.

En la actualidad, hay once artistas que tienen en La Verdi su espacio de trabajo, entre ellos, Alfredo Dufour, quien participó recientemente en el programa KM1 del Museo Moderno, Carlos Cima, Martín Farnholc Halley, Antonio Villa, Martín Fernández, Constanza Giuliani, Josefina Labourt, Manuela Aramburu, Agustina Leal, Magdalena Petroni y Rocío Englender.

KM1 en Brasil 675

Taller de Lucila Gradin
Vista del hall de ingreso
Taller de Emilia de las Carreras
Exposición Maniobras focales, de Francisco Montes
Taller de María Carballo
Taller de Sofía Gallo
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Fotografías Julián Terán y Francisco Montes, cortesía de Brasil 675, 2021 

KM1 te acerca a la obra de artistas de la ciudad a través de sitios que forman parte del mapa artístico y cultural de San Telmo.

Hoy presentamos Brasil 675, un espacio de talleres de artistas dentro de una casona antigua sobre Av. Brasil, muy cerca del Parque Lezama.

La casa, de gran valor patrimonial, tiene tres pisos y una decena de habitaciones. Aunque fue originalmente construida para una familia por los arquitectos Lanús y Hary, durante muchos años tuvo diferentes funciones, como hostel y albergue de adultos mayores. En 2015 comenzó a funcionar Casa Zur, con eventos culturales aislados, muestras de arte y música. Ese mismo año comenzó a ser sede de talleres de la residencia URRA, donde confluyeron artistas de todo el mundo. Entre 2016 y 2019, con varios espacios restaurados, Casa Zur posibilitó el establecimiento de estudios permanentes para artistas argentinos.

Desde 2020, en el contexto de la pandemia, el espacio cambió y sus miembros conformaron el grupo Brasil 675, con la intención de instalar nuevos talleres. El proyecto actual abarca el edificio en su totalidad, donde tienen sus talleres Emilia de las Carreras y Francisco Montes, quienes participaron recientemente del programa KM1, María Carballo, Cervio Martini, Julián Terán, Sofía Gallo y Lucila Gradin. También se realizan exposiciones temporales, estudios abiertos e intervenciones de espacios específicos de la casa por artistas invitados.

KM1 en Boca de fuego

Fachada Munar Arte
Talleres Boca de fuego
Taller de Aurora Castillo en Boca de fuego
Taller de Ulises Mazzucca en Boca de fuego, 2020
Ulises Mazzucca, Magia en mi cuarto, 2021, tiza pastel sobre papel, 100 x 100 cm
Taller de Ulises Mazzucca en Boca de fuego, 2019.
Taller de Laura Códega en Boca de fuego, 2019
Taller de Cartón Pintado en Boca de fuego, 2021
Detalles de obras de Cartón Pintado en Boca de fuego, 2021
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(Fotos: 1 a 4 y 6 a 9, de Joaquín Wall; 4, de Sol Navedo. Cortesía Munar)

KM1 te acerca a la obra de artistas de la ciudad a través de sitios que forman parte del mapa artístico y cultural del barrio San Telmo.

Hoy presentamos Boca de fuego, un espacio de talleres para artistas cercano al barrio, que funciona desde 2018 en Munar Arte, ubicado en Av. Pedro de Mendoza 1555, frente al icónico transbordador de La Boca.
En el primer piso, nueve artistas trabajan y desarrollan sus obras durante dos años. El artista Carlos Herrera, director artístico de Munar, realiza también la coordinación de las actividades. El objetivo es acompañar la producción de artistas jóvenes cuyas obras tienen un fuerte vínculo con los materiales, las técnicas y los oficios.

Boca de fuego es un espacio abierto sin puertas divisorias, único para estimular el encuentro y el trabajo grupal. Allí fueron producidas todas las obras que participan en la exposición Ulises Mazzucca: Gimnasia espiritual, que puede visitarse en el Museo Moderno. Mazzuca ha compartido este taller junto a muchos otros, como Cartón Pintado y Aurora Castillo, quienes participaron recientemente en el programa KM1 exponiendo sus obras en distintas locaciones del barrio de San Telmo. Artistas residentes 2020-2021: Cartón Pintado, Inés Beninca, Jazmín Kullock, Matisto, Nazareno Pereyra y Stella Ticera.

KM1 en la Basílica San Francisco

Horacio Butler, La glorificación de San Francisco (detalle), 1972, tapiz, 1200 x 800 cm
Horacio Butler, La glorificación de San Francisco, 1972, tapiz, 1200 x 800 cm
Grabado alegórico sobre la Orden Franciscana
Operarios confeccionando el tapiz: Leonardo Riveros, Antonio Falcón, Isaías Cativa y Rafael Alcar
Horacio Butler, La casa violeta, s/f, bordado sobre tela, 113,5 x 136 cm. Colección Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Fachada Basílica San Francisco
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(Fotografías: 1 y 6, Guido Limardo; 2, 3 y 4, Archivo Basílica San Francisco)

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Presentamos a Horacio Butler, autor del tapiz que corona el altar de la Basílica San Francisco, ubicada en Adolfo Alsina 380. El tapiz de grandes dimensiones fue encargado para ocupar el altar central, que había sido destruido diez años antes, en los incendios de 1955. La glorificación de San Francisco sorprende por sus 12 x 8 metros. Su realización, a cargo de un conjunto de operarios bajo la supervisión de Butler y la dirección de Santiago Larochette, llevó varios años. El tapiz fue emplazado el 4 de octubre de 1972.

La composición se basa en un grabado alegórico sobre la Orden Franciscana. En la parte superior, la Virgen se apoya sobre un árbol florecido y espinoso que envuelve, más abajo, la imagen de San Francisco junto a flores y pájaros.

Butler había comenzado a trabajar en el desarrollo de las artes aplicadas como forma de dar continuidad a las actividades manuales en una era de avance de la producción industrial de objetos culturales. Realizó muchos otros tapices con imágenes de gran síntesis formal y exquisitas composiciones cromáticas, para los que tomó motivos de su entorno en la zona de Tigre, donde se había instalado. Un ejemplo es La casa violeta, que forma parte de la colección del Museo Moderno desde 1968.

KM1 en Fundación Forner-Bigatti

Raquel Forner en su taller, fotografía: Leonor Marsicano, 1976, Archivo Fundación Forner-Bigatti.
Raquel Forner, Astromutación, 1969, óleo sobre tela, Col. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Raquel Forner, La torre, 1959, óleo sobre tela, Col. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Taller Raquel Forner, fotografía: Gustavo Sosa Pinilla, Archivo Fundación Forner-Bigatti.
Fachada Fundación Forner-Bigatti, Bethlem 443, Archivo Fundación Forner-Bigatti.
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KM1 te propone encontrarte con la obra de artistas de la ciudad en sitios que forman parte del mapa artístico y cultural de San Telmo.

Hoy presentamos a Raquel Forner, quien produjo buena parte de su obra en el barrio de San Telmo. La casa-taller que compartió junto a su esposo, el escultor Alfredo Bigatti, es en la actualidad un espacio cultural dedicado a la difusión y conservación del legado de estos artistas.

La Fundación Forner-Bigatti, ubicada frente a la plaza Dorrego, fue creada en 1982. La casa, construida por Alejo Martínez e inspirada en las ideas del arquitecto modernista Le Corbusier, fue el espacio donde vivieron y trabajaron ambos artistas desde 1937.

La colección del Museo Moderno cuenta con las obras Astromutación, de 1969, y La torre, de 1959. Ambas forman parte de una serie de gran potencia imaginativa que Forner comenzó en la década del cincuenta, cuando se interesó por los viajes espaciales e imaginó seres que habitan otros planetas diferentes al nuestro. Esta serie, considerada absolutamente contemporánea al mismo tiempo que profética, se potenció aún más durante la carrera espacial de los años sesenta y la llegada del hombre a la luna, en 1969. Aún se conservan algunas obras de esta serie en el taller de la artista, junto a algunos de sus materiales de trabajo, como aparecen en el registro actual y en la fotografía de 1976.

La silla - Silvina Babich

Silvina Babich (Burzaco, 1969) estudió Bellas Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Se ha desarrollado como artista y curadora focalizándose en el vínculo entre naturaleza y cultura en las áreas ribereñas de distintas partes del mundo y, en particular, de la cuenca del Río de la Plata. Alrededor de la figura del río crea programas transdisciplinarios que unen tecnologías artesanales y performáticas. Desde hace varios años se capacita e investiga con artesanos y productores sobre fibras naturales, sus usos y aplicaciones. Es fundadora y regente de Ala Plástica, organización artístico-ambiental que conecta métodos ecológicos, sociales y artísticos, y de Base Riachuelo Programa Estuario, espacio multidisciplinar que explora los cruces entre arte y comunidad. Sus proyectos se han exhibido tanto en la Argentina como en Uruguay, Alemania, Inglaterra, entre otros países. En 1992 inició su proyecto La silla, que continúa hasta la actualidad.

Silvina Babich desarrolla su obra en torno a los cruces entre naturaleza y cultura, centrándose en las áreas ribereñas de distintas partes del mundo y, en particular, de la cuenca del Río de la Plata. En 1992 inició su proyecto La silla, en el que recolecta sillas desechadas, rotas y en desuso y las rehabilita con la técnica tradicional del tejido en junco, una planta larga y fibrosa que es la primera que coloniza las costas de los ríos. En relación con las zonas hídricas, este material ha sido utilizado para la manufactura de cestería desde tiempos ancestrales.

A partir de la revalorización de este oficio, Babich crea acciones en las que enseña la técnica en espacios públicos con la intención de revalorizar lo comunitario y la transmisión oral de saberes y oficios. Con su acción devuelve la utilidad a las sillas descartadas, consideradas como basura, para postular una interrogación sobre la vida útil de los objetos.

Para KM1 la artista ubicó varias de sus sillas tejidas en la vereda de Bolívar y Chile en el barrio de San Telmo, recreando el camino sinuoso del arroyo que solía pasar en tiempos de la colonia por este lugar y que hoy corre bajo tierra. Luego se sentó a tejer generando un momento interactivo en el que los transeúntes podían acercarse, preguntar, conversar y aprender la técnica.

Con su obra, Babich genera un diálogo entre la orilla de la calle y la orilla del río, redimensionando el espacio público e incluyendo las cuencas hidrográficas dentro del imaginario urbano y colectivo. La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Al don pirulero - Ernesto Alli

Ernesto Alli (Quilmes, 1981) es egresado de la Licenciatura y Profesorado en Artes Visuales de la Universidad Nacional de las Artes. Cursó la Beca Yungas, coordinada por Raúl Flores bajo la tutoría de Lolo y Lauti (2019-2020). Participó en el Programa PAC en Galería Gachi Prieto (2019). Participó en la residencia Kooshk Residency en Teherán, Irán, en donde realizó una muestra individual en la galería Ogallery (2018). Obtuvo la Mención Especial del Premio de pintura Banco Central (2019) y la Mención del Premio Estímulo a la Performance Colección Brun-Cattaneo. Participó en las muestras colectivas Yungas La Prensa, en el edificio La Prensa (2021); Mi vereda edición 6, curada por Vale Vilar (2020), y Testimonios de lo que solía ser, en Galería Gachi Prieto (2019), entre otras. Sus obras forman parte de varias colecciones privadas. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Ernesto Alli desarrolla sus obras en torno al imaginario de las ferias medievales y las tradiciones que llegan hasta nuestros días a partir de ellas. Estas ferias temáticas contemporáneas simbolizan para el artista una intersección entre el pasado y el presente y un espacio para el juego y la imaginación. Alli usa como referencia objetos que han perdurado en el tiempo y los retoma en un acto nostálgico. Como parte de este proceso, en los últimos años ha realizado una serie de esculturas en las que cambia la escala de objetos cotidianos para acentuar su aspecto fantástico.

En su participación en el programa KM1, Alli presenta su obra Al don pirulero, un emplazamiento de dos esculturas de resina de 190 cm de largo conla forma de los chupetines conocidos como “pirulines”, ubicadas en el área de juegos del Parque Lezama. Los dos pirulines gigantes se emplazaron en las hamacas y en el subibaja, vinculando el arte con el juego, el humor y la imaginación.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Registro superficial - Julia Volpato

Julia Volpato (Buenos Aires, 1992) se formó como diseñadora industrial y asistió a talleres y clínicas con distintos artistas. En 2017, su obra Rodamientos recibió el primer premio de la 15º edición del certamen Proyecto A. En 2018, obtuvo una beca para realizar una residencia de tres meses en la Fundación Armando Alvares Penteado, en São Paulo. Durante ese mismo año, participó en el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella y fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas, Buenos Aires. En 2019, realizó xx, su primera exposición individual en la ciudad de Bogotá. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Julia Volpato toma materiales y procedimientos del diseño industrial y los aplica al arte. En los últimos años, ha desarrollado una serie de calcos escultóricos de tapas de cloacas y tendidos eléctricos. Para realizarlos, sigue un procedimiento que consiste en elegir las tapas que le interesan, ya sea por su dibujo reticular o por la forma de sus inscripciones, y realizar sobre ellas un frottage, técnica en la que se frota una tiza sobre un papel colocado sobre la pieza a calcar. El resultado es el registro de la forma y textura de la tapa elegida, que luego se transfiere a placas de madera que son caladas y pintadas para darles un aspecto de hierro brillante.

Para su participación en KM1, Volpato decidió exhibir al público este proceso, convirtiéndolo en una acción performática y una intervención urbana. La artista realizó una serie de registros de tapas de las calles de San Telmo que permanecieron en la vía pública exhibidos en una valla publicitaria del barrio para que los transeúntes pudieran observarlos y llevárselos a sus casas. Asimismo, como un gesto de reconocimiento hacia una zona de la ciudad que solía dedicarse a la producción industrial, la artista ubicó una de sus esculturas en la intersección entre Av. Paseo Colón y Av. Martin García, un enclave donde solía haber fábricas.

La acción forma parte del programa Km1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Confitería - Alfredo Dufour

Alfredo Dufour (San Juan, 1989) es Licenciado en Artes Plásticas, egresado de la UNCuyo, Mendoza. Realizó las residencias MARCO Arte Foco, Fundación Tres Pinos, Bs. As. (2018/19) y Can Serrat, Barcelona (2017). Asistió al Programa de Artistas Universidad Torcuato Di Tella (2016) y Yungas (2013). Fue seleccionado en la Primera Bienal Nacional de Dibujo del Museo de Bellas Artes Franklin Rawson (2019), el Premio Fundación Fortabat (2019), el Premio Braque, (2019) y el Salón Rosa Galisteo (2017). Ganó la Beca de Formación del FNA (2016) y obtuvo la mención especial del jurado en el Salón de Pintura Banco Central (2015). Participó en el Salón Nacional de dibujo (2015) y en el premio Fundación Andreani (2015). Realizó las muestras No me digas entiendo, en MARCO (2019); Germán, Galería Constitución (2018); Las cosas simples, en el Museo Franklin Rawson de San Juan (2018); Dibujos animados, en Imagen Galería (2016), y Diciendo mentiras por David Bowie, en Centro Cultural Julio Le Parc (2013). Vive y trabaja en Buenos Aires. ​

Confitería es el título de la intervención de Alfredo Dufour en el Bar Británico, uno de los cafés notables del barrio de San Telmo. Dufour eligió transformar este espacio con su serie escultórica de medialunas y limones. En estas piezas, los materiales y artículos cercanos al mundo de las manualidades, como pelotas o telgopor, se trasladan al lenguaje de la escultura generando escenas surreales y cambiando el uso habitual de los objetos.

Con su obra, Dufour resaltó la belleza de los alimentos subrayando su lado pintoresco. La entrada del bar fue ornamentada con una gran bandeja negra con destellos blancos, que puede ser vista como una noche estrellada o como una clásica asadera enlozada. En el centro de esa superficie, una medialuna flota solitaria. Esta obra inicia la instalación que se despliega en las mesas, en la barra y las ventanas del bar.
En sus piezas, Dufour congela pequeños instantes cotidianos, como sumergir una medialuna en el café con leche o servir una docena de facturas en un plato, que se convierten en un hecho escultórico. Con su acción, el artista genera un vínculo entre la poética del arte contemporáneo y la de uno de los cafés más tradicionales del barrio.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Piel rizoma - Julia Padilla

Julia Padilla (Buenos Aires, 1991) realizó clínica de obra con Ernesto Ballesteros y José Luis Landet, y programas de formación como Artistas x Artistas (fundación El Mirador), PAC (Gachi Prieto Galería) y ABC (Pan y arte). Obtuvo una beca de la UNDAV para realizar la Maestría de Estéticas Contemporáneas Latinoamericanas (CIA). Acudió al taller Spooky Visión, dictado por Nicanor Aráoz y Flavia Da Rin. Tomó talleres de escritura con María Gainza y Silvia Gurfein. Realizó muestras individuales en Fundación El Mirador, Naranja verde y Gachi Prieto Galería. Forma parte de muestras colectivas en el Centro Cultural Recoleta, Munar, Cecilia Caballero, Granate galería y Panal 361. Participó en los premios UADE, Fundación Andreani, Fundación Williams (textil y de escultura), Ópera Prima en la Casa del Bicentenario, Proyecto A y la Bienal de arte joven.

Julia Padilla intervino el Parque Lezama con su instalación Piel rizoma, en la que una serie de piezas entraron en diálogo con el espacio verde. Su obra se caracteriza por el encuentro de texturas y formas que despiertan el sentido del tacto. Esculturas que parecen huevos, insectos, frutos, orejas o bichos desconocidos fueron ubicadas por la artista entre árboles y raíces. Así, estas criaturas híbridas y extrañas se camuflaron con el ecosistema.

Cada uno de los objetos de Padilla remite a una morfología primaria, compartida por animales y plantas. En su obra, la artista fusiona materiales orgánicos y artificiales, generando conexiones y vínculos entre lo humano y lo no humano.

Para su instalación, Padilla eligió dos zonas del parque para señalar la extrañeza de sus árboles y la flora y fauna que lo habitan. Entre estos, se destaca el llamado “árbol de papel”, en el que ubicó en una rama un objeto que parecía un extraño fruto blando del que pende un mechón de pelo. En otra área verde del parque, colocó dos esculturas en forma de oreja para escuchar atentamente los sonidos del parque.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Harapos Diabla - Emilia de las Carreras

Emilia de las Carreras (Buenos Aires, 1989) es artista visual. Realizó clínicas de obra con Fabiana Barreda, Osías Yanov, Luciana Lamothe y Ernesto Ballesteros. Participó en muestras colectivas en espacios como Centro Munar, Museo de Arte MBA MAC de Bahía Blanca, La Verdi, galería El Mirador, entre otros. Participó en la Beca ABC 2014 y Proyecto PAC, y fue becada en 2018 para el programa de formación de Artistas x Artistas, dirigido por Florencia Rodríguez Giles y Tomás Espina. Asistió a la clínica Spooky Visión, a cargo de Nicanor Aráoz y Flavia da Rin. En 2015, ganó el concurso Proyecto A, con el que realizó Luego, su última muestra individual. En 2019, fue seleccionada por la Bienal de Arte Joven y Premio Itaú Cultural. Es parte del equipo docente de Vergel, en el programa “Pintando en el Hospital”. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Convocada por el Museo Moderno, Emilia de las Carreras presenta Harapos diabla, obra perteneciente a una serie de móviles de gran formato, en los que la artista usa diferentes elementos recolectados en sus caminatas diarias, como chapitas metálicas o alas de mariposas, y cabellos trenzados propios y de sus amigos. Al concentrarse en lo que normalmente es desechado o ignorado, de las Carreras teje una constelación de los espacios que transita y, a la vez, les da nueva vida y movilidad a los objetos.

De las Carreras se define como una artista “ciruja”. Durante sus recorridos está siempre mirando el suelo, recogiendo pequeños tesoros que transforma luego en material para su obra, que confecciona como si se tratase de un ritual. Así, la artista se relaciona en forma afectiva con los objetos y resalta su vulnerabilidad y resistencia.

El móvil, de más de dos metros de largo, fue ubicado frente a la Nueva Librería, en la intersección de las calles Balcarce y Estados Unidos. La pared naranja le sirvió de fondo y de sostén para que el móvil cobrara vida y pendulara con el viento y para llevar a gran escala parte del micromundo urbano.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Bijouterie para camiones Real State - Daniel Basso

Daniel Basso (Mar del Plata, 1974) cursó estudios de pintura en la Escuela Superior de Artes Visuales de Mar del Plata. Fue becado por Fundación Antorchas, el Fondo Nacional de las Artes, Fundación Telefónica, TRAMA (patrocinado por la Rijk Academie) y el Ministerio de Cultura de la Nación. Realizó las exposiciones individuales Bijouterie para camiones (Galería Appetite, Bs. As., 2008), Tour blando (Centro Cultural Recoleta, Bs. As., 2016) Maple&Co. (Fundación OSDE, 2017), Richmond, Reggo, Real (Galería The White Lodge, Córdoba, 2018) Farola. Tapiz. Túnica (Calvaresi Contemporáneo, Bs. As., 2019), entre otras. Ha mostrado su trabajo en forma colectiva en numerosas exposiciones, bienales, ferias y salones. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. En 2017 fue seleccionado para el premio Braque y en 2019 recibió el primer Premio Itaú en Artes Visuales. Realizó una residencia de tres meses en Atelier Mondial, Basilea, Suiza, y en 2009, junto al artista Juan José Souto, fundó en Mar del Plata el proyecto Mundo Dios, referencia del arte contemporáneo a nivel nacional. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Daniel Basso es un artista marplatense de gran trayectoria. Su obra se centra en el desarrollo de piezas escultóricas entre lo decorativo y lo utilitario. Basso toma como referencia el estilo decorativo de los chalets de Mar del Plata construidos en los años cincuenta y sesenta, haciendo especial foco en sus molduras y materiales característicos.

Para KM1, el artista presenta Bijouterie para camiones Real State, una intervención sobre el frente de un camión de mudanzas con piezas inspiradas en columnas arquitectónicas y una gran joya de acrílico brillante. Con esta acción, Basso genera una doble transformación de los objetos. Por un lado, cambia el contexto y la escala de los elementos arquitectónicos convirtiéndolos en joyas preciosas y, por otro, utiliza el camión como cuerpo y soporte. Los espejos del camión se convierten en orejas y el frente, en la base para un gran prendedor.

Aunque esta serie fue exhibida en la galería Apettite en 2008, esta es la primera vez que se presenta en un vehículo en una calle de la ciudad de Buenos Aires. Al exhibir las obras en el espacio público, se concreta la intención del artista de exhibir esta bijouterie para camiones en el soporte y en el espacio para los que fue diseñada.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Onda Fixie - Cartón Pintado

Mariano Altamirano (Buenos Aires, 1988), conocido como Cartón pintado, es pintor y músico autodidacta. Se inició en el arte pintando en su habitación unos grandes cartones que encontraba en la calle. Durante 2019 participó en muestras colectivas en el Centro Cultural Haroldo Conti y en la galería Alpha Centauri, en Buenos Aires. En el año 2020 realizó su primera muestra individual en la galería Quimera, con la curaduría de caterine ful lov (proyecto de Nina Kovensky y Lucía Reissig). Actualmente es artista residente de Munar / Boca de Fuego. Paralelamente compone y canta canciones de amor y toma clases de ritmos urbanos y twerk. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Cartón Pintado produce una serie de collages llamativos, llenos de color y fuerza. Utiliza cartón reciclado como soporte y lo interviene con óleo, acrílico, aerosol y objetos como cordones de zapatos. En sus pinturas aparecen personajes, entre mitológicos y domésticos, que producen un recorrido íntimo y sensorial en el que despliega su imaginario afectivo.

Para KM1, el artista intervino una bicicletería del barrio de San Telmo con cinco pinturas. Se trata de un gesto amoroso y humilde. Retratos de sus amigos y mascotas se mezclan con animales fantásticos, mujeres araña, seres alados y brillantes.

Con su obra, Cartón transforma lo cotidiano, dándoles nuevos usos a los materiales y agregándoles magia a las superficies. Un ejemplo claro de este procedimiento es la obra de la MariPosa, ubicada en la puerta de ingreso a la bicicletería, en la que dos cajas de pizza se transforman en alas. En un juego entre lo popular y lo preciosista, esta obra simboliza, según el artista, lo efímero del tiempo y las formas necesarias para disfrutar correctamente de él.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Siesta unicornio - Francisco Montes

Francisco Montes (San Fernando, 1995) realizó estudios en la Universidad del Cine y estudió música en el Conservatorio Juan José Castro. Participó en el programa de Artistas x Artistas y en el programa de CIA. Estudió pintura con Mariana López y realizó clínica y talleres con Fernanda Laguna, Santiago Villanueva, Javier Villa, Carla Barbero y Roberto Jacoby, entre otros. Formó parte de El burro y la moto (2018), una muestra curada por Nicanor Aráoz y Flavia Da Rin, y realizó su primera muestra individual, La casa del incesto (2019), en una casa abandonada. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Siesta unicornio es el título de una serie de pinturas que Francisco Montes realizó en los ventanales del garaje “El Triunfo”, un estacionamiento de un antiguo edificio de la calle México, en el barrio de San Telmo. Montes pintó cuatro ventanales del espacio con figuras que representan el reflejo de una mariposa, bañistas de otras dimensiones y un unicornio durmiente. La obra de Montes evoca la fantasía y el ocultismo.

En los últimos años, el artista ha realizado pinturas sobre superficies traslúcidas, como vidrios o plásticos transparentes. Así, subraya la voluntad ritual de su pintura, una forma que aspira a funcionar como un portal hacia otros estados perceptivos. Es común que en sus pinturas se retraten animales y criaturas extrañas que hacen referencia a los bestiarios medievales. Asimismo, Montes reemplaza el pincel por el aerógrafo como herramienta principal, con lo que logra formas de límites difusos que otorgan una atmósfera onírica a sus piezas.

En esta serie, Montes hace referencia a los tapices medievales que se encuentran en la colección The Cloisters del Museo Metropolitano de Nueva York. En estos aparece la figura central del unicornio, que simboliza la figura de Cristo, la inmortalidad y la sabiduría. La insistencia de Montes en traer al presente esta figura da cuenta de la supervivencia de elementos míticos del pasado en el presente y de su resignificación en la cadena de transacciones económicas actuales.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Eclipse - Antonella Agesta

Aurora Castillo (Buenos Aires, 1987) estudió en el Instituto Vocacional de Arte Manuel J. de Labardén (IVA) y en la Escuela de Bellas Artes Rogelio Yrurtia. Se formó en las clínicas de Diana Aisenberg desde el año 2013. Asistió a los talleres de Eduardo Stupía y Alejandra Seeber, en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en 2012, y de Paula Massarutti y Severine Hubard en el Centro de investigaciones Artísticas (CIA), en 2013. En 2017, realizó un taller de escultura con Luis Terán. Participó de la residencia Boca de Fuego, en Munar Arte, con coordinación de Carlos Herrera durante 2018 y 2019. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Las dos grandes telas que Aurora Castillo deja caer desde unos balcones, con su liviandad y transparencia, aspiran a disolver su materia y a convertirse en puro color. Con ellas, la artista investiga el límite inestable entre pintura y escultura, y se pregunta si el color solo puede generar un espacio, ocupar un lugar, convertirse en cuerpo, ser él mismo una escultura.

Sus piezas, con una escala superior a la humana y su parecido con las banderas, recuerdan la ambición pública de la escultura monumental. Pero las obras se alejan rápido de esas referencias y las tuercen, para acercarse y hacer nido en las tradiciones femeninas del arte textil y en la paleta del mundo infantil. Así, traman una alianza con un mundo fluido y en movimiento, con tradiciones artísticas a la vez alternativas y domésticas.

Las telas fueron exhibidas por primera vez en el marco de la exposición Un bosquejo de la intemperie, organizada en Munar, La Boca, en 2019. Ahora, colgadas en un balcón de San Telmo, unen su vuelo sutil con la arquitectura emblemática del barrio y generan una nueva puesta, donde tela y hormigón se comunican y complementan para armar una composición que reclama una vida más orgánica, más blanda, más amable.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Eclipse - Antonella Agesta

Antonella Agesta (Temperley, 1993) studied Visual Arts and specialized in painting at the Universidad Nacional de las Artes. She participated in independent training clinics and workshops, such as the 2017 edition of the Universidad Torcuato Di Tella Artists’ Program. Since 2017, she has participated in both group and solo exhibitions, including the Young Art Bienniale at Centro Cultural Recoleta (2017), Premio Itaú Artes Visuales at Casa Nacional del Bicentenario (2018), Ya nos estamos yendo [We are already on our way out] at Universidad Di Tella (2018), the 73rd Edition of the Salón Nacional de Rosario (2019) and Antosofías at the Selvanegra Galería (2019). Antonella teaches art workshops for children and adults. Since 2019, she has been an editor at Jennifer, an art and current affairs digital magazine. She lives and works in Buenos Aires.

Antonella Agesta interviene tres vidrieras de anticuarios tradicionales del barrio de San Telmo con una serie de pinturas de formatos variados. En ellas, la artista retrata objetos antiguos y preciosos desde una perspectiva íntima y fantasiosa.

Para la artista, la instalación es una manera de hacer que las pinturas regresen a su origen. La serie de obras, en las que objetos casi mágicos se recortan sobre cortinados, surgieron de una investigación en la que Agesta caminaba y recorría anticuarios, buscando y encontrando elementos antiguos con los que se vinculaba simbólica y afectivamente para luego pintarlos.

A través de su obra, en la que relaciona la pintura contemporánea con la tradición y la historia, Agesta les da un poder casi mágico a estos objetos. A veces por su tratamiento delicado y detallista, otras por la aparición de telones envolventes que se abren como portales a otros puntos del universo, las piezas aparecen como joyas, talismanes o amuletos que conjuran el pasado y la taumaturgia.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo. Agradecemos a Anticuario Finocchi, Calvaresi Antiquariato e Imperio Antigüedades por su participación.

Antonella Agesta, Eclipse, a pictorial installation in San Telmo’s antique shops, 2021.

Antonella Agesta, Eclipse, a pictorial installation in San Telmo’s antique shops, 2021.

Public Dress - Nina Kunan

Nina Kunan (1990, Buenos Aires) is a visual artist and is a Teacher with a Bachelor of Arts degree from the University of Buenos Aires. She studied sewing and upholstery and attended a clinic and workshop with Marina De Caro. She worked for the Centro de Investigaciones Artísticas in 2018. She studied painting and drawing with Eduardo Stupía (Universidad Torcuato Di Tella, 2015 and 2016), Alfredo Londaibere and Bárbara Low. She won the BECAR Cultural Exchange grant (Turin, 2019) and the Creation Grant of the Fondo Nacional de las Artes (2018). She was selected for the Salón Nacional (2021), won the KLEMM (2019) and Proyecto-A (2017) awards, and she participated in the RARO Madrid Residencies (2017). In 2020 she opened her sex shop, Arrepentida. She was a member of the self-managed project teams and of collectives such as La Baranda Galería, Editorial Muchas Nueces and Proyecto NUM.

Convocada por el Museo Moderno, Nina Kunan vistió los bolardos de la esquina de las calles Chile y Perú y las columnas de Parque Lezama. Así, la artista continúa con su serie de señalamientos en el espacio público, en los que interviene algunos mobiliarios urbanos con accesorios textiles confeccionados manualmente.

Con estas acciones, la artista subraya elementos del diseño urbano que son tan cotidianos como ignorados. Kunan devela la sensualidad de estos objetos a través de un gesto entre humorístico y cariñoso, e invita a relacionarnos con la ciudad de una manera más táctil y lúdica.

En su trabajo, Kunan se ha interesado especialmente por el fetichismo, la parafilia y la capacidad de seducción de los objetos. El cierre, el ocultamiento y el develamiento, el reencuadre de lo señalado, las telas plásticas y brillantes son elementos recurrentes en su trabajo, que dan cuenta de una aproximación sensual a aquello que nos rodea.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas que el Museo Moderno lleva adelante en el barrio de San Telmo.

Nina Kunan, Vestido público [Public dress], custom-made textile intervention in the bollards of Chile and Peru streets and the columns of Parque Lezama, 2021.

Nina Kunan, Vestido público [Public dress], custom-made textile intervention in the bollards of Chile and Peru streets and the columns of Parque Lezama, 2021.

Búnker - Julieta Tarraubella

Julieta Tarraubella (1991, Argentina/Peru) is a visual artist, image and sound designer, and a graduate of UBA. In 2014 she won the Escala AUGM exchange grant to study Visual Arts and Medialogy at UNICAMP, Brazil. In 2015 she was selected for the internship program at the Peggy Guggenheim Collection in Venice, Italy. In 2017, she participated in the Film Program at Universidad Torcuato Di Tella. In 2019, she won the Young Art Bienniale in Buenos Aires. In 2020, she received a mention for the Fundación Bunge & Born Photography and Video Contest and was selected to participate in the Byte Footage Festival. Her work can be found in renowned Argentine collections. She lives and works in Buenos Aires.

Búnker es una performance en la que tres personas con gafas de matriz led atraviesan un paisaje urbano distópico. En las gafas se reproducen continuamente titulares de noticias extraídas de portales de internet. Los personajes caminan y recorren una ciudad enceguecidos por la información que consumimos a diario, o, quizás, observan la realidad a través del filtro deformante de las noticias y los titulares periodísticos.

Búnker fue presentado por primera vez en el marco de la exposición Perfuch, en la galería UV de Buenos Aires, en 2018. En esta ocasión, la artista seleccionó espacios cercanos a las recovas y la autopista, en el Barrio de San Telmo que, por su gran escala y tonos grises, remiten a una ciudad postindustrial y deshumanizada. Como varias de sus piezas, Búnker cuestiona el vínculo que establecemos con la tecnología y cómo esta modifica nuestras percepciones.

La acción forma parte del programa KM1, una serie de intervenciones artísticas en el barrio de San Telmo que el Museo Moderno lleva adelante.

EXPOSICIONES PRESENTES
The unrelenting flame: the intrepid march of the collection of the museo de arte moderno de buenos aires
Cotelito: I Return Like a Garden After the Winter
Diana Aisenberg: Mystical Robotics in the Crystal Economy
Elian Chali: Unexpected Plane